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Falleció Ventura Pons, el pionero del cine LGTBI en España

Sábado, 13 de enero de 2024
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El director catalán fue decisivo en la Transición con sus historias que retrataban las identidades diversas. Destacó en la comedia, en el drama y las adaptaciones de obras teatrales. Su autoría y personalidad marcó siempre todas sus películas desde su mítica ópera prima

El director catalán, pionero en abordar la temática LGTBIQ+ en el cine español, falleció el pasado 8 de enero a los 78 años. Su estado de salud era delicado desde que en 2014 tuvo 7n accidente al caer de su bici dándose con la cabeza en el suelo. Sufrió un traumatismo craneoencefálico que le provocó un derrame cerebral. El accidente de bicicleta lo llevó al Instituto Guttmann de Badalona, centro de referencia mundial para rehabilitación, donde estuvo poco tiempo. Sufría algún problema de equilibrio, pero no le impidió seguir haciendo cine. Ahora ha trascendido la causa concreta de su muerte. Sufrió un trágico accidente doméstico: se atragantó. Tenía 78 años y no estaba solo en el momento del accidente en su piso de la Dreta del Eixample.

Ventura Pons fue uno de los cineastas más prolíficos y originales del cine español, con una filmografía de más de 40 películas que reflejaron sus pasiones por el teatro, la literatura y la ciudad de Barcelona, donde ambientó la mayoría de sus obras.

Pero, sobre todo, Ventura Pons fue un adelantado a su tiempo y un referente para la comunidad LGTBIQ+, al ser el primero en introducir la diversidad sexual en el cine español, en una época en la que aún estaba perseguida y estigmatizada.

IMG_2340Su obra más emblemática en este sentido fue Ocaña, retrato intermitente, por la que fue seleccionado oficialmente por el Festival de Cannes de 1978, un documental de 1978 sobre la vida y la muerte de José Pérez Ocaña, un pintor andaluz que se trasladó a Barcelona y se convirtió en un icono de la contracultura y el activismo LGTBI, gracias a sus performances travestidas y provocadoras en las Ramblas.

Ventura Pons captó con su cámara el espíritu libertario y reivindicativo de Ocaña y de toda una generación que luchó por el reconocimiento de su identidad y sus derechos. Su película se considera hoy un documento histórico y una obra maestra del cine queer.

Ventura Pons Sala  nació en Barcelona, España, el 25 de julio de 1945. Pese a que acostumbraba a rodar sus películas en catalán, casi siempre las doblaba al español para que se distribuyeran en toda España. También fueron estrenadas en numerosos países. Su obra se programó en los mejores Festivales Internacionales, destacando la Berlinale, donde consiguió su presencia durante cinco años consecutivos.

Fue vicepresidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, consejero de la SGAE y patrono de la Fundación Autor. Fue propietario de la compañía cinematográfica “Els Films de la Rambla, S.A.” fundada en 1985, que ha producido casi todos sus largometrajes.

El director Benja de La Rosa, responsable de Terror y feria y otros trabajos de espíritu queer, reconoce la influencia de Ventura Pons en su carrera: “Su cine era muy libre, él era muy libre, muy vital. Y con Ocaña pasa eso, pone delante la cámara de Ocaña y ya está. Y aunque eso parezca fácil, es dificilísimo. Él con muy pocos elementos, extraía verdad de sus personajes”.

A lo largo de su trayectoria, Ventura Pons siguió explorando la diversidad sexual en sus películas, tanto en comedias populares como El vicario de OlotLa rubia del bar, ¡Puta miseria!, como en adaptaciones literarias de autores como Quim Monzó, Josep Maria Benet i Jornet o Sergi Belbel, en las que retrató con sensibilidad y humor las relaciones humanas, el amor, el deseo y la soledad. Entre estas últimas, se encuentra Amic/Amat,  basada en la obra de teatro Testamento de Josep Maria Benet, en la que el protagonista, un maduro profesor homosexual, sintiendo próxima su muerte a consecuencia de una enfermedad, intenta decidir a quien dejar su herencia: un ensayo sobre El libro del Amigo y del Amado de Ramon Llull. Decide que la mejor persona para heredar tan curioso legado es su mejor alumno, del cual está enamorado.

IMG_2342Ventura Pons fue también un gran retratista urbano de Barcelona, plasmando los cambios sociales, culturales y urbanísticos que se produjeron en la ciudad desde la Transición hasta la actualidad. Su última película, Miss Dalí, se estrenó en 2018 y fue un homenaje a la figura de la hermana del pintor surrealista.

En el año 2000, Ventura Pons estrenó Anita no pierde el tren, una comedia dramática con Rosa María Sardà y José Coronado, que fue un gran éxito de crítica y público, y que le valió el Premio Goya a la mejor actriz a Sardà. A partir de entonces, comenzó una etapa en la que todos los grandes actores del momento, querían rodar con él. Sin embargo, también constituyó un periodo de paulatino decaimiento en su consideración por parte de la crítica y el público. A esa época pertenecen Amor idiota, Animales heridosotras dos adaptaciones, de Luis Anton-Baulenas y Jordi Puntí. Durante esa época trabajó con su trouppe habitual y también añadió nombres como el de Aitana Sánchez-Gijón, Cayetana Guillén Cuervo, Santi Millán y Oriol Pla.

Pero destacaron sobre todo sus documentales: El gran Gato, sobre la figura del compositor y cantante Joan Baptista Humet, así como Cola, Colita Colaasa (Oda a Barcelona), sobre Colita,la fotógrafa que tan bien retrató Barcelona y a sus gentes, que falleció en 2019.

El mundo del cine y la cultura ha lamentado la pérdida de Ventura Pons, al que han definido como un cineasta valiente, innovador y comprometido, que dejó una huella imborrable en el cine español y en la memoria colectiva de la comunidad LGTBIQ+.

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Cate Blanchett lanza un programa para empoderar a cineastas mujeres, trans y no binarias

Miércoles, 3 de enero de 2024
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Cate Blanchett ha lanzado un programa para empoderar a cineastas mujeres, trans y no binarias.

En asociación con la cofundadora de Blanchett’s Dirty Films, Coco Francini, y la Dra. Stacy L. Smith, fundadora de la Iniciativa de Inclusión Annenberg de la Universidad del Sur de California, el nuevo Programa Acelerador de Prueba de Concepto de la USC tiene como objetivo proporcionar financiación y tutoría a cineastas cuyo trabajo promueve la perspectiva de las mujeres, las personas trans y no binarias, según People.

La estrella ganadora del Oscar de ALQUITRÁN dijo a la revista que la iniciativa se inspiró en parte en una experiencia reciente que tuvo en un set de filmación. “Había asumido, debido a que las cosas han cambiado, y todos estamos hablando de la forma en que ha cambiado la industria, que el escenario en el que iba a caminar sería diverso”, dijo Blanchett. “No sólo era la única mujer frente a la cámara, sino que era la única mujer en el set.  Mis hombros se hundieron”, añadió. “No estaba enojado, estaba decepcionado”.

Citó datos compilados por Smith y la Iniciativa de Inclusión Annenberg. En su informe anual más reciente, el grupo de expertos encontró que solo el 6 por ciento de los directores de 1.600 películas más taquilleras entre 2007 y 2022 eran mujeres, mientras que menos de un tercio de todos los papeles hablados en esas películas eran niñas, mujeres, trans o personajes no binarios.

“Creo que eso es lo que nos motivó a todos a intentar encontrar una iniciativa turboalimentada realmente funcional que ayudaría, desde nuestra perspectiva, a abordar los desafíos que vemos”, explicó Blanchett. “Esta iniciativa es realmente emocionante”.

Francini dijo que el programa se centrará en abordar tres obstáculos clave que las directoras mujeres, trans y no binarias enfrentan con frecuencia: dinero, tutoría y exposición.

Las solicitudes para el programa se abren en enero, después de lo cual se seleccionarán hasta ocho cineastas para recibir 50.000 dólares para financiar un cortometraje. Como sugiere el nombre del programa, la idea es que esos cortos sirvan como “prueba de concepto” para un largometraje o serie de televisión.

“Cuando se trata de voces frecuentemente marginadas, la gente siente que no saben cómo defenderse financieramente”, explicó Blanchett. “Este programa (ayudará) a que las personas, al hacer un cortometraje, se den cuenta de cómo podría ser su largometraje para que, cuando lo lleven a un estudio, a un servicio de streaming o a quien sea, puedan presupuestarlo y sepan qué pedir y a quién pedirle ese dinero”.

Los participantes en el programa Prueba de concepto también recibirán tutoría personalizada de líderes de la industria y su trabajo se presentará en una muestra del proyecto.

En un Hollywood “averso al riesgo”, Blanchett dijo que el programa pretende dotar a los participantes “de las herramientas para decir: ‘Esto no es un riesgo’. Esto agregará valor para usted como empresa y para las audiencias que no han visto algo como esto antes’”.

“Estamos perdiendo una enorme oportunidad creativa al no diversificarnos. Deploramos la pereza creativa, deploramos la pereza financiera y, por lo tanto, deberíamos deplorar la falta de inclusión”, dijo sobre la industria. “La homogeneidad en cualquier industria es la muerte del progreso y la innovación. Ese es ciertamente el caso de las industrias creativas. Cuando entras en un escenario que es homogéneo, puedes saborear el resultado. Las cosas que surgen, que son nuevas y que tienen influencia para la próxima década, siempre comienzan porque alguien se arriesgó”.

Fuente LGBTQNation

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Los obispos de Kerala advierten de que una película pro-gay conducirá al “caos en la sociedad”

Viernes, 29 de diciembre de 2023
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IMG_1828IMG_1829Los obispos católicos de un estado del sur de la India están protestando por lo que afirman es la promoción de la homosexualidad después del lanzamiento de una nueva película que aboga por los derechos LGBTQ+.

En una reunión de diciembre, el Consejo de Obispos Católicos de Kerala (KCBC) centró su atención en “obras de arte, películas, dramas y series de televisión” con temas homosexuales, que creen que influyen negativamente en la juventud. La sesión se produjo después del estreno de la película Kaathal (El corazón) a finales de noviembre. Los líderes de la iglesia han criticado la película debido a que acepta la interpretación de un sacerdote católico gay.

Según el P. Michael Pulickal, secretario de la Comisión para la Vigilancia y la Armonía Social de KCBC, la película va en contra de los valores “fuertemente defendidos por la Iglesia”. Pulickal declaró:

“‘No estamos en contra de ninguna película, pero cuando apunta deliberadamente a nuestra fe bajo el pretexto de la libertad de expresión, nos oponemos.’

“‘La película intenta dar la impresión de que la Iglesia Católica apoya actos pervertidos, pero no es cierto’”.

KCBC ha advertido a los católicos que la película “pondrá patas arriba conceptos sociales tradicionales probados por el tiempo y tendrá amplias ramificaciones, incluido el caos en la sociedad”.

En la misma reunión de la KCBC, los obispos decidieron que 2024 será el “Año de la Juventud”. Esperan que ese enfoque impida que los jóvenes reciban “una impresión equivocada” y “hechos equivocados” de los medios progresistas del país.

En una historia relacionada, a principios de este año, durante el debate en India sobre la legalización del matrimonio igualitario, la Iglesia Siro-Malabar, una iglesia católica oriental en unión con Roma, presentó una declaración al presidente de la India afirmando que la iglesia se opone firmemente a las relaciones entre personas del mismo sexo. Según informó el Times of India:

“El comunicado decía que los matrimonios entre personas del mismo sexo violan el derecho de los niños a nacer y crecer en la vida matrimonial; es la negación de la naturaleza humana que fue formada como masculina y femenina. Sería una injusticia hacia el sistema familiar y la sociedad, afirmó”.

La declaración añade además que la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo puede generar un clamor por la legalización de la “atracción” hacia parientes, niños y animales. Por tanto, no se puede permitir, dijo la Iglesia”.

“Sin embargo, la Iglesia mira con misericordia a quienes tienen diferencias en materia de sexualidad (mental y física) y se opone a toda discriminación contra ellos. Al mismo tiempo, la Iglesia declara su postura de que el matrimonio es entre un hombre y una mujer”.

Robert Shine, director asociado del New Ways Ministry, comentó sobre los acontecimientos en Kerala:

A los obispos católicos de Kerala les preocupa que los medios LGBTQ positivos, como la película Kaathal, proporcionen a los jóvenes ‘hechos erróneos’. El verdadero problema son los obispos que difunden información errónea, como cuando los líderes siro-malabar vincularon el matrimonio igualitario con el incesto y el abuso. Tales afirmaciones son inconsistentes con la enseñanza católica, que enfatiza el respeto por las personas LGBTQ+. Si 2024 va a ser el “Año de la Juventud” para los católicos de Kerala, un gran paso sería proporcionar información objetiva sobre las cuestiones de género y sexualidad que son tan relevantes para muchos jóvenes”.

—Sarah Cassidy (ella/ella), Ministerio New Ways, 13 de diciembre de 2023

Fuente New Ways Ministry

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La mística llega al cine de la mano de Teresa de Jesús

Lunes, 11 de diciembre de 2023
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IMG_1556Del blog de Peio Sánchez, Cine espiritual para todos:

Paola Ortíz , interpretación y símbolo

La lengua está en pedazos y es solo el amor el que habla

Teresa” es una propuesta arriesgada y a contratiempo sobre la santa de Jesús y del Carmelo, inspirada en su autobiografía, “El libro de la Vida”. Basada en un sugerente texto de Juan Mayorga titulado “La lengua en pedazos” que obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática 2013. La directora Paula Ortiz asume la misión de trasladar al lenguaje audiovisual el texto teatral redoblando el juego de los espacios, asomándose a las visiones y elaborando una semiótica de la experiencia mística. Sale airosa del lance ofreciendo una propuesta contenida, profunda y, en ocasiones, emocionante, en el sentido de afectación del corazón.

Donde Carlos Saura fracasó en “La noche oscura” (1988) con un San Juan de la Cruz más histriónico que místico, en el mismo terreno accidentadamente sobrenatural, Paula Ortíz deja entrever aquello que es imposible.  Ya que “ni puede la palabra recoger tanto amor”, dixit Teresa, ni la imagen tampoco alcanza. Aquí ayuda la humildad, el maestro Saura perpetró un texto que no comprendía a Juan de Yepes, Ortíz se apoya en uno de nuestros mejores dramaturgos, que ocupa el sillón “M” de la que dice Reverte es de “Hombres buenos”.

Recogiendo inspiración donde conviene, desde el Malick de “El árbol de la vida” hasta el “Vania en la calle 42” de Malle y la sombra de la serie “Teresa de Jesús” dirigida Josefina Molina y que también humildemente se apoyó en Víctor García de la Concha, que casualmente además dirigió la academia de los “Hombres buenos”.

IMG_1558Blanca Portillo ya nos había enseñado su don en “María, conversa” (2016) y nos sobrecogió en “Maixabel” (2021). Lo que asombra es una composición unitaria del personaje que vive “amor contra Amor” a través de múltiples registros de la profética y humilde, la rebelde y sagaz, la contenida y traspasada, la de las cebollas y la de su Señor. No le va a la zaga Asier Etxeandia que ya apuntaba maneras en “Dolor y gloria” aunque los premios de los llevara Banderas. Aquí interpreta al Inquisidor que va y viene de juez a alter ego demoníaco de Teresa, de creyente a medias a espejo “a veces roto” del mismo espectador. Y por fin, en ambos, voces de verdad en el cine español sin contar con los dobladores, a viva voz

La directora de “La novia” es ya experta en adaptaciones, de Lorca a Teresa pasando por Mayorga. Sabe poner ambientes que reflejen las palabras: la cocina del convento para la historia íntima, el claustro abierto para los duelos verbales, el infierno de vacíos y soledades para las tentaciones, la iglesia envelada para las confesiones. Elabora los símbolos: el agua, la llama de los candiles, la hoguera, las coronas de espinas, la mano del Señor, el hábito y el deshábito, las huellas ensangrentadas, la tierra en las manos y el cielo estrellado. Aunque quizás hubiera sido de más hondura preocuparse menos de poner símbolos a las palabras y procurar dejar progresar lentamente su significado al hilo de la narración. Algo que consigue mejor la banda sonora, me ha encandilado la composición de Juanma de la Torre interpretada por Rocío Márquez y las piezas tanto litúrgicas como barrocas.

IMG_1559Las paradojas de Teresa permiten acercarnos a la belleza de las formas y la radicalidad de lo humano. “Soy enemiga de dar pesadumbre en lo que se puede evitar, pero no temo tener enemigos”. “Aquí todas sabemos los cuidados que trae tener propio y la riqueza que está en la pobreza”. “Nuestras vidas solo deseamos que el Señor nos ofrezca en qué perderlas. Todo se gana en perderlo todo por él”. “A veces se llama desorden a lo que es espíritu”. Y aquí se desvela la fe de Teresa en su profunda verdad. “Es una gran pena, pero tan dulce que no hay deleite que más gusto dé. Dios aprieta al alma con abrazo que nunca querría ella salir de él

Y como colofón algunos trazos de la mujer que luchó a destiempo contracorriente. “A poco que hagamos las mujeres, se juzga exceso lo que hagamos. No hay acierto de mujer que no se ponga bajo sospecha. “Disparate de mujeres”, dicen enseguida. Nos tiene el mundo acorraladas, mariposas cargadas de cadenas. Pero el Señor hace a una niña sin letras más sabia que al obispo más letrado. Aunque no nos den libertad para dar voces, aunque sea en voz baja, no dejaremos de decir nuestras verdades”. Palabras escritas entre 1563 y 1565, como decíamos ayer…

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Fuente Religión Digital

 

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14 películas darán vida al XV Festival Internacional de Cine LGBTIQ+

Sábado, 30 de septiembre de 2023
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IMG_0579El festival de temáticas LGBTIQ+ más antiguo del país se desarrollará entre el 17 y 21 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional.

Por decimoquinto año consecutivo el Movimiento de Integración y Liberación Homosexual producirá en octubre próximo el Festival Internacional de Cine LGBTIQ+ (Cine Movilh), la muestra de películas con temáticas de la diversidad sexual y de género más antigua del país.

En total 14 largometrajes, cortometrajes y documentales darán vida al Festival, que entre otras temáticas abordan  “la homo/transfobia laboral, religiosa, gubernamental, familiar o médica, el amor de parejas, la diversidad sexual y de género en la adolescencia, la violación a derechos humanos cometidas en regímenes dictatoriales o de transición a la democracia y la discriminación interseccional”, señaló el productor del certamen, Gonzalo Velásquez.

“Invitamos a todas las personas al Festival, a asistir en familia, con amigos/as o solos/as y a disfrutar de películas que sensibilizan en la realidad LGBTIQ+ y en el respeto que merecen todos los seres humanos, sea cual sea su orientación sexual o identidad de género. Al igual que en todas las versiones pasadas, el acceso al Festival es liberado y gratuito”, apuntó.

El Festival tendrá lugar entre el 17 y 19 de octubre a las 19:30 horas en el Centro Cultural España (Avenida Providencia 927, Metro Salvador) y el 20 y 21 de  octubre a las 20:00 horas en la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio La Moneda (Plaza de la Ciudadanía 26, Metro Moneda).

En su XV versión el Festival cuenta con los apoyos del Centro Cultural España, de la Cineteca Nacional y del Centro Niemeyer.

Toda la información, programación y sinopsis se encuentran aquí

Evento de Facebook aquí

A los asistentes se les recomienda llegar 15 minutos antes de cada función para que no queden fuera.

Fuente MOVILH 

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Tráiler del western romántico entre Pedro Pascal y Ethan Hawke

Sábado, 13 de mayo de 2023
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extrana-forma-de-vida-pedro-pascal-y-ethan-hawkeTiene todos los componentes que nos pueden gustar. Por un lado el director. El gran Pedro Almodóvar. Por otro, los actores: Pedro Pascal y Ethan Hawke.

Y, por otro, que solo existe una sola película que hable de amor gay en el super masculino y heterosexual mucho del western, Brokeback mountain.

«Extraña forma de vida» es definida por Almodóvar como un “western queer en el sentido de que hay dos hombres, y se aman, y tienen que lidiar con esa situación”.

¿De qué se trata Extraña forma de vida? “Un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Crek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes, ambos trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad”.

No lo eso, porque entre estos dos hombres siempre ha habido algo más que una amistad.

El 26 de mayo se estrena en nuestro país. La película, que ha sido producida por Deseo, tiene este nombre por un fado de Amalia Rodrígues, que sugiere que «no hay existencia más extraña que aquella que se vive de espaldas a tus propios deseos».

Fuente Oveja Rosa

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‘Mamacruz’, la película española que reivindica el erotismo de la religión

Sábado, 1 de abril de 2023
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19AA871F-87D9-4740-A224-55F23CEE5C1BKiti Mánver en el cartel de ‘Mamacruz’, película española en Sundance La Claqueta

Patricia Ortega competía en la competición internacional del Festival de Sundance con esta historia sobre la sexualidad en la tercera edad y en una Sevilla donde la Semana Santa domina el imaginario

Javier Zurro

21 de enero de 2023

En España siempre ha habido un problema con la sexualidad. 40 años de dictadura y de nacional-catolicismo han hecho mella, y todavía se viven las consecuencias. Esa herencia religiosa hace que, para muchos, el sexo sea algo oscuro, sucio y avergonzante, de ahí que muchas mujeres hayan vivido negando su propio deseo. La ficción empieza a romper esos tabúes y comienza a traspasar ciertas líneas. Por ejemplo, en la sexualidad en la vejez. Pocas historias han mostrado con naturalidad a cuerpos ancianos. Aquí también se manifiesta el machismo de industrias como el cine, habituada a mostrar galanes de 60 años con parejas décadas menor. Las mujeres, a partir de los 50, se convierten en abuelas en el cine.

Todo eso se resquebraja. Lo mostró el año pasado Buena suerte, Leo Grande, donde Emma Thompson destrozaba prejuicios con un desnudo integral que era una declaración de intenciones. Precisamente aquel filme se presentó en el Festival de Sundance, mismo lugar donde se verá por primera vez la película española Mamacruz, dirigida por la venezolana Patricia Ortega y que realiza la misma operación. Esta vez cambiamos a Emma Thompson por nuestra Kiti Mánver y se le añade un contexto social y político mucho más interesante, el de un pueblo sevillano donde la religión y la Semana Santa tienen mucha importancia. El descubrir sexual de la protagonista, a la que llaman todos Mamacruz, se hará a través del imaginario católico. Ya su póster es una declaración de intenciones, con Kiti Mánver a punto de besar un cristo. Una escena que se repite en un filme valiente y que abre conversaciones importantes y necesarias.

Mamacruz nace de un hallazgo inesperado, el que la directora hizo mientras cuidaba a su madre durante la quimioterapia que recibía en Maracaibo, en Venezuela. De repente, en su cuarto encontró una foto que no había visto hasta ese momento. Una fotografía de su madre desnuda. “Mi mamá siempre ha sido superconvencional y yo era la oveja negra, entonces a raíz de esa foto surgió algo muy bonito entre las dos, una conversación muy bonita y yo empecé a escribir primero un cuento, un relato sobre ella y sobre mi abuela que fue mutando y se convirtió en un tratamiento de guion que empecé a mover por laboratorios de guion, porque hay ideas que cuajan y otras que no, y este cuajó maravillosamente”, cuenta Patricia Ortega.

La autora escribió primero la historia para Venezuela, que adaptó luego a un pueblo sevillano, pero subraya que en Venezuela “todavía hay una militancia católica muy fuerte” y su familia es “supercatólica”. “Pero cuando conocí a Olmo [Figueredo, productor español con La Claqueta] decidimos que la película fuera española y él me sugirió Sevilla. Cuando fui a Sevilla y descubrí la Semana Santa dije, esto es increíble, es mucho más fuerte todo que en Maracaibo, era perfecto para la historia. Así que no tuve que hacer ningún esfuerzo por adaptarla porque acá se contaba perfectamente”, explica.

Tienes una obra como el Éxtasis de Santa Teresa que lo que describe evidentemente es orgásmico y muy sensual

Patricia Ortega — Directora de cine

Para Patricia Ortega ese tabú del sexo y el cuerpo no tiene que ver solo con una generación, sino que se perpetúa en las más jóvenes. A ella le sorprendió ver en Sevilla a cofrades tan jóvenes. Descubrió una ciudad que ha crecido con una idiosincrasia y una práctica del catolicismo que ella describe como “muy pagana”. “Los colores, la fiesta que se arma, el fervor, no tiene nada que ver con el Vaticano ni con las normas de la Iglesia. Es muy popular, es muy colorido. Yo lo agarré más desde allí, desde el color, desde lo popular, de cómo las personas se apropian de la religión y hacen lo que les da la gana, independientemente de lo que diga el Vaticano”, añade.

Ahí viene lo rompedor de Mamacruz, y lo que muchos calificarán como provocador. Patricia Ortega utiliza todo ese imaginario de la Semana Santa y de lo católico, mantillas, mantos y cristos, como potenciador de lo erótico y la sexualidad de la protagonista, que se excita viendo el torso desnudo de Jesucristo. “Yo creo que la religión tiene mucho erotismo”, dice Ortega entre risas. “Es que tienes una obra como el Éxtasis de Santa Teresa que lo que describe evidentemente es orgásmico y muy sensual. Y tú lees a Santa Teresa y dices: a ver, esta mujer estaba cachonda también, ¿es evidente, no? O el versículo de la Biblia que nosotros usamos, del Cantar de los Cantares, que también está en una escena que es evidentemente erótica. La religión, como expresión cultural, también tiene erotismo, porque es imposible que los seres humanos, que son los que han representado estas figuras, no están exentos de la sensualidad o de las pasiones que hay allí en todo”.

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En el proceso de documentación y escritura la directora vio el documental ¡Dolores, guapa!, que cuenta la relación del colectivo LGTB con la Semana Santa y donde “retrata muy bien que hay muchos imagineros que usan a sus amantes como modelos para hacer el Cuerpo de Cristo”. “Por eso es que hay Cristos buenorros”, dice riendo Patricia Ortega. “Yo me asombré con un Cristo que hay en Cádiz, que es un Cristo buenorro. Yo decía, pero este Cristo musculoso, de dónde salió. Me parece muy divertido y me parece, no simplemente polémico, sino muy interesante hablar sobre esto, quitar ese estereotipo de que la gente que cree o que es practicante, aunque yo no lo sea, tiene que ser oscura u ortodoxa. Hay mucha gente que vive la sensualidad y el erotismo a través de sus creencias, por eso quise verlo desde allí, desde esta mujer que empieza siendo muy ortodoxa, muy convencional, con mucha culpa, pero que se va liberando y va reinterpretando y llenando de sensualidad su creencia”.

Con Mamacruz también quiere poner a la mujer en la vejez en el centro del deseo y de la historia, porque no recordaba nunca que el cine se centrara en estas historias, sino que cuando hablaba de ellas era en “películas muy oscuras o tristes”. “Parece que la gente después de los 70 años no follara o no sintiera deseo, o pareciera que cuando te haces mayor ya no eres un ser sensual… eso no puede ser. Yo quería borrar el estigma de la edad. Que esta abuela deje de ser una abuela y se convierta en una mujer. Su cuerpo deja de tener el peso de la abuela y se convierte en un cuerpo que quiere jugar, un cuerpo sensual, un cuerpo que siente como cualquier cuerpo similar”, apunta Ortega que también quiere romper con los cuerpos canónicos, porque para el cine parece que “la belleza, el erotismo y la sensualidad solo tienen que ver con la juventud y con un cierto tipo de cuerpo”.

Fuente El Diario

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Michael K Williams habló sobre el miedo de interpretar un personaje gay

Jueves, 12 de enero de 2023
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5AA6E33C-9415-425E-BCDD-A7F262779C3D“El miedo fue por culpa de mi educación”

El difunto y gran actor Michael K. Williams fue aclamado por la crítica por su interpretación del personaje gay Omar Little en The Wire, pero no siempre se sintió cómodo con la idea de interpretar a un homosexual.

En sus memorias: Scenes From My Life (Escenas de mi vida), publicadas antes de su trágica muerte el año pasado a la edad de 54 años, Williams reveló que al principio temía aceptar el papel de Omar debido a la naturaleza estereotipada de la mayoría de los personajes gays de la época.

 “En cuanto a la homosexualidad de Omar, fue rompedora hace 20 años, y admito que al principio me daba miedo interpretar a un personaje gay“, escribió Williams. “Creo que mi miedo inicial a la sexualidad de Omar procedía de mi educación, de la comunidad que me crió y de los estereotipos obstinados de los personajes homosexuales. Hice mío a Omar. No estaba escrito como un tipo, y yo no lo interpretaría como tal”.

El personaje de Omar fue muy elogiado cuando se estrenó The Wire de HBO en 2002. En una época en la que los personajes homosexuales en la pantalla se construían en torno a tropos ya cansados de lo que significa ser LGBTQ+, Omar se sentía refrescantemente auténtico.

La sexualidad de Omar proporcionó una importante representación a principios de la década de 2000 -en particular para los homosexuales negros-, teniendo en cuenta que los derechos LGBTQ+ a ambos lados del charco seguían lamentablemente rezagados.

Sin embargo, en la pantalla, su sexualidad era lo menos destacable del personaje. Para muchos fans del colectivo LGBTQ+, se trataba de uno de los primeros casos en los que un personaje gay tenía toda una personalidad aparte de con quién se acostaba.

Omar era, como señaló el escritor Ernest Owens tras la muerte de Williams el año pasado, “duro, seguro de sí mismo, sexual, divertido y gangsta”, y no una “caricatura hipersexual y demasiado extravagante”.

A pesar de sus dudas iniciales, Williams sabía lo monumental que sería el personaje, tanto para la representación como para su propia carrera.

Recordando el momento en que le dijo a su madre que interpretaría a un hombre gay, Williams escribió: “Recuerdo que ayudé a mi madre a llevar la compra a su apartamento y le hablé de este nuevo papel que había reservado. Desde el primer momento supe que iba a dar mucho que hablar. Este personaje va a cambiar mi carrera”, dije. “Pero la cosa es que… dudé. Es abiertamente gay. Bueno, nena”, me dijo, “esa es la vida que has elegido y yo la apoyo”. Ella no había aceptado las artes ni mi interés por ellas, pero para mí, esa era su versión de aliento”.

Las memorias de Williams también revelan cómo, a pesar de ser consciente de que el personaje de Omar era mucho más que gay, el actor luchó para que la representación hiciera referencia explícita a su sexualidad.

En una sección de sus memorias, Williams escribe: “En lo que respecta a Omar y su amante Brandon (interpretado por Michael Kevin Darnall), parecía que todo el mundo bailaba alrededor de su problema de intimidad.

“Se tocaban el pelo, se rozaban los labios y cosas así. Sentí que si íbamos a hacerlo, debíamos ir a por todas. Creo que los directores estaban asustados, y le dije a uno de ellos: ‘Sabes que los gays follan, ¿verdad?'”.

Cuando entré y besé a Michael en los labios, todo el mundo dejó de hacer lo que estaba haciendo y se quedó boquiabierto. Hace veinte años, los hombres -especialmente los de color- no se besaban en televisión. No quiero decir que fuera raro; quiero decir que no ocurría”.

Fuente Pink News

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Almodovar estrenará su western gay protagonizado por Ethan Hawke y Pedro Pascal en Cannes

Sábado, 17 de diciembre de 2022
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17EAFF2A-FE5A-407C-AAE1-FE0576C5A2CDFoto de Iglesias Más

Pedro Almodóvar dirige una película western con un romance gay entre Ethan Hawke y Pedro Pascal.

Se llama “Extraña forma de vida” y se estrenará el próximo mes de mayo en el Festival de Cannes. El nombre viene de un fado de Amalia Rodrígues. “La letra de ese fado sugiere que no hay existencia más extraña que aquella que se vive de espaldas a tus propios deseos”.

Según ha adelantado el propio cineasta en el podcast ‘At Your Service’ de Dua Lipa, su nuevo proyecto será un “western queer, en el sentido de que hay dos hombres y se aman” donde los personajes que encarnan Pascal y Hawke vivirán esa situación de “una forma opuesta”.

Se trata de la masculinidad en un sentido profundo, porque el western es un género masculino”, ha avanzado Almodóvar, al tiempo que ha señalado que la cinta “tiene muchos de los elementos del oeste”, como el rancho o el ‘sheriff’, según recoge el portal especializado ‘Variety’.

Gran parte de la cinta se ha rodado en nuestro país. En Tabernas, Amería. Extraña forma de vida nos cuenta la historia del ranchero Silva, que cruza el desierto a caballo para visitar al sheriff Jake.

“Tiene muchos elementos del wéstern, como los pistoleros, el rancho o el sheriff, pero creo que en la gran pantalla nunca se han producido conversaciones de este tipo y en este contexto”, explicó el ganador del Óscar a mejor película extranjera en 1999 por “Todo Sobre Mi Madre”.

Fuente Oveja Rosa

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Cinta española «Finlandia» gana el Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ en Chile

Jueves, 27 de octubre de 2022
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280D29A9-B3CF-49E8-B61D-3A996B26E179En la categoría documentales venció la cinta chilena “Soy niño” y en cortos la española “El bosque de la Quimera


La película española “Finlandia”, dirigida por Horacio Alcalá, resultó ganadora como “mejor largometraje” en el XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ (CINE MOVILH) que se desarrolló entre el 12 y el 16 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional.

La cinta, que aborda la convivencia de una diseñadora con las muxes en el estado de Oaxaca, en el sur de México, resultó ganadora según la votación del público, mientras que el documental chileno-francés “Soy Niño”, de Lorena Zilleruelo, obtuvo similar reconocimiento al relatar las experiencias de Bastián, un adolescente trans.

A su vez el español “El Bosque de la Quimera”, de Antonio Fernández Bernal, ganó en la categoría Mejor Cortometraje  con su historia sobre un joven con síndrome de Down.

El productor del Festival de Cine Movilh, Gonzalo Velásquez, felicitó “a todas las películas ganadoras, las cuales reflejan las nuevos debates sobre la realidad LGBTIQA+, en especial los relacionados con la discriminación interseccional. Estamos felices por el exitoso desarrollo del Festival, así como  por los debates que generó entre los espectadores/as”.

El XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ ( CINE MOVILH ) contó con los apoyos de la Fundación Interamericana, del Centro Cultural España, del Centro Cultural La Moneda y del Centro Niemeyer.

Fuente MOVILH

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Once películas de seis países darán vida al XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+

Miércoles, 5 de octubre de 2022
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cine-movilh-2022El Festival Internacional de Cine Movilh se desarrollará el 12, 13 y 14 de octubre en el Centro Cultural España y el 15 y 16 de octubre en la Cineteca Nacional.


Un total de 11 películas de seis países darán vida al XIV Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ (Cine Movilh), el cual se desarrollará entre el 12 y el 16 de octubre en el Centro Cultural España y en la Cineteca Nacional del Centro Cultural La Moneda.

Las películas de Bélgica, Brasil, Chile, Francia, España y Rumania cuentan historias de las personas LGBTIQA+ al interior de sus familias, lugares de trabajo y las cárceles, así como la realidad de la diversidad sexual y de género en la niñez, adolescencia, la juventud y la edad adulta.  Junto a la  discriminación, la migración, el amor y la realidad de las personas LGBTIQA+ con síndrome de Down, otros temas que tratan las películas son los pueblos autóctonos y la transición social, legal y corporal de las personas trans.

“Se trata de películas que no están disponibles en salas, ni en plataformas digitales. Es una selección especial para el Festival de Cine Movilh, la muestra de su tipo más antigua y más masiva del país”, señaló el productor del evento, Gonzalo Velásquez.

Las funciones tendrán lugar el 12, 13 y 14 de octubre a las 19:30 horas en el Centro Cultural España (Avenida Providencia 927, Metro Salvador) y el 15 y 16 de octubre a las 19:00 horas en la Cineteca Nacional (Plaza de la Ciudadanía 26, Metro Moneda)

En su nueva versión, el Festival de Cine Movilh cuenta con los apoyos de la Fundación Interamericana, del Centro Cultural España, del Centro Cultural La Moneda y del Centro Niemeyer.

La cartelera completa se encuentra aquí

Fuente MOVILH

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Firebird: la historia de los amantes gay en la URSS

Martes, 3 de mayo de 2022
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firebirdEsta coproducción estonio-británica, que se estrenó el año pasado pero que de repente ha cobrado relevancia tras la invasión rusa de Ucrania, examina algunas de las formas en que un aparato estatal represivo y homófobo marca a los ciudadanos con la vergüenza. Basada en una historia real según los créditos iniciales, el escenario es a finales de la década de 1970, cuando la Unión Soviética aún ocupaba las naciones bálticas.

El joven ruso de provincias Sergey Serebrennikov (interpretado por el actor británico Tom Prior, también uno de los coautores del guión, junto con el director estonio Peeter Rebane y el creador de la historia Sergey Fetisov) está haciendo su servicio nacional en una base del ejército en Estonia. Tiene un tímido flirteo con la bella local Luisa (Diana Pozharskaya), secretaria en la base de un oficial al mando, y es amigo de su compañero de litera Volodja (Jake Henderson).

Sin embargo, cuando a Serguéi le asignan una especie de ayudante de cámara para el elegante piloto de caza Roman Matvajev (el actor ucraniano Oleg Zagorodnii), la atracción entre los dos hombres se vuelve física y pronto se besan con discos de Tchaikovsky y se escapan a Tallin para ver una representación del Pájaro de Fuego de Igor Stravinsky, de ahí el nombre de la película.

Por desgracia, era una época en la que la homosexualidad estaba prohibida en el ejército soviético -aunque la situación actual no es mucho mejor- y una fuente anónima delata al oficial local del KGB, por lo que Sergey y Roman tienen que ocultar su amor. El servicio de Sergey llega a su fin, y se traslada a Moscú para formarse como actor, encontrando un círculo más bohemio que le permite mantener la puerta del armario entreabierta, si no del todo. Pasan algunos años y, al estilo del clásico melodrama, Roman vuelve a aparecer, incapaz de abandonar a Sergey (como dicen en Brokeback Mountain), aunque entretanto se haya casado y haya tenido un hijo.

En última instancia, es una historia bastante triste, no muy diferente de Brokeback, dada la ambientación de época y el tema del amor oculto. Pero el director Rebane, aunque bastante competente, no es Ang Lee. Prior y Zagorodnii tienen ciertamente una química romántica, pero los diálogos son a menudo un poco rígidos y hay algo extraño en las películas en las que los personajes hablan en inglés en lugar del idioma en el que se supone que hablan, en este caso el ruso. Se puede entender por qué los cineastas decidieron hacerlo así, pero hace que la película parezca anticuada y torpe. Es una pena, porque la exploración de la película sobre el amor, el coraje y el precio de decir la verdad es tan oportuna como siempre, y especialmente para los rusos.

Fuente Cromosomax

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Cineasta de Bollywood quería contar la historia de un soldado gay, pero el gobierno de la India dice que eso es “ilegal”

Sábado, 5 de febrero de 2022
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índiceEl Major J Suresh (izda) y el cineasta indio Onir (dcha).

Un director gay de Bollywood criticó la decisión del gobierno indio de prohibir su película sobre un oficial del ejército gay.

Onir, cuyo nombre de nacimiento es Anirban Dhar, es mejor conocido por Mr Brother…Nikhil, una de las primeras películas hindi convencionales que explora el VIH y las relaciones entre personas del mismo sexo.

Inspirado en la historia de la vida real del oficial retirado del ejército gay Major J Suresh, quien renunció a las fuerzas por su sexualidad, el cineasta ha propuesto la película We Are.

Pero el Ministerio de Defensa de la India supuestamente bloqueó sus esfuerzos por su representación “ilegal” de soldados LGTBIQ, dado que el personal LGBT+ no puede servir abiertamente en las fuerzas armadas de la India, informó NDTV.

Para Onir, el gobierno se ha aprovechado de un requisito introducido hace dos años que exige que los cineastas obtengan autorización del Ministerio de Defensa para producir películas sobre las fuerzas armadas.

El cineasta indio solo quería contar la historia de un “soldado gay que se enamora”. Le dijo a The Independent  que el gobierno no otorgó a su guión un Certificado de No Objeción, ya que lo solicitó en diciembre. “Lo que en sí mismo es problemático”, dijo Onir al periódico británico, “porque India tiene una junta de certificación de películas que debería estar haciendo este trabajo”.

Onir recibió un escueto correo electrónico de la agencia gubernamental después de enviar el guión para su aprobación, afirmó. “Quería hacer algo que lo celebrara y al mismo tiempo destacara el camino a seguir en términos de asegurar los derechos civiles y cambiar las percepciones sociales [de la comunidad queer]”, dijo el hombre de 52 años.

Militares HinduesMilitares indios

We Are, la próxima secuela de la película de Onir de 2010, I Am, será una película de antología de nuestros romances queer que conmemora el veredicto histórico de la Corte Suprema de 2018 que, por fin, despenalizó la homosexualidad.

Entre las cuatro historias estaba Suresh, quien escribió por primera vez en su weblog, Blog personal de un mayor indio orgulloso y extrovertido, en 2020, causando un  revuelo, sobre las luchas que enfrentó al “reconciliar la parte militar/exmilitar y la parte gay” de su vida. Durante mucho tiempo había sentido que los dos “no pueden / no encajan. Pero poco a poco me di cuenta de que esta era una lucha absolutamente injustificada a la que me había sometido, probablemente impulsada por los niveles más bajos de aceptación social en India”, agregó.

 Y ahora, el ex oficial del ejército indio, el comandante J Suresh, se encuentra nuevamente en los titulares. El guión del cineasta Onir sobre un oficial del ejército gay, inspirado en la vida de Suresh, ha sido rechazado por el Ministerio de Defensa, lo que indica que la comunidad LGBTQI+ aún no ha encontrado la plena aceptación en la India.

Suresh dice que está “tratando de evitar sensacionalizar esta controversia actual” dada su naturaleza delicada cuando nos ponemos en contacto con él. “Tengamos en cuenta que la batalla para que los gays sirvan abiertamente en el ejército es generalmente la última y más difícil batalla en la lucha por los derechos LGBT. La comunidad tiene tantas batallas que ganar, como luchar por el matrimonio, la adopción, la herencia de lasparejas, etc. ”, agrega.

Habiendo perdido a su padre por Covid-19 en mayo de 2020, dice que ahora tiene más responsabilidades con su madre y su hermano. “Estoy pasando por algunas circunstancias muy restrictivas en mi vida. Así que no estoy en la misma situación que en 2020 y no puedo correr los mismos riesgos”, dice el ex oficial del ejército indio. Además, comparte que trató de buscar apoyo en 2020, pero no pudo encontrarlo, y ahora se encuentra en circunstancias muy diferentes.

indicePreguntado sobre qué siente acerca del rechazo del guión de Onir y qué es exactamente lo que debe cambiarse, y él responde: “Este problema actual tiene dos dimensiones. Uno es la negación de la libertad de expresión de Onir… El rechazo de su guión equivale a eso. En segundo lugar, está la política discriminatoria del ejército contra los homosexuales. Solo podemos tomar el primero por ahora. Para resolver el segundo, el ejército puede ordenar una revisión y cambiar la política a una más inclusiva, o bien, necesita un desafío legal mucho mayor en los tribunales”.

La historia de Suresh, dijo Onir, era “interesante” e inspiró el recuento “ficticio”. “Escribí sobre un militar gay que se enamora”, explicó Onir, “se da cuenta de que no puede expresar su amor abiertamente mientras sirve en el ejército, renuncia y finalmente se acerca a su amante. Ni siquiera entro en ningún discurso sobre si está bien o mal”.

PinkNews contactó al Ministerio de Defensa para hacer comentarios.

Fuente Pink News/Notimundo

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«Yo nena, yo princesa»: llegó a los cines la historia de la primera niña trans en cambiar su DNI

Lunes, 8 de noviembre de 2021
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9CB05F09-F62F-4428-9E60-78BCC422E177Elías (hermano de Luana), Gabriela Mansilla, Luana y Eleonora Wexler en el estreno de la película

Es la primera ficción del mundo sobre la temática de infancias trans y se basa en la historia real de Luana. En 2013, “Lulú” fue precursora en Argentina en conquistar el Documento Nacional de Identidad (DNI).

Es la primera ficción del mundo sobre la temática de infancias trans y se basa en la historia real de Luana. En 2013, “Lulú” fue precursora en Argentina en conquistar el Documento Nacional de Identidad (DNI) de acuerdo a su autopercepción, sin haber judicializado el caso. La película, dirigida por Federico Palazzo, versiona el libro de Gabriela Mansilla, mamá de Luana y activista.

“Yo nena, yo princesa” cuenta la lucha de una madre primero en el seno de su familia y luego en la vida pública para velar por los derechos de su hija trans. Narra la incomprensión de médicos y psicólogos posicionados desde una mirada biologicista y patologizadora. De esta manera, la película muestra lo que viven las personas travestis y trans, y la constante batalla frente a los mandatos sociales pero también la importancia del activismo de la diversidad sexual.

A lo largo de la película se van mostrando las faltas de políticas públicas que acompañen a las familias en los primeros años. También los problemas en acceder a la educación, la salud, la circulación de afecto, el esparcimiento y la recreación, para llegar a la conclusión de que, en nuestra sociedad, el problema es estructural y merece la construcción colectiva de espacios habitables que no pongan en riesgo sus vidas.

El film es un ensayo crítico y una profunda reflexión sobre los prejuicios y los saberes instituidos, poniendo en debate la necesidad de romper con este mundo cis-heteronormado, patriarcal y binario, para pensar en formas de educación que abracen lo diverso y normalicen lo “anormal”.

“Es una historia de amor con una interpelación hacia el mismo amor, hacia la construcción de familia que tenemos como idea instalada en la sociedad. Van a empezar a replantearse qué es ser varón, qué es mujer. Se van a encontrar con una niña que no solo les va abrir la cabeza. Es una película donde se defiende desde muy temprana edad ‘el quién soy’ ante todos los obstáculo que tienen esta cultura machista, patriarcal, capitalista, binaria, biologicista y va a generar muchos interrogantes. Anhelamos la empatía y el respeto con el que soñamos con el proyecto”, dijo a Presentes Gabriela Mansilla.

La construcción de un personaje desde el amor

La actriz Eleonora Wexler, que en la película encarna a la mamá de Luana, dijo a Presentes:

“Es histórico en el mundo abordar la historia de una niña trans como lo es Luana, además protagonizada por otra niña trans como lo es Isabella. Es un compromiso social enorme por todo lo que hay para contar, decir y concientizar. Hablar de infancias trans era realmente un desafío, implicaba entrar en un mundo inexplorado y yo me considero una persona con una mentalidad super abierta y de repente me chocaba con todo esto que existe y desconocía”.

Para construir su personaje, se reunió con Luana y Gabriela en la casa de ambas. Tenía previsto estar una hora, pero el encuentro duró cuatro. “El desafío de la película tiene que ver con educar desde el amor y lo que implica habilitar la escucha, con el acompañamiento, con cómo es y qué significa la autopercepción, qué sucede en los primeros años de esas infancias, lo importante del rol familiar allí y la importancia de la identidad para poder tener espacio en la sociedad, y para eso yo tenía que poder dialogar con ellas, era sumamente necesario”, agregó la actriz.

Integraron el elenco junto a Wexler, Juan Palomino, Isabella G. C, Lidia Catalano, Valentina Bassi, Valentino Vena, Mariano Bertolini, Paola Barrientos, entre otres.

La historia de Lulú

La historia comienza en 2009, tres años antes de la aprobación de la Ley de Identidad de Género. El caso de Luana tomó estado público en 2013, cuando Gabriela Mansilla contó en los medios obre lo que estaba atravesando junto a su hija. Ese mismo año, luego de una lucha sostenida, Luana recibió el DNI en manos de su madre en un acto con el entonces jefe de gabinete bonaerense Alberto Pérez y el fallecido dirigente de la Comunidad Homosexual Argentina (CHA), César Cigliutti.

Hoy Gabriela es fundadora y presidenta de la Asociación Civil Infancias Libres. Se define como militante por las niñeces y adolescencias travestis y trans. Además es escritora, conferencista y madre de les mellices Luana y Elías. Hace cuatro años la contactaron de la productora “Tronera” para adaptar su libro al cine.

“Creo que es un proyecto importante y hubo gran sensibilidad y disposición por parte del equipo. Fue un aprendizaje para todo el elenco, el equipo de técnicxs y todas las personas que participaron porque había que comprender qué era lo qué se iba a contar y desde qué lugar, considerando que es una historia contemporánea”, contó Gabriela a Presentes.

Luana tenía 6 años cuando le dieron el Documento Nacional de Identidad, hoy tiene 14. Su visibilidad logró ayudar a otras niñeces: después de esto, 1400 infancias lo tramitaron en el país y además logramos instalar un gran debate en la agenda política.

Yo nena, yo princesa” fue producida por Grupo Octubre, Arco Libre, Tronera Producciones y Universidad Nacional de la Matanza. Fue declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación, el Ministerio de Educación de la Nación y el ente de Cultura de la Provincia de Tucumán.

Fuente Agencia Presentes

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Doritos lanza un emocionante anuncio de amor gay por el «Día de los muertos»

Martes, 2 de noviembre de 2021
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comercial-amor-gay-doritosEl Día de los Muertos es una celebración mexicana que se lleva acabo entre el 1 y 2 de noviembre, y ha servido de inspiración para honrar a las personas fallecidas en varios países del continente y está vinculada a las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos y celebraciones paganas como Halloween, que se celebra internacionalmente en la noche del 31 de octubre.

Es una fecha muy importante que ha inspirado películas como la preciosa Coco de Disney Pixar. Y ahora también ha inspirado un emocionante anuncio de Doritos que trata del amor gay, visibiliza el amor LGTB en la tercera edad y también empodera a las personas a ser ellas mismas, independientemente de su edad.

Es tan emocionante que en solo 5 días ya lleva casi dos millones y medio de visualizaciones. Podemos ver a una familia que va a honrar la memoria de Alberto, un hombre mayor ya fallecido. Alberto decide aparecer en el mundo de los vivos y presentar a su pareja, Mario.

Y esto es lo que sucede a continuación…

Doritos lleva un año muy comprometido con el colectivo LGTB. Hace unos meses sorprendió con un anuncio muy emotivo sobre un joven que sale del armario en el ámbito rural con su padre, y en 2015 lanzó unos Doritos arcoíris  que causó la ira de los fundamentalistas de extrema derecha.

Fuente Oveja Rosa

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Llega el festival de cine gay 26LesGaiCineMad a Madrid

Martes, 26 de octubre de 2021
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LesGaiCineMad fundado en 1996 es el festival internacional de cine de temática LGBT+ con mayor reconocimiento internacional de Madrid.

Creado con el objetivo de dar visibilidad a este colectivo, durante veinticinco ediciones, ha dado visibilidad a miles de películas y ha hecho posible el estreno de largometrajes en salas comerciales gracias al apoyo de la Fundación Triángulo.

En la actualidad el festival cuenta con un fondo de más de 3000 películas de temática LGBT+.

La cita cinematográfica tendrá lugar en diferentes espacios de la Comunidad de Madrid entre los días 3 y 14 de noviembre.

Presentaciones de obras cinematográficas LGTB+ que serán presentadas en diferentes salas como el Cine Doré o la Sala Berlanga.

Sigue todas las novedades en sus redes sociales para saber como y donde acudir a esta cita de cine.

Fuente LesGaiCineMad

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Muere Tommy Kirk, el actor infantil expulsado de Disney por ser gay

Viernes, 8 de octubre de 2021
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16329992168870Después de protagonizar varias películas, los famosos estudios de Hollywood le echaron a la calle en 1964 por ser homosexual

El actor estadounidense Tommy Kirk, que protagonizó numerosas series y películas infantiles a mediados del pasado siglo, ha muerto esta semana a los 79 años de edad en Las Vegas, donde residía, tal y como informa The Hollywood Reporter. Un fallecimiento en soledad con el que termina una vida marcada por la decisión de los estudios Disney de expulsarle en 1964 tras descubrir que era homosexual y mantenía una relación con otro hombre.

Kirk, de aspecto desgarbado, nació en Kentucky en 1941, aunque muy pronto se mudó a Louisville junto a su padre, mecánico, su madre, secretaria, y sus cuatro hermanos. Precisamente fue a raíz de su elección en lugar de su hermano mayor Joe para un papel menor en ‘Ah Wilderness!‘, a los 13 años de edad, cuando se dio a conocer y arrancó una prolífica carrera como actor de series de televisión y películas.

La serie ‘The Hardy Boys Mysteries of Ghost Farm‘, incluida en el programa ‘The Mickey Mouse Club’, le lanzó al estrellato, aunque su estreno como protagonista principal en el cine no llegó hasta 1957, en la película ‘Fiel amigo‘ que narraba la historia de amistad entre un joven campesino y un perro vagabundo. ‘Los Robinsones de los mares del sur’, ‘El bosque sin retorno’ o ‘El club del pijama’ fueron otras producciones en las que participó con un papel principal.

Expulsado en 1964 de Disney por ser homosexual

Sin embargo, en 1964, y pese a que el propio Walt Disney, propietario de los estudios, se había referido a él como su “amuleto de la suerte“, fue expulsado después de que sus jefes descubrieran que era homosexual y mantenía una relación con otro joven. Una situación que terminó marcando su carrera como actor y a la que se refirió años después en una entrevista.

“Cuando tenía 17 ó 18 años acepté por fin que era gay y que eso no iba a cambiar. No sabía las consecuencias que podría tener, pero sí tuve el presentimiento de que destruiría por completo mi carrera en Disney y, seguramente, mi futuro como actor”, confesó Tommy Kirk en su día. Y estaba en lo cierto…

d88633b958534238819fe2896cd38398_mdTras su salida de Disney apenas fue capaz de encontrar papeles importantes y terminó coqueteando con el mundo de las drogas. Incluso fue detenido por posesión de marihuana en 1965. Participó en algunas películas y series menores en los 70 y desapareció prácticamente por completo de la escena hasta 1995, participando en varias películas (‘Attack of the 60 foot Centerfold’, ‘Liss Miss Magic’, ‘Billy Frankenstein’ o ‘The Education of a Vampire’).

En 2006, conscientes del grave error que habían cometido en su día y con el evidente cambio de mentalidad de la sociedad con el paso de los años, Disney le otorgó el título de ‘Leyenda Disney‘.

Fuente Marca

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Vuelve el Festival Internacional de Cine LGBTIQ+ de Chile

Lunes, 4 de octubre de 2021
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4F6E7D1A-2D83-4A10-B5F7-79F2F34F407B-747x1024Desde el 13 de octubre con funciones presenciales en el Centro Cultural España, tras dos años de receso debido a la pandemia.

El Festival Internacional de Cine Lésbico, Gay, Bisexual, Trans, Intersex y Queer (Cine Movilh), la muestra más antigua y masivo de su tipo desarrollada en Chile, volverá el miércoles 13 de octubre  con funciones presenciales tras dos años de receso debido a la pandemia del Covid-19.

La 13 ª  versión del Festival incluye cintas de Cuba, Chile, España, Italia y Reino Unido que serán difundidas el 13, 14 y 15 de octubre a las 19:30 horas en el Centro Cultural España (CCE), ubicado en Avenida Providencia 927, Metro Salvador.

Entre otras temáticas, las cintas abordan la realidad LGBTQ+ al interior de las familias, las iglesias, el Deporte, la migración y el trabajo, dando especial énfasis a la infancia, la adolescencia y los adultos mayores.

El acceso es liberado y gratuito, debiendo llegar las personas 15 minutos antes de cada función con mascarilla y con pase de movilidad para poder ingresar.

“Estamos muy felices y emocionados de volver con este Festival. Si bien las condiciones sanitarias actuales no permiten realizar este año la muestra en más salas, las proyecciones en el Centro Cultural España serán un nuevo punto de partida para el este Festival de Cine, el cual es pionero en su tipo y, desde sus inicios, ha educado y entretenido con historias sobre la diversidad sexual y de género”, señaló el productor del evento, Gonzalo Velásquez

Invitamos a todas las personas ha reencontrarnos una vez más en torno a la cultura y el arte, tras dos años distanciados y sin poder vernos”, finalizó Velásquez, tras agradecer al Centro Cultural España, la Embajada Británica y el British Council por apoyar el certamen.

Toda la programación del 13 Festival Internacional de Cine Movilh se encuentra aquí

Fuente MOVILH

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Tiempo de fragilidades: ‘Nomadland’ hace historia en los premios Oscar de la pandemia

Martes, 27 de abril de 2021
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NOMADLAND-de-Searchlight-PicturesLa Academia de Hollywood ha abogado este domingo por el futuro del cine y de la diversidad en la industria cuando las salas de cine son solo un recuerdo vago para millones de personas.

2020 fue el año del coronavirus y, la temporada de butacas vacías y exhibidores al borde de la quiebra, provocada por el virus a la economía global. Quizá por eso los miembros de la Academia han dado como ganadora de la noche del Oscar a una película sobre los estragos de la crisis y la búsqueda del norte de la gente común. Nomadland, de la cineasta china Chloé Zhao, se ha llevado tres premios ―película, dirección y actriz― en la edición 93ª de los galardones, que será recordada como los atípicos Oscar de la pandemia.

Zhao se ha convertido en la segunda mujer en llevarse el premio de dirección. “Esto es para cualquiera con fe y que se aferre a la bondad que tiene en su interior”, dijo la directora, quien llevó a la gala a algunas de las personas nómadas que hablan sobre su vida en la ficción.  La cineasta es la primera asiática y no caucásica que triunfa en la categoría. El 32% de las nominadas esta noche eran mujeres, un incremento, aún pequeño, si se lo compara con años anteriores. Esta edición registró nuevamente un récord de mujeres ganadoras: 15 ganaron 17 premios (Zhao y Frances McDormand se llevaron dos cada una), empatando un hito de 2018. Esta fue la primera ocasión que dos directoras aspiraban al Oscar. La otra candidata era Emerald Fennell, quien conquistó el primer Oscar de la noche, a mejor guion original por Una joven prometedora, una película que filmó en solo 23 días.

El mejor actor protagonista fue Anthony Hopkins por su interpretación de un anciano aquejado por la demencia en El padre, dirigida por el dramaturgo francés Florian Zeller.

 Chadwick Boseman, fallecido a los 43 años en agosto del año pasado por un cáncer de colon cerró su carrera encarnando a Levee, un ambicioso trompetista de la banda de Ma Rainey, una volcánica cantante en La madre del blues. La película de Netflix se llevó los premios de vestuario y el de maquillaje y peluquería, que tenía entre los ganadores al español Sergio López-Rivera, maquillador personal de Viola Davis, protagonista del drama. Sergio López-Rivera,  Mia Neal y Jamika Wilsona subieron a recoger su Oscar: “Gracias a nuestros antecesores que no tiraron la toalla, que siguieron luchando”, dijo Neal, “aquí estamos rompiendo el techo de cristal, abriendo un futuro mejor para todos. Porque en esta industria trabajan personas negras, trans, indígenas y sé que un día no será extraño: será lo normal” También hubo otros ganadores latinos, los responsables del sonido de Sound of Metal: la venezolana Carolina Santana, y los mexicanos Carlos Cortés, Michelle Couttolenc y Jamie Baksh.

La surcoreana Youn Yuh-Jung, la abuela de Minari, se ha convertido en la segunda asiática en ganar un premio de actuación desde 1957, cuando fue premiada Miyoshi Umeki por Sayonara. La ganadora afirmaba: “Nos categorizan como negros, blancos, amarillos, cafés. No está bien que nos dividan así, ¿saben? Si ponemos todos los colores juntos es mejor. Hasta el arcoíris tiene colores. Los colores realmente no importan”, dijo Youn.

Regina King recordaba los disturbios en Minneapolis por el juicio por el asesinato de George Floyd. “Como madre de un niño negro sé el miedo que se vive en las calles y el miedo que padecen muchas familias en casa. Solo queremos que nuestros hijos lleguen bien a su hogar. Esperemos que esta sentencia marque un punto y aparte en nuestra historia”, defendió la actriz.

También tuvo palabras sobre la cuestión el ganador del Oscar a Mejor Actor de Reparto, Daniel Kaluuya, por un papel en una película ciertamente militante como Judas y el mesías negro. “Gracias al movimiento de los Panteras Negras aprendí a amarme tal como era. A respetar a mi comunidad y todo lo que ella significaba”, afirmó.

También se acordaron los realizadores del cortometraje Two Distant Strangers, ganadores del Oscar a Mejor Cortometraje de Ficción. Travon Free dijo: “Hoy han muerto tres personas a manos de la policía. También lo harán mañana, porque de media tres personas al día mueren a manos de las fuerzas de seguridad, y la mayoría son personas negras. No podemos ser indiferentes al dolor ajeno”.

Thomas Vinterberg,  Oscar por mejor película internacional por Otra ronda, recordó a su hija mayor, Ida, fallecida en accidente de coche cuatro días antes de que empezara el rodaje. “Es un milagro lo que ha pasado y ella es parte de él. Este Oscar es un monumento para ella”, dijo el director sobre el escenario.

Tan solo Frances McDormand tuvo palabras para los cines, que en Estados Unidos han estado cerrados durante meses y acumulan pérdidas que han abierto una profunda herida en el tejido de la industria. “Lleven a ver a sus amigos y familiares, cuando sea seguro, a ver Nomadland en la pantalla más grande posible”, dijo la oscarizada actriz que anoche se llevó su tercera estatuilla.

En 2020, la taquilla global ingresó solo 12.000 millones de dólares, una caída de 72% que responde al cierre de los cines. En el mismo tiempo el mercado del streaming creció un 33% en Estados Unidos y un 30% en el resto del mundo. Los suscriptores para estos servicios en línea crecieron un 26% en 2020 en todo el mundo rebasando por primera vez los 1.000 millones de personas en plataformas como Netflix, quien lideró en nominaciones este año con 36. Este gigante de Hollywood obtuvo siete premios, pero ninguno en las categorías de interpretación y de los grandes, Mank, de David Fincher, ganó mejor dirección de fotografía y diseño de producción.

Consulta aquí la lista de todos los ganadores y ganadoras de la 93 edición de los Premios Oscar

Premios Oscar 2021. Tiempo de fragilidades

“Soul” como cabía esperar ha arrasado en animación. La película más escatológica de la maquinaria Pixar-Disney nos asombró a pesar de su parquedad en el tratamiento de Dios, propia de quien quiere garantizarse a todos los públicos y toda la recaudación

Como si fuera un impulso escondido el cine se detiene ante las fragilidades. Las películas premiadas en este año de la pandemia global, con los cines arrasados y las plataformas digitales haciendo el agosto, tienen en común este rasgo característico: los seres humanos habitamos la debilidad.

Normadland era nuestra apuesta. Y esta vez el cine de perdedores ha logrado vencer. La mejor película de este año es una historia sobre los descartados, una mujer que forma parte de los trabajadores ambulantes del que era considerado el país más rico del mundo. Con la directora novel de origen chino Chloé Zhao también premiada y con una inmensa Frances McDormand que se supera cada actuación desde Fargo pasando por Tres anuncios en las afueras hasta recalar nuevamente en el Oscar a la mejor actriz. Este wéstern con la cabalgadura de una vieja caravana pero que toca las fibras de la existencia, rozando la melancolía, pero apuntando a la esperanza. Donde se muestra que en medio de las cenizas nacen las flores, que el amor es posible y que hay una misteriosa presencia que acompaña como las notas de un villancico.

Anthony Hopkins es “El padre”. Con 83 años este Oscar reincidente y testamental premia a un enorme actor que es aupado por el dramaturgo francés Florian Heller que se estrena por la puerta grande. También premiado el guion adaptado basada en la obra “Le Père” del mismo director, que cuenta la historia de la fragilidad de un anciano que pierde la memoria-cordura acompañado por el amor impotente de Anne, su hija, en este caso interpretada por Olivia Colman, que también era nuestra “Fauvorite” como actriz secundaria. La muerte y la memoria forman parte de la entraña de los contadores de historias, ahora es narrada en forma de thriller donde el espectador queda apresado en la mente que se desvanece del anciano que todos seremos. Con la vejez de Hopkins nos asomamos a la fragilidad que seremos donde se nos concede el regalo de ser amados.

“Soul” como cabía esperar ha arrasado en animación. La película más escatológica de la maquinaria Pixar-Disney nos asombró a pesar de su parquedad en el tratamiento de Dios, propia de quien quiere garantizarse a todos los públicos y toda la recaudación. Sin embargo, su mirada al más allá está rebosante de sentido y optimismo en la medida en que reconoce la dimensión espiritual de los seres humanos que enfrentamos la vulnerabilidad pudiendo caer en cualquier alcantarilla, como hace el Joe Gardner el pianista de jazz. Un poco de “¡Qué bello es vivir!”, unos gramos de “El cielo puede esperar” y bastante de inspiración cristiana entreverada de las religiones del alma a solas.

“Lo que el pulpo me enseñó” ha arrebatado a “El agente topo” el Oscar al mejor documental. No es frecuente la calidad en Netflix-Dólar, pero la excepción confirma la estrategia empresarial. Craig Foster es un documentalista sudafricano que demás de buzo está en una fuere crisis personal y antes que tratar su fragilidad personal en el diván se sumerge en la naturaleza oceánica. Y allí asombrosamente se hará “amigo” de un pulpo durante más de cien inmersiones. La conexión con la naturaleza se convierte en una fuente espiritual de resistencia y la capacidad de rehacer los tentáculos perdidos en la dura pelea vital. Una forma de superar las pérdidas y nacer de nuevo. Una metáfora significativa para los tiempos que corren donde lo humano se trasciende.

El minari es el perejil oriental con un sabor entre amargo y fresco que salva a una familia. Aunque aspiraba “Minari. Historia de mi familia” a los Oscar a mejor película, mejor dirección y mejor actor, se ha quedado con la consolación del Oscar a la mejor actriz de reparto para Youn Yuh-jung, que hace de una abuela incombustible. Esta película de tintes autobiográficos nos coloca en un lugar entre el fracaso y el sueño americano para una familia coreana. Aquí la resiliencia procede de los viejos que enfrentan las pruebas y las limitaciones con una sabiduría que procede de lo más profundo. Nada es fácil, nada es simple pero las oportunidades pueden estar en lo más pequeño. Y nuevamente una alianza de los niños y los viejos.

Para una industria en plena convulsión de transformaciones en las ventanas de visionado, el que Hollywood premie a relatos existenciales de corte espiritual donde las fragilidades emergen y los invisibles se hacen visibles es de agradecer. La pandemia necesita relatos porque la humanidad busca contarse. Esperemos que este aprendizaje venga para quedarse y no arrase el cine-series basura que han adormecido tantos confinamientos.

Fuente El País/El Diario/Religión Digital

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John Logan dirigirá una película sobre la terapia de conversión gay

Martes, 20 de abril de 2021
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pjimage-51John Logan ha sido nominado a los premios de la Academia por ‘Gladiator’, ‘The Aviator’ y ‘Hugo’. (JB Lacroix / Getty / Pixabay)

John Logan, el escritor tres veces nominado al Oscar detrás de Skyfall y el Moulin Rouge, hará su debut como director con una nueva película de terror ambientada en un campo de conversión.

Whistler Camp es una “historia de empoderamiento queer”, según Deadline, y actualmente está en proceso de casting.

La película será realizada por Blumhouse Productions, que produjo éxitos de taquilla de terror como Get Out, The Purge e Insidious. El estudio tiene varias otras películas actualmente en producción, incluida una secuela de Halloween, una secuela de Purge y The Black Phone.

El estudio aún no ha confirmado cuándo se espera que Whistler Camp comience a filmar o se publique.

El fundador de Blumhouse, Jason Blum, hizo un breve comentario en Twitter: “Queríamos hacer una película con John Logan y se le ocurrió la idea * perfecta *”.

Adam Robitel, director de Insidious: The Last Key y Escape Room, se unió a la conversación en Twitter y escribió: “Esto es lo mejor que he escuchado. John Logan es un genio del siguiente nivel. Esto es fantástico.”

Si bien Logan no es conocido por sus escritos de terror, su reciente incursión en el género con la serie de televisión Penny Dreadful fue aclamada por la crítica.

Logan ha tenido una carrera impresionante como escritor en películas bien recibidas, incluidos los capítulos de James Bond, Skyfall y Spectre, Rango y Sweeney Todd. También ha escrito y adaptado producciones teatrales de éxito como Moulin Rouge! y Red, que le valió un premio Tony en 2010.

Whistler Camp marcará el debut de Logan como director de un largometraje.

Según los informes, también está trabajando en el guión de una nueva película biográfica de Michael Jackson con Graham King, quien anteriormente produjo la película biográfica de Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody.

Logan recibió atención en 2012 después de que algunas escenas en Skyfall fueran descritas como “cargadas de erotismo” entre Javier Bardem y Daniel Craig. En ese momento, dijo: “Algunas personas afirman que es porque soy, de hecho, gay, pero no es cierto en absoluto. Ha habido muchas formas de hacer el gato y el ratón e intimidar a Bond, y pensamos que lo que realmente incomodaría a la audiencia es la intimidación sexual. Así que decidimos que deberíamos jugar la carta y disfrutarla”.

Los fanáticos del cine ya están pidiendo respuestas sobre el casting y las fechas de estreno en línea.

Fuente Pink News

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