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El cantante Lil Nas X habla sobre los pensamientos suicidas y la vergüenza gay adolescente en un nuevo y poderoso video

Miércoles, 26 de mayo de 2021

Screenshot-2021-05-21-at-08.42.38Lil Nas X visita a su yo adolescente en un emotivo video musical de su nuevo sencillo “Sun Does Down”. (YouTube / Lil Nas X)

Lil Nas X lanzó su video “Sun Goes Down“, y es muy emotivo.

El nuevo ícono del pop  ha estado preparando la “importante” canción durante unos días, y cuando se lanzó, los fans quedaron impresionados por su letra introspectiva y su video musical conmovedor.

La pista de guitarra ve a Lil Nas X recordando cómo estaba “obsesionado” por “estos pensamientos homosexuales”  y le rezaba a Dios para que “me lo quitara”.

“Envíame una pistola y veré el sol”, canta en el coro, y finalmente se da cuenta: “Por cierto, estoy feliz / Que hice ese salto, ese salto de fe.

“Estoy feliz de que todo haya salido bien para mí / voy a hacer que mis fans estén tan orgullosos de mí”.

El video de “Sun Goes Down” muestra a Lil Nas X visitando a su yo adolescente, que está luchando con la soledad y su identidad, trabajando en un Taco Bell, apoyando a Nicki Minaj y tomando clases en la escuela secundaria.

El clip, que fue dirigido por Nas junto con Psycho Films, concluye con él ofreciendo apoyo y amor a su yo más joven, quien luego procede a bailar alegremente en su fiesta de graduación.

Los fans estuvieron de acuerdo en que “Sun Goes Down” es tanto un golpe emocional como un bop certificado.

Un fan compartió que escuchar la canción les hizo experimentar “recuerdos reprimidos de queerfobia“.

Para muchas personas queer, la letra “suena un poco demasiado cerca de casa”.

Incluso Taco Bell tuiteó sobre “Sun Goes Down”, diciendo que tenía la canción “actualmente en repetición”. Nas respondió: “Queremos la comida lil nas x”. Y si.

Lil Nas X será el invitado musical para el final de Saturday Night Live de este fin de semana. Aparecerá en el programa junto a la actriz de The Queen’s Gambit, Anya Taylor-Joy, quien será la conductora y actuará tanto “Sun Goes Down” como “Montero”.

“Sun Goes Down” es el segundo sencillo que Lil Nas X lanza este año, después de “Montero (Call Me By Your Name)” de marzo y su video inspirado en la mitología que vivirá en la infamia de Internet.

El suicidio se puede prevenir. Se anima a los lectores que se vean afectados por los problemas planteados en esta historia a ponerse en contacto con Samaritans en 116 123 ((www.samaritans.org), o Mind en 0300 123 3393 (www.mind.org.uk).

Se anima a los lectores de los EE. UU. A que se comuniquen con la National Suicide Prevention Line (Línea Nacional de Prevención del Suicidio) al 1-800-273-8255.

Fuente Pink News

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El anuncio de Pantene que cuenta la historia de una niña trans y sus madres lesbianas

Sábado, 15 de mayo de 2021

Niña-trans-y-madres-lesbianas-panteneSawyer es una niña trans que tiene la suerte de contar con dos mamás que la aman, la cuidan y la apoyan en ser quién es y en llevar a cabo su transición.

El estar empoderada le ha servido a Sawyer protagonizar un anuncio de la marca de champú Pantene, y convertirse así en un ejemplo para millones de niños y niñas en el mundo.

En el anuncio la acompañan sus dos mamás, Ashley y Ellie, que cuentan cómo a pesar del temor que podían sentir porque como todas las madres desean que sus hijos sean amados y aceptados, le dejaron claro que ella no tenía que esconderse, ella debía mostrar al mundo quién era.

«Mi consejo es que seas tú mismo y no dejes que nadie te diga quién tienes que ser», nos dice Sawyer en el anuncio donde se habla de la importancia que tiene, por ejemplo para una niña trans, el pelo, dejarse crecer el pelo como una gran declaración de intenciones.

Es la primera vez que Pantene nos presenta a una familia diversa con el lema de que el pelo es más de los que nos pensamos, aunque en 2018 Pantene Filipinas lanzó otro anuncio inclusivo, con una mujer transgénero como protagonista.

Aquí puedes ver el anuncio con subtítulos en inglés:

Fuente Oveja Rosa

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Benedetta, drama biográfico de monjas lesbianas dirigido Paul Verhoeven.

Viernes, 14 de mayo de 2021

1592283.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxxDesconocidas y Fascinantes: Benedetta Carlini, ¿ángel o demonio? por Virginia Garzón

Benedetta Carlini: La monja lesbiana del siglo XVII

Este año se estrenará una nueva película de Paul Verhoeven Benedetta (2021), un drama ambientado en el siglo XVII que cuenta la historia de Benedetta Carlini, una monja visionaria cuya ascensión al poder fue frustrada cuando las autoridades de la iglesia descubrieron pruebas de un romance con otra monja, encarcelándola durante 35 años.

La película fue filmada íntegramente en francés, y se basa en Immodest Acts (La vida de una monja lesbiana en la Italia renacentista), libro escrito por la historiadora Judith C. Brown en 1986. Gerard Soeteman, coguionista de Verhoeven en Black Book, se distanció del proyecto debido a los aspectos sexuales extremos de la película; su lugar lo tomó el guionista David Birke.

Protagonizada por Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphné Patakia y Lambert Wilson, se ha confirmado que la película se estrenará en el Festival de Cine de Cannes en competición y ha llegado el primer trailer. Si bien aún no se ha confirmado un lanzamiento en Estados Unidos, aterrizará en Francia el 9 de julio.

Inspirado en hechos reales, el thriller en francés comienza en un convento toscano del siglo XV mientras la peste asola el país. La joven Benedetta Carlini ingresa en el convento como monja novicia que guarda un gran secreto: a una edad temprana, desarrolló la capacidad de realizar milagros.

Su impacto en la vida de la comunidad religiosa es “inmediato y trascendental”, revela la sinopsis de la película, pero en este mundo de intenso escrutinio no viene sin conflictos.

La historia toma un giro muy sexual cuando acoge a una joven en su convento; poco después comienza a experimentar visiones apasionadas y eróticas, que la llevan a un enredo romántico con su compañera.

Como revela el primer tráiler, no tarda en ser asediada por todos los lados por los escépticos que están decididos a llevarla a juicio por blasfemia.

Benedetta está protagonizada por la nominada al Oscar Charlotte Rampling en el papel de la abadesa Felicita, mientras que Virginie Efira interpreta el papel titular y Daphne Patakia encarna a Bartolomea, el objeto del afecto de Benedetta.

Benedetta se estrenará en el Festival de Cannes 2021 este verano, antes de ser estrenada en Francia por Pathé el 9 de julio. Todavía no se ha confirmado la fecha del estreno internacional.

Hasta entonces, echa un vistazo al tráiler a continuación y prepárate para obsesionarte.

Fuente: The Film Stage

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Tiempo de fragilidades: ‘Nomadland’ hace historia en los premios Oscar de la pandemia

Martes, 27 de abril de 2021

NOMADLAND-de-Searchlight-PicturesLa Academia de Hollywood ha abogado este domingo por el futuro del cine y de la diversidad en la industria cuando las salas de cine son solo un recuerdo vago para millones de personas.

2020 fue el año del coronavirus y, la temporada de butacas vacías y exhibidores al borde de la quiebra, provocada por el virus a la economía global. Quizá por eso los miembros de la Academia han dado como ganadora de la noche del Oscar a una película sobre los estragos de la crisis y la búsqueda del norte de la gente común. Nomadland, de la cineasta china Chloé Zhao, se ha llevado tres premios ―película, dirección y actriz― en la edición 93ª de los galardones, que será recordada como los atípicos Oscar de la pandemia.

Zhao se ha convertido en la segunda mujer en llevarse el premio de dirección. “Esto es para cualquiera con fe y que se aferre a la bondad que tiene en su interior”, dijo la directora, quien llevó a la gala a algunas de las personas nómadas que hablan sobre su vida en la ficción.  La cineasta es la primera asiática y no caucásica que triunfa en la categoría. El 32% de las nominadas esta noche eran mujeres, un incremento, aún pequeño, si se lo compara con años anteriores. Esta edición registró nuevamente un récord de mujeres ganadoras: 15 ganaron 17 premios (Zhao y Frances McDormand se llevaron dos cada una), empatando un hito de 2018. Esta fue la primera ocasión que dos directoras aspiraban al Oscar. La otra candidata era Emerald Fennell, quien conquistó el primer Oscar de la noche, a mejor guion original por Una joven prometedora, una película que filmó en solo 23 días.

El mejor actor protagonista fue Anthony Hopkins por su interpretación de un anciano aquejado por la demencia en El padre, dirigida por el dramaturgo francés Florian Zeller.

 Chadwick Boseman, fallecido a los 43 años en agosto del año pasado por un cáncer de colon cerró su carrera encarnando a Levee, un ambicioso trompetista de la banda de Ma Rainey, una volcánica cantante en La madre del blues. La película de Netflix se llevó los premios de vestuario y el de maquillaje y peluquería, que tenía entre los ganadores al español Sergio López-Rivera, maquillador personal de Viola Davis, protagonista del drama. Sergio López-Rivera,  Mia Neal y Jamika Wilsona subieron a recoger su Oscar: “Gracias a nuestros antecesores que no tiraron la toalla, que siguieron luchando”, dijo Neal, “aquí estamos rompiendo el techo de cristal, abriendo un futuro mejor para todos. Porque en esta industria trabajan personas negras, trans, indígenas y sé que un día no será extraño: será lo normal” También hubo otros ganadores latinos, los responsables del sonido de Sound of Metal: la venezolana Carolina Santana, y los mexicanos Carlos Cortés, Michelle Couttolenc y Jamie Baksh.

La surcoreana Youn Yuh-Jung, la abuela de Minari, se ha convertido en la segunda asiática en ganar un premio de actuación desde 1957, cuando fue premiada Miyoshi Umeki por Sayonara. La ganadora afirmaba: “Nos categorizan como negros, blancos, amarillos, cafés. No está bien que nos dividan así, ¿saben? Si ponemos todos los colores juntos es mejor. Hasta el arcoíris tiene colores. Los colores realmente no importan”, dijo Youn.

Regina King recordaba los disturbios en Minneapolis por el juicio por el asesinato de George Floyd. “Como madre de un niño negro sé el miedo que se vive en las calles y el miedo que padecen muchas familias en casa. Solo queremos que nuestros hijos lleguen bien a su hogar. Esperemos que esta sentencia marque un punto y aparte en nuestra historia”, defendió la actriz.

También tuvo palabras sobre la cuestión el ganador del Oscar a Mejor Actor de Reparto, Daniel Kaluuya, por un papel en una película ciertamente militante como Judas y el mesías negro. “Gracias al movimiento de los Panteras Negras aprendí a amarme tal como era. A respetar a mi comunidad y todo lo que ella significaba”, afirmó.

También se acordaron los realizadores del cortometraje Two Distant Strangers, ganadores del Oscar a Mejor Cortometraje de Ficción. Travon Free dijo: “Hoy han muerto tres personas a manos de la policía. También lo harán mañana, porque de media tres personas al día mueren a manos de las fuerzas de seguridad, y la mayoría son personas negras. No podemos ser indiferentes al dolor ajeno”.

Thomas Vinterberg,  Oscar por mejor película internacional por Otra ronda, recordó a su hija mayor, Ida, fallecida en accidente de coche cuatro días antes de que empezara el rodaje. “Es un milagro lo que ha pasado y ella es parte de él. Este Oscar es un monumento para ella”, dijo el director sobre el escenario.

Tan solo Frances McDormand tuvo palabras para los cines, que en Estados Unidos han estado cerrados durante meses y acumulan pérdidas que han abierto una profunda herida en el tejido de la industria. “Lleven a ver a sus amigos y familiares, cuando sea seguro, a ver Nomadland en la pantalla más grande posible”, dijo la oscarizada actriz que anoche se llevó su tercera estatuilla.

En 2020, la taquilla global ingresó solo 12.000 millones de dólares, una caída de 72% que responde al cierre de los cines. En el mismo tiempo el mercado del streaming creció un 33% en Estados Unidos y un 30% en el resto del mundo. Los suscriptores para estos servicios en línea crecieron un 26% en 2020 en todo el mundo rebasando por primera vez los 1.000 millones de personas en plataformas como Netflix, quien lideró en nominaciones este año con 36. Este gigante de Hollywood obtuvo siete premios, pero ninguno en las categorías de interpretación y de los grandes, Mank, de David Fincher, ganó mejor dirección de fotografía y diseño de producción.

Consulta aquí la lista de todos los ganadores y ganadoras de la 93 edición de los Premios Oscar

Premios Oscar 2021. Tiempo de fragilidades

“Soul” como cabía esperar ha arrasado en animación. La película más escatológica de la maquinaria Pixar-Disney nos asombró a pesar de su parquedad en el tratamiento de Dios, propia de quien quiere garantizarse a todos los públicos y toda la recaudación

Como si fuera un impulso escondido el cine se detiene ante las fragilidades. Las películas premiadas en este año de la pandemia global, con los cines arrasados y las plataformas digitales haciendo el agosto, tienen en común este rasgo característico: los seres humanos habitamos la debilidad.

Normadland era nuestra apuesta. Y esta vez el cine de perdedores ha logrado vencer. La mejor película de este año es una historia sobre los descartados, una mujer que forma parte de los trabajadores ambulantes del que era considerado el país más rico del mundo. Con la directora novel de origen chino Chloé Zhao también premiada y con una inmensa Frances McDormand que se supera cada actuación desde Fargo pasando por Tres anuncios en las afueras hasta recalar nuevamente en el Oscar a la mejor actriz. Este wéstern con la cabalgadura de una vieja caravana pero que toca las fibras de la existencia, rozando la melancolía, pero apuntando a la esperanza. Donde se muestra que en medio de las cenizas nacen las flores, que el amor es posible y que hay una misteriosa presencia que acompaña como las notas de un villancico.

Anthony Hopkins es “El padre”. Con 83 años este Oscar reincidente y testamental premia a un enorme actor que es aupado por el dramaturgo francés Florian Heller que se estrena por la puerta grande. También premiado el guion adaptado basada en la obra “Le Père” del mismo director, que cuenta la historia de la fragilidad de un anciano que pierde la memoria-cordura acompañado por el amor impotente de Anne, su hija, en este caso interpretada por Olivia Colman, que también era nuestra “Fauvorite” como actriz secundaria. La muerte y la memoria forman parte de la entraña de los contadores de historias, ahora es narrada en forma de thriller donde el espectador queda apresado en la mente que se desvanece del anciano que todos seremos. Con la vejez de Hopkins nos asomamos a la fragilidad que seremos donde se nos concede el regalo de ser amados.

“Soul” como cabía esperar ha arrasado en animación. La película más escatológica de la maquinaria Pixar-Disney nos asombró a pesar de su parquedad en el tratamiento de Dios, propia de quien quiere garantizarse a todos los públicos y toda la recaudación. Sin embargo, su mirada al más allá está rebosante de sentido y optimismo en la medida en que reconoce la dimensión espiritual de los seres humanos que enfrentamos la vulnerabilidad pudiendo caer en cualquier alcantarilla, como hace el Joe Gardner el pianista de jazz. Un poco de “¡Qué bello es vivir!”, unos gramos de “El cielo puede esperar” y bastante de inspiración cristiana entreverada de las religiones del alma a solas.

“Lo que el pulpo me enseñó” ha arrebatado a “El agente topo” el Oscar al mejor documental. No es frecuente la calidad en Netflix-Dólar, pero la excepción confirma la estrategia empresarial. Craig Foster es un documentalista sudafricano que demás de buzo está en una fuere crisis personal y antes que tratar su fragilidad personal en el diván se sumerge en la naturaleza oceánica. Y allí asombrosamente se hará “amigo” de un pulpo durante más de cien inmersiones. La conexión con la naturaleza se convierte en una fuente espiritual de resistencia y la capacidad de rehacer los tentáculos perdidos en la dura pelea vital. Una forma de superar las pérdidas y nacer de nuevo. Una metáfora significativa para los tiempos que corren donde lo humano se trasciende.

El minari es el perejil oriental con un sabor entre amargo y fresco que salva a una familia. Aunque aspiraba “Minari. Historia de mi familia” a los Oscar a mejor película, mejor dirección y mejor actor, se ha quedado con la consolación del Oscar a la mejor actriz de reparto para Youn Yuh-jung, que hace de una abuela incombustible. Esta película de tintes autobiográficos nos coloca en un lugar entre el fracaso y el sueño americano para una familia coreana. Aquí la resiliencia procede de los viejos que enfrentan las pruebas y las limitaciones con una sabiduría que procede de lo más profundo. Nada es fácil, nada es simple pero las oportunidades pueden estar en lo más pequeño. Y nuevamente una alianza de los niños y los viejos.

Para una industria en plena convulsión de transformaciones en las ventanas de visionado, el que Hollywood premie a relatos existenciales de corte espiritual donde las fragilidades emergen y los invisibles se hacen visibles es de agradecer. La pandemia necesita relatos porque la humanidad busca contarse. Esperemos que este aprendizaje venga para quedarse y no arrase el cine-series basura que han adormecido tantos confinamientos.

Fuente El País/El Diario/Religión Digital

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John Logan dirigirá una película sobre la terapia de conversión gay

Martes, 20 de abril de 2021

pjimage-51John Logan ha sido nominado a los premios de la Academia por ‘Gladiator’, ‘The Aviator’ y ‘Hugo’. (JB Lacroix / Getty / Pixabay)

John Logan, el escritor tres veces nominado al Oscar detrás de Skyfall y el Moulin Rouge, hará su debut como director con una nueva película de terror ambientada en un campo de conversión.

Whistler Camp es una “historia de empoderamiento queer”, según Deadline, y actualmente está en proceso de casting.

La película será realizada por Blumhouse Productions, que produjo éxitos de taquilla de terror como Get Out, The Purge e Insidious. El estudio tiene varias otras películas actualmente en producción, incluida una secuela de Halloween, una secuela de Purge y The Black Phone.

El estudio aún no ha confirmado cuándo se espera que Whistler Camp comience a filmar o se publique.

El fundador de Blumhouse, Jason Blum, hizo un breve comentario en Twitter: “Queríamos hacer una película con John Logan y se le ocurrió la idea * perfecta *”.

Adam Robitel, director de Insidious: The Last Key y Escape Room, se unió a la conversación en Twitter y escribió: “Esto es lo mejor que he escuchado. John Logan es un genio del siguiente nivel. Esto es fantástico.”

Si bien Logan no es conocido por sus escritos de terror, su reciente incursión en el género con la serie de televisión Penny Dreadful fue aclamada por la crítica.

Logan ha tenido una carrera impresionante como escritor en películas bien recibidas, incluidos los capítulos de James Bond, Skyfall y Spectre, Rango y Sweeney Todd. También ha escrito y adaptado producciones teatrales de éxito como Moulin Rouge! y Red, que le valió un premio Tony en 2010.

Whistler Camp marcará el debut de Logan como director de un largometraje.

Según los informes, también está trabajando en el guión de una nueva película biográfica de Michael Jackson con Graham King, quien anteriormente produjo la película biográfica de Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody.

Logan recibió atención en 2012 después de que algunas escenas en Skyfall fueran descritas como “cargadas de erotismo” entre Javier Bardem y Daniel Craig. En ese momento, dijo: “Algunas personas afirman que es porque soy, de hecho, gay, pero no es cierto en absoluto. Ha habido muchas formas de hacer el gato y el ratón e intimidar a Bond, y pensamos que lo que realmente incomodaría a la audiencia es la intimidación sexual. Así que decidimos que deberíamos jugar la carta y disfrutarla”.

Los fanáticos del cine ya están pidiendo respuestas sobre el casting y las fechas de estreno en línea.

Fuente Pink News

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Una chica bisexual y sus dos padres crean la serie juvenil que triunfa en HBO

Viernes, 16 de abril de 2021

daniel-barnz-zelda-barnz-and-ben-barnzZelda Barnz es una chica que con solo 19 años trabaja como guionista de una de las series juveniles más exitosas de HBO: Generation.

Pero no está sola en este proyecto, puesto que se trata de una producción familiar. Zelda tiene dos padres. Ben Barnz, director, y Daniel Barnz, productor ejecutivo.

Zelda tiene un hermano que es gay, ambos son adoptados y de familias biológicas diferentes. Sí, ya sé lo que estáis pensando, esto sí que es diversidad familiar.

La idea de escribir Generation comenzó a gestarse cuando Zelda tenía 15 años, después de asistir a un campamento donde conoció muchas chicas y puso nombre a esa atracción. Cada miembro de la familia Barnz (su apellido es una mezcla de los apellidos originales de Daniel y Ben, Bernstein y Schwartz) se define como queer. Al igual que los protagonistas de su serie, rechazan las etiquetas.

En Generation hay tanta diversidad como en la vida de sus creadores. La serie se basa en la vida y experiencias de la propia Zelda y su entorno. Es una especie de Euphoria y Sex Education.

Generation está rodada en California. Está protagonizada por unos mellizos de familia acomodada, Nathan y Noami.

Nathan es bisexual, o está confundido, como creen sus padres, por lo que explora su identidad tonteando con Arianna (Nathanya Alexander), una chica hetero que cuestiona la homosexualidad a pesar de que sus padres adoptivos son gays.

El popular del instituto no es un jugador de fútbol, sino que un chico gay con una personalidad arrolladora. También hay una chica lesbiana, de una familia inmigrante mexicana y conservadora, que descubre su orientación sexual junto a su mejor amiga, la popular del cole, bisexual y latina.

Todos los personajes están unidos por la asociación LGTB del instituto. Es bastante realista en materia sexual y no te la puedes perder.

Fuente Oveja Rosa

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“Entre nosotras”: el amor secreto entre dos mujeres maduras

Viernes, 5 de marzo de 2021

entre-nosotras-pelicula-cartel-560x800Entre nosotras, es una película francesa cuyo título original es “Deux” que aunque data de 2019, llegó a los cines de España el pasado 19 de febrero llega a la gran pantalla en España y que ha contado con diversas nominaciones:  como mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro, en los Critics Choice Awards y en los  Satellite Awards.  4 nominaciones, incluyendo mejor ópera prima en los Premios César y preseleccionada al Oscar 2021.

La ópera prima de Filippo Meneghetti tiene como argumento un secreto de décadas, una historia de amor entre Nina y Madeleine, dos mujeres jubiladas que para el resto son vecinas que van y vienen como si fueran simples conocidas. Ellas llevan casi toda la vida ocultando una relación y soñando con dejarlo todo atrás y huir a Roma para iniciar una nueva vida sin armarios (que se ha alargado demasiado). En este estado estacionario todo da un giro que lo cambia todo: la hija de Madeleine descubre la naturaleza de la relación. Aunque no lo hará de golpe.

La puesta en escena, elegante y sobria, se apoya principalmente en la interpretación de dos notables actrices, Barbara Sukowa y Martine Chevallier. Meneghetti nos acerca a una historia de amor lésbica completamente única  que muestra que se pueden vencer. una película de amor en la tercera edad que da visibilidad a algo que no suele pasar desapercibido: las relaciones homosexuales en la edad madura.

El director Filippo Meneghetti, entrevistado por 35milímetros y afirma que le gustaría que Entre Nosotras llegase a edades y sensibilidades diferentes, porque  cree que “es un mensaje muy importante y necesario, pero no hay un público específico a quien se lo haya querido dirigir”.

De todas formas,  afirma que “A mí me encantaría que sobre todo los jóvenes fuesen a verla porque creo que es menos usual que la gente joven vaya a ver este tipo de películas. Después de varias proyecciones de la película en Francia, muchos jóvenes han venido a comentarme reflexiones sobre la película y es algo que me pone muy contento. Hemos recibido premios de jurados estudiantiles y jurados jóvenes en diversos festivales. Creo que tal vez de una forma contraintuitiva, puede realmente llegar a los jóvenes.”

Acerca de la poca visibilidad lésbica en el cine, para el director considera: “Para mí era importante poder llegar a contar este relato, para rellenar un hueco que considero algo vacío en la industria. Como cineasta, y siendo consciente de la responsabilidad que puedo tener con las imágenes que produzco, creo que es importante ayudar a contar historias que son necesarias y que no se suelen ver”.

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Ryan O’Connell habla de Special, la serie sobre la discapacidad y la homosexualidad

Martes, 16 de febrero de 2021

la-mision-de-ryan-oconnell-de-contar-historias-de-discapacitados-homosexuales-no-ha-hecho-mas-que-empezar-1Históricamente, el número de personajes con discapacidad creados, escritos e interpretados por personas con alguna discapacidad es escaso y menos si son LGTBI. A pesar de que uno de cada cuatro estadounidenses tiene una discapacidad, sus vidas rara vez se reflejan en la pantalla. De hecho, un estudio realizado en 2016 por Ruderman White Paper demostró que solo el 2% de los personajes de televisión son discapacitados y el 95% de esos papeles son interpretados por actores no discapacitados. Pero, hay un nuevo sheriff en la ciudad.

Ryan O’Connell, creador, guionista y protagonista de Special de Netflix, el único programa sobre la discapacidad dirigido por una persona discapacitada que también lo protagoniza, se ha propuesto corregir el rumbo de la “historia de Hollywood de querer sacar provecho del dolor de la gente marginada”, a menudo sin emplear realmente a una persona de la comunidad.

Nacido con parálisis cerebral, una condición que dificulta el movimiento, el equilibrio y las habilidades motoras, también fue atropellado por un coche cuando era joven. Admite que “reescribió mi identidad” al permitir que la gente asumiera que su discapacidad se debía al accidente, lo que más tarde se convirtió en un hilo conductor en Special. La serie ha sido alabada por la crítica y los espectadores por su representación auténtica de un joven gay discapacitado, también llamado Ryan, que no dice a la gente que su discapacidad se debe a la parálisis cerebral mientras persigue la vida que quiere. Su primera temporada recibió tres nominaciones a los premios Emmy, incluida una nominación a la actuación de O’Connell, lo que supuso un verdadero momento de plenitud.

 O’Connell no empezó persiguiendo los sueños de Hollywood. Antes de Special, escribió para Vice, BuzzFeed y The New York Times. Un artículo para Thought Catalogue le valió un contrato para un libro y llamó la atención de Jim Parsons (Los chicos de la banda ). En el artículo -y en su libro de memorias de 2015, I’m Special and Other Lies We Tell Ourselves– O’Connell hablaba de cómo permitía que no se corrigieran las suposiciones capacitadoras de los demás sobre su discapacidad y que no se mencionara su parálisis cerebral. Parsons acabó comprando el libro y, junto con O’Connell, empezó a montar el espectáculo.

Mientras tanto, O’Connell se trasladó a Los Ángeles, donde se convirtió en guionista de Awkward, de la MTV, y luego en editor ejecutivo de historias en el reinicio de Will & Grace. También escribió para la reedición de Beverly Hills 90210 BH90210.

la-mision-de-ryan-oconnell-de-contar-historias-de-discapacitados-homosexuales-no-ha-hecho-mas-que-empezar-5Special provocó una guerra de ofertas, pero O’Connell era reacio a venderla a cualquiera. De hecho, se negó a vender el programa a una cadena, convencido de que diluirían su visión, especialmente en lo que se refiere a las representaciones francas de la sexualidad gay y de las personas con discapacidad.

O’Connell rechazó las ofertas, pero nunca dejó de seguir adelante hasta que Special fue finalmente elegida por Netflix como una serie de formato corto, con episodios de sólo 15 minutos de duración, lo que supuso un reto más para el guionista de media hora. El ajustado presupuesto del proyecto llevó a lo que se convirtió en brillantes decisiones de casting, incluyendo a O’Connell ocupando él mismo el papel principal. El novato actor admite ahora: “Creo que en el fondo, en lo más recóndito de mi alma, había sin duda una parte de mí que decía: ‘Ojalá pudiera estar en la cámara’. Pero definitivamente no era un pensamiento que estuviera vivo. Estuvo latente durante muchos, muchos años”.

Pero, según O’Connell, Hollywood parece pensar que ahora que ha llenado su tarjeta de diversidad con Special, no necesita ir más allá. Añade que el capacitismo sistémico no es algo exclusivo de la industria del entretenimiento. “La sociedad en su conjunto tiene un problema con la discapacidad. Creo que la discapacidad recuerda a la gente el envejecimiento, la mortalidad y la falibilidad general”, dice. “También es casi inevitable: todos acabaremos siendo discapacitados si vivimos lo suficiente”. Se trata de un “concepto aterrador”, dice O’Connell, especialmente en una sociedad que es incapaz.

“No quiero ser un socialista liberal total, pero el capitalismo y el capacitismo son como los mejores amigos”, explica O’Connell. “El capitalismo está tan ligado a la productividad y al trabajo, al trabajo, al esfuerzo hasta el agotamiento. Y eso está ligado a ser capaz“. Los tópicos de las personas con discapacidad los presentan como improductivos, convirtiendo su existencia en una amenaza de facto para el capitalismo. Es una ironía, afirma, porque “las personas con discapacidad son como el puto MacGyver para navegar por un mundo que no está hecho para nosotros. Somos las personas más creativas y resolutivas de la historia”.

Special ciertamente se salió del molde a pesar de los primeros inconvenientes. Además de un presupuesto bajo y de un actor novel en O’Connell (que escribió todos los episodios sin sala de guionistas), también contaban con una directora de talento, Anna Dokoza, que, a pesar de ser una productora experimentada, aún no había perfeccionado sus dotes de directora. La serie ha demostrado que empezar con desventajas no condena al fracaso, especialmente cuando el contenido y la autenticidad resuenan.

Special“A menudo me he sentido como un muñeco Ken al que se le han quitado las partes íntimas”, argumenta O’Connell, señalando cómo las personas con discapacidad han sido desexualizadas históricamente. Para él era fundamental que el público “viera al personaje de Ryan como sexualmente viable“, lo que llevó al innovador episodio de la serie en el que Ryan pierde su virginidad con una trabajadora sexual. La escena de sexo gay, realista, franca y caliente a la vez, es también una de las representaciones más desestigmatizadoras del trabajo sexual masculino que se han retratado en la pequeña pantalla. “Era importante para mí que esa escena de sexo también se sintiera sexy”, dice O’Connell. “Somos seres sexuales”, pero a las personas discapacitadas eso “se nos ha negado durante mucho tiempo”.

El año pasado trajo consigo nuevos obstáculos para O’Connell, como el retraso dela segunda temporada de Special (que se estrenará a finales de 2021). “Extrañamente, ante el pavor, la ansiedad y la tristeza implacables”, dice que fue capaz de producir mucho trabajo: él y Parsons ya están trabajando en una nueva “traumedia” de media hora llamada Accessible. Llama a la escritura “mi espacio seguro”.

O’Connell también se encontró bebiendo más para hacer frente al encierro. Aunque era “profundamente funcional” y sus relaciones personales y profesionales nunca se resintieron, el creador decidió que el alcohol era un problema y se puso sobrio. “Creo que nuestro lenguaje en torno a la sobriedad y el abuso del alcohol es muy limitado”, explica. “Nuestro diálogo en torno a la bebida… se basa en que o tienes un problema o no lo tienes. Esa forma tan binaria de ver el alcohol realmente perjudica a la gente“.

El hombre que antes ocultaba su parálisis cerebral ahora se siente fortalecido por ella e incluso acepta algunos de los insultos que tradicionalmente se lanzan a personas como él. “Para mí, [usar] ‘cojo’ se siente como una reivindicación”, dice O’Connell. “Pero si no eres discapacitado, no puedes usar esa palabra en absoluto. A mí, personalmente, me encanta decirla porque se nota que hay una gran fealdad dentro de esa palabra, pero quiero desintoxicarla”.

Aunque reconoce que “la representación se la suda”, el escritor dice que no se atasca pensando que tiene que reflejar la experiencia de todo el mundo. “Creo que cuanto más específica sea tu experiencia, extrañamente, más universal será tu historia”, añade O’Connell.

Aun así, está decidido a cambiar la industria para las personas con discapacidad y sus historias. Independientemente de lo que traiga este año, una cosa es absolutamente cierta: no está satisfecho con su propio éxito si éste no abre más puertas a las personas con discapacidad queer. “Tengo esta especie de poder”, dice. “Quiero utilizarlo lo mejor que pueda, pero siempre sentiré que podría haber hecho más. Quiero… guiar a otros guionistas y darles oportunidades y ayudarles a conseguir sus propios programas. La idea es que quieres bajar la escalera y ayudar a otros a subir”.

Fuente OUT

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“Wonderfully Made — LGBTQ+R(eligion)”: Católicos LGBTQ + comparten historias desde el interior de la Iglesia en una nueva película

Lunes, 15 de febrero de 2021

1-wonderfully-made-2Wonderfully Made, el documental que presenta a Jesús como aliado LGTBIQ+ y el matrimonio gay por la iglesia

Este año llega a las pantallas “Wonderfully Made”, un documental en el que se acercan posturas…  Jesucristo aparece como aliado de la comunidad  y se pone sobre la mesa el matrimonio igualitario sacramental.

“Incluso aquellos que son rechazados están maravillosamente hechos” Es uno de los eslógans de la película, que verá la luz este 2021. Su director, Yúbal David, recoge testimonios de personas dentro y fuera de la iglesia que llaman a la comunión entre el catolicismo y el colectivo LGTBIQ+, dejando a un lado la religión institucionalizada. Su punto de partida es su propia historia: la de su matrimonio entre el director, judío, y su marido, un católico practicante.

El documental también ofrece algo poco común: la creación de una iconografía inclusiva en la que reimagina a Jesucristo como un aliado de la comunidad. A partir de aquí surge el debate entre los entrevistados. Algunas de las joyas en forma de declaraciones son las de Bryan Massingale.

“Sueño con una iglesia donde dos hombres y dos mujeres puedan presentarse ante la Iglesia, proclamar su amor y bendecirlo en un sacramento del matrimonio. Y que su amor sería visto como divino.

O las del sacerdote James Martin, que llama abiertamente al matrimonio igualitario por la iglesia.

El propio directosr habla para Out:

Recientemente, la Corte Suprema de los Estados Unidos escuchó argumentos orales en el caso Fulton v. El caso de Filadelfia, que trata con una agencia católica de cuidados de crianza y su capacidad para discriminar a los no católicos, y en este caso específico, a los padres LGBTQ +, mientras siguen recibiendo el apoyo de los contribuyentes.

Casi al mismo tiempo, los comentarios en apoyo de las uniones civiles y las familias LGBTQ + atribuidos al Papa atrajeron la atención de la prensa y los desacuerdos públicos sobre el significado real de sus palabras.

Todos sabemos que la Iglesia Católica continúa luchando dentro de su jerarquía y con la gente en los bancos. Desde el dogma que continúa lastimando a las personas LGBTQ + hasta los problemas continuos de abuso por parte de los sacerdotes, los devotos católicos descorazonados pero resistentes continúan hablando. Sus historias están documentadas en nuestro documental que se estrenará próximamente, Wonderfully Made – LGBTQ + R (elegion).

La película explora los desafíos y aspiraciones de las personas de fe LGBTQ +, con un enfoque en los católicos, mientras intentan reconciliarse y, en muchos casos, abrazar poderosamente sus creencias a pesar de que la religión institucionalizada y el continuo rechazo de la jerarquía católica hacia ellos.

La película también hace algo sin precedentes. Documenta la creación de una iconografía inclusiva católica y LGBTQ + única a través de un sofisticado arte fotográfico que reinventa a Jesús como miembro o aliado de la comunidad LGBTQ +.

Las reacciones de los entrevistados de la película al arte fotográfico, filmado en tiempo real con todos los entrevistados, muestra el increíble poder e impacto que tendría una Iglesia inclusiva y receptiva.

Vivimos tiempos desafiantes y sin precedentes. Acabamos de elegir a un presidente católico que es un aliado incondicional de la comunidad LGBTQ +, pero también vemos la reacción a eso.

Joseph Strickland, obispo de la Diócesis Católica Romana de Tyler, Tx., Instó al presidente electo a “arrepentirse” y “encontrar la verdad” sobre su apoyo a la igualdad en el matrimonio, diciendo: “Como obispo, le ruego al Sr. Biden que se arrepienta de su disensión de la enseñanza católica sobre el aborto y el matrimonio por su propia salvación y por el bien de nuestra nación. [Ore] por todos los funcionarios católicos electos, demasiados disidentes de las enseñanzas básicas de la fe católica que afirman tener. En este mundo pueden tener altos cargos, pero para Dios son sus hijos y están en peligro. Ore por su verdadera conversión “.

Strickland también tiene una historia de oposición incondicional a la igualdad. El mes pasado, criticó al Papa Francisco por expresar su apoyo a las uniones civiles, calificándolas de “confusas y muy peligrosas” y etiquetando a la Iglesia católica de “débil”.

Entonces, ¿quién está fuera de sintonía exactamente? La jerarquía parece estar en desacuerdo y las encuestas muestran que la mayoría de los católicos se aferran a los principios básicos de la fe de igualdad, amor y aceptación al alejarse del dogma restrictivo y discriminatorio que proviene de una fe que una vez toleró muchas otras formas de discriminación que ahora considerado inaceptable por la sociedad.

Es por eso que mi esposo (un católico practicante) y yo trabajamos juntos para crear esta película, un trabajo de amor lleno de historias de sacerdotes abiertamente homosexuales, grupos católicos LGBTQ + como Dignity and New Ways Ministries y aliados pioneros como el Padre Jim Martin y Hermana Jeannine Grammick.

Estas personas no se están alejando de la iglesia. Se quedan quietos para crear un cambio y hablar del dolor sufrido y el progreso posible dentro de la fe a la que se dedican y aman.

Wonderfully Made – LGBTQ + R (elegion) discute los derechos, la aceptación y la inclusión LGBTQ +, y aquellas organizaciones, comunidades y la Iglesia que nos niegan el uso de la religión como excusa para discriminarnos. Más importante aún, pone rostro a las personas poderosamente resilientes que quieren hacer que la iglesia católica sea mejor y más relevante en el mundo de hoy.

Podemos sorprender a algunos con esta película, pero más se moverán a una mejor comprensión, y para aquellos que son LGBTQ +, una inclusión que quizás nunca hayan experimentado. Si eso no es de lo que se trata la iglesia, entonces ¿de qué se trata?

Yuval David es activista, actor y cineasta. Síguelo en Instagram: : @yuval_david.  Obtenga actualizaciones sobre el lanzamiento de la película siguiendo a  @LGBTQreligion. Mira el tráiler a continuación:

Fuente OUT

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El nuevo anuncio de Creme Egg de Cadbury presenta a una pareja gay besándose sobre un huevo de chocolate

Sábado, 16 de enero de 2021

ErKhcjMUUAAOPdPEl nuevo anuncio de Creme Egg de Cadbury  lanzado en televición para el 50 aniversario del chocolate, incluyó a una pareja del mismo sexo en la vida real compartiendo la golosina.   El anuncio de la marca de dulces en cuestión es un homenaje a los creme egg de Cadbury, un mítico dulce con medio siglo a las espaldas con forma de huevo al estilo Kinder, pero más pequeño y relleno.

En solo unos segundos (o incluso con una sola imagen) puede llegar a cualquier parte del mundo, incluso a los lugares más insospechados, como puede ser ese salón donde hay una familia con unx joven LGTBIQ+ que teme contar su realidad a sus seres queridos. Por eso cuando una marca tan mítica como Cadbury da un paso así, no podemos más que alegrarnos ante lo divertido e inclusivo de su nuevo anuncio.P orque la visualización siempre ayuda a la normalización

El comercial de televisión inclusivo LGBTQ +, lanzado para el 50 aniversario del chocolate, incluyó a una pareja gay compartiendo el regalo. Callum Sterling y Dale K Moran se inclinaron el uno hacia el otro mientras le daban un mordisco a cada extremo del huevo de chocolate. Una voz en off dice: ‘¿Compartidores? Sí, estamos de acuerdo con eso ‘.

El anuncio celebra ‘cinco deliciosas décadas’ de las diferentes formas en que se puede comer el huevo de crema, desde su uso para hornear hasta el debate entre lamer o morder.

En él vemos cómo varias personas se comen el creme egg: los hay que lo lamen, que se atreven a cocinar con él, hay quien unta en su interior líquido… y también hay quien los comparte. Concretamente una pareja gay compartiendo un beso de lo más pegajoso con ese dulce como protagonista, como podéis ver:

Además la pareja que se está besando es pareja en la vida real, se trata de Callum Sterling y Dale K Moran, bailando en rooftop en una romántica escena en la que Moran es el que sujeta el dulce entre sus labios. En ese momento, el otro miembro muerde la otra mitad, provocando que se rompa liberando el líquido de su interior.

El anuncio ha visto la luz estos días en Gran Bretaña, despertando un revuelo en la comunidad LTGIQ+, que ha dejado constancia de ello en los redes sociales. Después de todo, Cadbury es toda una institución en el Reino Unido.

No todos en las redes sociales estaban contentos con la demostración pública de afecto, como escribió un usuario de Twitter: ‘Me encanta ser gay, pero nadie necesita ver a dos tipos follando un huevo de crema Cadbury.

El chocolatero ha disfrazado los huevos de oro en un envoltorio normal, y los afortunados ganadores solo sabrán si han cobrado una vez que se hayan desenvuelto.

Es el quinto año consecutivo que el gigante de la confitería ha tenido una competencia en efectivo relacionada con el popular regalo de Pascua, pero es la primera vez que cubren el huevo con polvo dorado comestible.

Se produce después de que Cadbury revelara que había escondido 200 huevos de crema cubiertos de oro en tiendas de todo el Reino Unido, lo que podría valer una enorme cantidad de £ 5,000 para cualquiera que los encuentre. Es el 50 aniversario de la golosina este año.

Fuente Pink News

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Doritos lanza un anuncio LGTB

Sábado, 2 de enero de 2021

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No hay mejor regalo que te quieran por lo que tú eres.

Estamos hablando de una de las razones por la que más niños y jóvenes sufren el repudio de sus familias, la orientación sexual. Que parece que en muchos hogares eres un hijo maravilloso hasta que descubren que te gustan los chicos, o eres la hija modelo hasta que de pronto saben que eres lesbiana.

En muchos hogares parece que ese simple hecho, el sexo de la persona que eliges para amar o disfrutar de tu sexualidad es razón suficiente como para dejar de hablarte, enviarte a terapia, e incluso echarte de casa y de sus vidas.

Conscientes de ello,  Doritos ha lanzado en México, un país donde la homofobia sigue siendo bastante alta, así como los crímenes de odio a nuestra comunidad.

Un padre intuye que su hijo es gay, y que ese amigo que trae a casa por Navidad es su pareja… y mira lo que sucede a continuación:

Un entorno rural, que es donde más discriminación suelen encontrar las personas LGTB, más que en las grandes ciudades y un hermoso mensaje final, el mejor regalo es que te quieran por quién eres.

Fuente Oveja Rosa

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Funny Boy, una historia gay en Sri Lanka

Viernes, 18 de diciembre de 2020

Funny_Boy_2020_film_posterFunny Boy es una película dramática canadiense de 2020, dirigida por Deepa Mehta. [ Una adaptación de la novela Funny Boy de 1994 de Shyam Selvadurai, la película se centra en la mayoría de edad de Arjie Chelvaratnam, un joven tamil de Sri Lanka que está aceptando su homosexualidad en el contexto de las crecientes tensiones entre los tamil y los cingaleses antes. el estallido de la Guerra Civil de Sri Lanka.

Rodada en Colombo, la película está protagonizada por Arush Nand como Arjie en la infancia y Brandon Ingram como Arjie en su adolescencia, así como por Nimmi Harasgama, Ali Kazmi, Agam Darshi, Seema Biswas, Rehan Mudannayake y Shivantha Wijesinha. Su producción se anunció por primera vez en 2018.  La película se distribuirá internacionalmente a través de Netflix.

La película fue incluida en la lista de los diez mejores largometrajes de Canadá de fin de año de TIFF. Fue seleccionada como la entrada canadiense al Mejor Largometraje Internacional en los 93rd Academy Awards.

Los miembros de la comunidad tamil han criticado la falta de actores tamiles en el elenco principal a pesar del enfoque de la película en los personajes tamiles.  Mehta ha declarado que, si bien inicialmente eligió actores tamiles para la película, no pudieron continuar por varias razones, incluidas la condición de refugiados que interfieren con las solicitudes de visa y el temor de hacer una película sobre la homosexualidad, que todavía es ilegal en Sri Lanka.  Ella afirma haber tenido dificultades para encontrar actores tamiles adicionales dispuestos a ser parte de una película gay.  Debido a la falta de hablantes nativos de tamil de Sri Lanka en la representación de Funny Boy de Mehta, algunos miembros de la comunidad han descrito el idioma tamil hablado en la película como inconexo y, a veces, ininteligible. También ha habido denuncias de que las inexactitudes en el idioma contribuyen a borrar la identidad tamil. Mehta respondió a las críticas en torno al idioma tamil enviando la película a la India para su doblaje en posproducción. Después de proyectar la película final, algunos miembros de la comunidad han dicho que si bien el tamil hablado en la versión revisada es mejor que el original, todavía no es el tamil hablado en Sri Lanka.

Aquí hay algo un poco  melodramático sobre este extraño drama de Sri Lanka, recogido por la compañía de Ava DuVernay, Array, y publicado por Netflix. Es la historia de un chico gay tamil, Arjie (interpretado primero por Arush Nand y después por Brandon Ingram), que crece en los años 70 y 80 a medida que aumentan las tensiones entre los tamiles y la mayoría cingalesa. La narración de historias funciona mejor en la primera mitad, con algunas escenas conmovedoras mientras el pequeño Arjie lucha por entender por qué a los chicos no se les permite usar lápiz labial y jugar a ser la novia en los juegos de disfraces.

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Nand lo toca muy bien. Arjie es un niño de ocho años irrefrenablemente soleado de una familia privilegiada, pero sus tías le llaman sonriente “un chico divertido” – o como dice su primo, “un marica”. Su padre está perpetuamente decepcionado porque su hijo no está interesado en el cricket. Sólo su fría y viajera tía, Radha (Agam Darshi), le entiende, pintándole las uñas de los pies de rojo en secreto y llevándole al teatro. De vez en cuando, la directora Deepa Mehta cambia al joven Nand por el actor que interpreta al adolescente Arjie (Ingram), y el chico mayor se convierte en un espectador de su infancia, observando con un dolor emocional.

La segunda parte de la película es mucho menos exitosa, ya que Ingram asume las funciones de actor; no es su culpa, pero parece demasiado mayor para interpretar a un joven de 16 años o más. Así que el romance entre el joven y abierto Arjie y su primer amor, un chico cingalés que conoce en la escuela, es completamente poco convincente. El sexo entre homosexuales era ilegal en Sri Lanka en el decenio de 1980 (sigue siendo un delito tipificado en la ley, que se castiga con 10 años de cárcel), pero aquí prácticamente no hay sensación de peligro. Tampoco hay mucho en el conflicto sectario que retumba en el trasfondo: la historia se va acumulando hasta los asesinatos del Julio Negro de 1983, el inicio de la guerra civil. Al final la historia es contada de forma bastante suave, los bordes se suavizan sentimentalmente.

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Jude Dry de Indiewire escribió: “Íntimo y bellamente interpretado, Funny Boy es un drama visualmente exuberante sobre la mayoría de edad ambientado en medio de un feroz conflicto étnico que es regionalmente específico, pero trágicamente universal”.

Pat Mullen, de ThatShelf, calificó a Funny Boy “una película animada, conmovedora y refrescante y de corazón abierto. La película de Mehta ofrece audazmente una fábula humanista, extraída de la experiencia vivida y transmitida desde el corazón. Invita al público a ver el mundo a través de los ojos de los demás. desgarradora y hermosa. Los dos artistas innovadores, Ingram y Mudannayake, son bastante extraordinarios en sus primeros protagonistas de la película. Tienen una química excelente a medida que los jóvenes se descubren a sí mismos de nuevo. Ambos son verdaderos naturales con Ingram que permite gradualmente a Arjie florecer y Mudannayake demostrando un ladrón de escenas con su presencia magnética. (No es difícil ver por qué Arjie está tan enamorado) “.

Tracy Brown, de Los Angeles Times, escribe: “Es precioso y refrescante cuando los personajes queer de las historias sobre la mayoría de edad se enamoran sin tener que superar ninguna confusión interna sobre sus identidades, por lo que la historia de Arjie y Shehan es muy conmovedora”.

Andrew Parker de The Gate declaró: “Funny Boy maneja los dos ángulos principales del material con respeto y compasión, lo cual es un testimonio del material fuente de Selvadurai y algunas de las imágenes más fuertes de Mehta hasta la fecha … esta historia puede verse como otro gran ejemplo de cómo se permite que los abusos a los derechos humanos sean desenfrenados porque quienes los experimentan guardan silencio en un intento por seguir la corriente nacionalista “.

Chris Knight, del National Post, lo calificó con 3 estrellas de 5 y declaró que “si eso no fue suficiente presión, también ha provocado la ira de los tamiles canadienses por su falta de diversidad, no hay suficientes tamiles jugando tamiles” y por los acentos imperfectos que requirió doblaje adicional en posproducción “. [11]

Fuente

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Miles Morales rinde un sutil pero conmovedor homenaje al Día Mundial del SIDA en el videojuego Spider-Man

Martes, 1 de diciembre de 2020

Screenshot-2020-11-26-at-12.23.29Spider-Man: Miles Morales (Twitter / @ Spidermanshots)

La última aventura en el universo de Spiderman está llena de detalles ingeniosos que dan vida a la ciudad de Nueva York de Marvel, incluyendo un importante destello de rojo en la solapa de una chaqueta.

Mientras Marvel’s Spider-Man: Miles Morales llega a las tiendas, los jugadores con ojos de águila han notado un tributo sutil pero conmovedor al Día Mundial del SIDA escondido en el juego.

El nuevo juego para Playstation 4 y 5 sigue al héroe adolescente Miles Morales, quien es el primer personaje negro en ponerse el disfraz de Spidey.

La última aventura en el universo de Spider-Man está repleta de detalles inteligentes que dan vida a la ciudad de Nueva York de Marvel, incluido un destello muy importante de rojo en la solapa de una chaqueta.

El pequeño toque refrescante de una cinta del SIDA no pasó desapercibido para el director de videojuegos gay Simon Smith, quien compartió una captura de pantalla con sus seguidores en Twitter.

“Es increíble ver una cinta roja del Día Mundial del SIDA en la pantalla de título del juego de Miles Morales”, dijo. “El juego se desarrolla en Nueva York alrededor de Navidad, por lo que tiene sentido, ya que el Día Mundial del SIDA es el 1 de diciembre”.

No es el único guiño del juego a la inclusión.

La cultura afrolatina de Miles se coloca en el corazón de la historia, con el joven Spider-Man a menudo escuchado hablar spanglish con su madre puertorriqueña. Su herencia negra también es reconocida a través de la prominente música hip-hop entretejida a lo largo del juego.

Lo acompaña un elenco refrescante y diverso, que incluye a su mejor amigo Ganke Lee, que es coreano, mientras que otros personajes importantes como The Tinkerer y The Prowler son ambos negros. También hay un personaje sordo introducido a mitad de la historia.

Y como un regalo especial para los fans, los creadores del juego han incluido varios huevos de Pascua sutiles en homenaje al actor de Black Panther Chadwick Boseman, quien murió trágicamente en agosto a los 43 años.

Los fans observadores notaron que una de las calles de Nueva York llevaba su nombre y en los créditos se colocó una dedicación especial al “rey noble”.

Fuente Pink News

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Qué fue el “El baile de los 41”, pieza fundacional de la historia LGBT de México

Martes, 24 de noviembre de 2020

250419-los-41 David Pablos

Por Georgina González

El baile de los 41 fue una fiesta que terminó en redada policial. Sucedió en noviembre del recién nacido siglo XX durante una dictadura, la de Porfirio Díaz. Hoy ese baile y ese número representan en el imaginario social el evento fundacional de la historia LGBT mexicana.

En esa época la homosexualidad no se establecía como delito de manera explícita. Pero el Código Penal de 1871 dejó a libre interpretación de la policía y empleadores de la justicia la oración “ofensas a la moral y las buenas costumbres”.

“En México no había la sensación de que existía la homosexualidad per se. (El baile de los 41) hizo tambalear a la estructura porfirista porque no es la plebe (clase trabajadora) la que hace el baile, son las élites e implica que la estructura porfirista ya no es viril y masculina”, explica Alonso Hernández, historiador y cronista LGBT+ mexicano.

“La policía interrumpe una reunión de homosexuales”

“La noche del 17 al 18 de noviembre de 1901 en la cuarta calle de La Paz (hoy Ezequiel Montes ubicada en la colonia Tabacalera de la Ciudad de México) sucedió un hecho sin igual. Un gendarme llegó a ver que en una de las casas estaban acudiendo hombres y mujeres de finos vestidos, de buenos trajes y pensó que se trataba de una fiesta muy importante. Se acercó lo suficiente para ver que todos eran hombres, y la mitad de ellos iban vestidos de mujeres y la otra mitad de hombres. Le sorprendió mucho y fue a la comisaría más cercana a dar el pitazo (avisar sobre una acción considerada ilegal) y la policía no tardó en llegar”, narra así Alonso Hernández.

Carlos Monsiváis, en una crónica publicada en 2002, describe los albores de esa noche.

“A las tres de la mañana del domingo 18 de noviembre de 1901, la policía interrumpe una reunión de homosexuales, algunos de ellos vestidos de mujer. De ellos, 22 visten masculinamente y 19 se travisten. Estos son los haberes de los detenidos, imaginados o extraídos de los chismes policiales (no hay un parte oficial): faldas, perfumes caros, pelucas con rizos, caderas y pechos postizos, aretes, choclos bordados, maquillajes de blanco o de colores estridentes, zapatos bajos con medias bordadas, abanicos, trajes de seda cortos, ajustados al cuerpo con corsé”.

 

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Placa conmemorativa del baile develada en 2001 por la comunidad LGTBI de la Ciudad de México. Centro Cultural José Martí.

El baile de los 41

“El mito dice que eran 42 personas. Se sabe que el gobernador le entregó un listado al general y presidente Porfirio Díaz, que al leer los 42 nombres dijo: ‘aquí solamente hay 41’. “Por eso se conoce como ‘el baile de los 41’”, agrega Alonso Hernández.

“(…) el que desaparece de la lista, compra su libertad a precio de oro y huye por las azoteas, es don Ignacio de la Torre, casado con la hija de Porfirio Díaz. Más que ningún otro hecho, lo que distingue a la redada es la presencia, certificada por el chisme masivo, del Primer Yerno de la Nación”, narra Monsiváis en su relato.

Sobre saber quiénes fueron los otros, los 41, no hay muchos datos al respecto dada la “impresión de las noticias”. Sin embargo, Monsiváis dice estar seguro de tres nombres: “Jesús Solórzano, Jacinto Luna y Carlos Zozaya” y que, un siglo después de los hechos, la única certeza es “la presencia de Nacho de la Torre”.

Las sanciones

Captura-de-Pantalla-2020-10-07-a-las-21.54.03-1-900x1124“Los vagos, rateros y afeminados que han sido enviados a Yucatán, no han sido consignados a los batallones del Ejército que operan en la campaña contra los indios mayas, sino a las obras públicas en las poblaciones conquistadas al enemigo común de la civilización”, publicó El Popular el 25 de noviembre de 1901.

Fueron 19 de las 41 personas detenidas las enviadas a Yucatán para “pagar con trabajos forzados su crimen”, sostiene Monsiváis.

El Hijo del Ahuizote, un periódico de sátira y narrativa opositora al régimen porfirista, sostuvo el 21 de noviembre de 1901 que las personas detenidas fueron aquellas que no pudieron pagar su libertad.

“(…) en el pobre es cochinada y en el rico refinamiento de coquetería y de buen tono. Si el gobernador violó la ley con aplauso general, debió haber jalado parejo, para que más se le hubiera agradecido, no que dejó la semilla y arrojó las hojitas de la mata. Ahora ya no puede andar en la calle acompañado de un amigo, porque luego lo tratan del Club de los 41”.

La redada “inventó” la homosexualidad en México

Para Monsiváis la redada de 1901 “inventó” la homosexualidad en México. A su vez, “descubre las fragilidades del determinismo”, en donde “el estigma cubre a todos, pero los castigos físicos se ceban solo sobre unos cuantos”, dice.

Además, las notas de prensa de la época, los grabados y caricaturas de José Guadalupe Posada que ilustraban el baile abonaron al imaginario colectivo entre burlas homofóbicas, rumores y leyendas para vincular el número 41 con la homsexualidad. 

El estigma continuó después del porfiriato. En 1965 el cronista y militar Francisco L. Urquizo escribió, “en México el número 41 no tiene ninguna validez y es ofensivo para los mexicanos (…) La influencia de esa tradición es tal que hasta en lo oficial se pasa por alto el número 41. No hay en el ejército División, Regimiento o Batallón que lleve el número 41 (…) Nadie cumple 41 años. No hay automóvil que lleve placa 41, ni policía o agente que acepte ese guarismo”.

 

Un siglo después del baile, Carlos Monsiváis concluyó que “lo más significativo del episodio de los 41 es, desde luego, la redada con su negación absoluta de los derechos humanos y civiles. A partir de ese momento, se sienta jurisprudencia y lo que viene es legal porque ya lo fue: redadas continuas, chantajes policiacos, torturas, golpizas, envíos a las cárceles y al penal de las Islas Marías. Sólo se necesita una frase en el expediente: “Ofensas a la moral y las buenas costumbres”. No hace falta más, no hay abogados defensores (en el caso de los jotos ni siquiera de oficio), no hay juicios, sólo caprichos judiciales dictados por el prejuicio y “el asco”. Y la sociedad, o la gente que se entera, encuentra normales o admirables esos procedimientos”.

Una descripción que no dista de realidades que hoy viven poblaciones LGBT+ a las que se les criminaliza y se les obstruye el acceso a la justicia.

Película

Captura-de-Pantalla-2020-10-07-a-las-21.53.47-2Este hecho histórico ha sido trasladado a la pantalla grande bajo el liderazgo del director y guionista de Baja California David Pablos. Este 2020 el arte mexicano seguirá teniendo expresiones que cuestionan el hilo de la historia y el entramado social que han generado. Éste es el caso de “El baile de los 41”, un filme cuya dirección está a cargo de David Pablos. El personaje principal, Ignacio de la Torre y Mier, es interpretado por Alfonso Herrera, Amada Díaz es interpretada por Mabel Cadena, y la pareja ficticia de Ignacio es Emiliano Zurita. De acuerdo con la cuenta de Instagram de Cinépolis, la obra fílmica fue estrenada en salas de cine el 19 de noviembre.

“La manera en que fue tocado esto a través de la historia fue con burla y mofa, aquí la idea es explorar a este grupo de hombres y ver qué sucedió para darse esta redada”, explicó David Pablos. Además, agregó: “Hay muchas verdades, una la oficial, pero vaya, fue un hecho que en su momento se intentó silenciar y se habló mucho, hay muchas hipótesis y teorías, el rigor histórico es mucho, hay investigación, pero también libertad creativa”.

El guion del filme es de Mónica Revilla y  producida por Canana. La película retrata el contexto histórico y las reacciones de mofa que se generaron en la prensa nacional, como el famoso grabado de Guadalupe Posada que fue utilizado para difundir la nota bajo el título “Muy chulos y coquetones”.

“Hacer la película surge tras darme cuenta de que la realidad social y política no ha cambiado desde ese entonces, merece ser contada y resulta increíblemente relevante”. Explica el cineasta. “Habrá una mezcla de actores y no actores, es compleja no sólo por la cuestión histórica, sino por el tema que aborda”, añadió.

Por otra parte, el filme aspira a hacer una crítica paralela de la sociedad mexicana contemporánea; misma que por una parte presume de apertura ante los movimientos de la diversidad sexual, pero que en realidad no deja de estigmatizarla.

En noviembre de 2019, David Pablos afirmó que las grabaciones habían concluido, por lo cual sólo se espera la fecha de estreno. Por su parte, Alfonso Herrera respondió con el siguiente tweet:

Fuente Agencia Presentes/Cristianos Gays

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Las tres actrices protagonistas de ‘Veneno’, que cruzará el charco este mes, galardonadas con el Ondas

Viernes, 13 de noviembre de 2020

veneno-1-300x170El fenómeno de Veneno parece ya algo imparable. Por un lado, las tres actrices que encarnan a Cristina Ortiz en la serie original de la plataforma Atresplayer Premium creada por los Javis son algunas de las galardonadas en la 67ª edición de los Premios Ondas. Por otro, ya es oficial que Veneno cruzará el charco y se estrenará el próximo día 19 de noviembre en Estados Unidos a través de la plataforma HBO Max.

Desde que Atresplayer Premium estrenase el pasado mes de marzo el primer episodio de la serie Veneno, la figura de la mediática artista almeriense —fallecida en noviembre de 2016 en trágicas circunstancias— no ha dejado de adquirir popularidad. La emisión de esta serie de ocho capítulos, protagonizada por las actrices Isabel Torres, Daniela Santiago y Jedet y basada en ¡Digo! Ni puta ni santa: las memorias de La Veneno —la biografía que publicó la periodista Valeria Vegas—, ha resultado todo un éxito. No en vano, hace unos días se hizo público que Veneno cruzará el charco y se estrenará este mes de marzo en Estados Unidos a través de HBO Max —aunque, según Atresmedia, también llegará a Latinoamérica en breve. «Soy conocida mundial», repetía una y otra vez Cristina. Y ahora, desde luego, no cabe duda de que aquello es cierto. Tal y como ha tuiteado la propia plataforma de streaming: «Puede que no conozcas su nombre, pero nunca olvidarás su historia».

Asimismo, cabe decir que la serie —protagonizada principalmente por mujeres trans— se ha rebelado como una puerta abierta a la visibilidad trans. No en vano, el jurado de los premios Ondas decidió otorgar el galardón a la mejor actriz a las tres protagonistas de la serie: Isabel Torres, Daniela Santiago y Jedet. Una decisión que no ha quedado exenta de polémica, pues ciertas activistas transexcluyentes aprovecharon la ocasión para dejar salir a flote su odio y criticar en las redes sociales el hecho de que tres mujeres trans se llevasen tal galardón.

«¿El premio #Ondas2020 a mejor actriz? Para tres hombres transfemeninos. Pero luego las feministas somos ‘exageradas conspiranoicas’ cuando decimos que el movimiento transgénero y sus leyes de identidad comprometen los espacios y derechos de las mujeres y promueven nuestro borrado social y y jurídico. No solo eso sino que tenemos que aguantar el acoso, las injurias y amenazas ISabel de toda la feligresía queer y personalidades afines que se hacen llamar progresistas y que callan o participan de ello por no ser tachados de ‘tránsfobos. Cuántas disculpas nos deberán pronto», comentaba una de ellas en su perfil en Twitter. «Este premio es una ofensa a todas las mujeres, especialmente a las feministas que dedicaron su vida, dejando incluso su libertad por el camino, para que hoy las mujeres tengamos presencia social y política, para que nunca más fuéramos ‘la otredad’, ciudadanas de segunda», apostillaba la susodicha. Unas palabras que sin duda invitan a la reflexión. Hay que continuar luchando por algo tan necesario como que España siga apostando por la inclusión y continúe abriendo un poco más la puerta laboral a las mujeres trans de este país.

Fuente Dosmanzanas

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25 Aniversario de LesGaiCineMad

Lunes, 26 de octubre de 2020

Cartel-LesGai-2020-TwitterLesGaiCineMad celebra, del 28 de octubre al 15 de noviembre su 25º aniversario de manera presencial con casi 100 películas entre largometrajes, documentales y cortos. Brays Efe, Itziar Castro o Fátima Baeza formarán parte del jurado

El festival internacional de cine de temática LGBTIQ+ que cuenta con el mayor reconocimiento internacional de los países de habla hispana, LesGaiCineMad celebra su 25º aniversario del 28 de octubre al 15 de noviembre. Lo hará de manera presencial, cumpliendo con las medidas de seguridad sanitarias tomadas por la organización con respecto al Covid-19 y dentro del contexto de #CulturaSegura, al que el festival se ha adherido.

Casi cien títulos repartidos entre la Sección Oficial de Largometrajes, Documentales, Cortometrajes o Panorama se proyectarán en salas tan icónicas como Cineteca de Matadero, Cine de Embajadores, Golem, Círculo de Bellas Artes, Instituto Francés, Casa de América y la Academia de Cine. Además de la sede de Rivas Vaciamadrid, que un año más vuelven a colaborar con el festival.

Además, cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Rivas, el Ministerio de Cultura y los Ministerios de Sanidad y Derechos Sociales. En esta ocasión, el LesGaiCineMad ha echado en falta al Ayuntamiento de Madrid que solo ha apoyado con espacios, cuando históricamente lo había hecho con financiación. La organización cree necesario que se involucre en los festivales que dinamizamos la cultura en la ciudad de Madrid.

La sesión inaugural, el 28 de octubre en la Cineteca de Matadero, correrá a cargo de la argentina Las mil y una, película de Clarisa Navas, que llega a la capital tras su paso por la Berlinale y después de ganar el Premio Sebastiane Latino y la mención especial Horizontes Latinos en San Sebastián. Del mismo país, se proyectarán Emilia, primer largometraje de César Sodero o Todos tenemos un muerto en el placard o un hijo en el closet de Nicolás Tete.

El cine español tendrá representación en la Sección Oficial de la mano de A Stormy Night, el primer largometraje de David Moragas, un evocador debut que recuerda al mejor cine indie norteamericano, rodado en Nueva York en blanco y negro y protagonizado por él mismo.

Uno de los clásicos del festival, como es el director canadiense, Bruce Labruce, estrena en Madrid, tras su paso por Sitges y Venecia, la película Saint-Narcisse, una revisión del mito de Narciso en clave de terror homoerótico. También se podrá ver la cinta trans Port Authority, dirigida por Danielle Lessovitz y producida por Martin Scorsese, ambientada en la escena ballroom de Nueva York, que se estrenó en el Festival de Cannes de 2019.

La sección Panorama estará conformada por títulos como Alice Junior,película llamada a convertirse en un hito generacional de los jóvenes trans, dirigida por Gil Baroni y protagonizada por Anne Celestino o Yo, adolescente de Lucas Santa Ana, quien ya estuvo presente en LesGaiCineMad con la galardonada El puto inolvidable.

Un año más el festival vuelve a apostar también por el cine documental con títulos como La generación silenciosa de Ferrán Navarro-Beltrán, que visibiliza a los mayores LGBTIQ+ que sufrieron la dictadura o La revolución bailando, película sobre el grupo musical Las chillers, dirigida por Julia Rebato y Eli Martín.

Como en ediciones anteriores, se apoyarán los cortometrajes con más de cincuenta piezas, destacando las producciones españolas en las sesiones de Lesgaicinespaña y, como novedad, una sesión especifica de animación.

El festival vuelve a poner el foco en las interseccionalidades de personas LGBTIQ+ que pertenecen a otras minorías como migrantes, racializadas o con diversidad funcional, dándoles la visibilidad que no suelen tener.

Luimelia

La serie Luimelia convertida en un fenómeno viral, se podrá disfrutar en pantalla grande el 6 de noviembre en la Cineteca, donde se proyectarán algunos de los episodios de su segunda temporada, exclusiva en la plataforma de Atresmedia. Protagonizada por Paula Usero y Carol Rovira, y dirigida por Borja González Santaolalla, se trata de un spin off de repercusión internacional basado en los personajes de Luisita y Amelia de la serie de Antena 3, Amar es para siempre. Está producida por Atresmedia TV en colaboración con Diagonal TV.

Jurado

Los actores Brays Efe, conocido por su papel en Paquita Salas u Orígenes Secretos, Fátima Baeza (Hospital Central o Servir y Proteger) y Fernando Tielve (El espinazo del diablo o Seis puntos sobre Emma) formarán parte del jurado de la Sección Oficial de largometrajes.

Asimismo, el doctor en Historia y Teoría del Arte, Alberto Berzosa, autor de los libros Cine y sexopolítica y Homoherejías fílmicas, la organizadora de la Muestra de Cine LGBTIQ+ de Zaragoza, Zinentiendo, Mapi Gracia y la documentalista Sabrina Muhate elegirán los mejores documentales de las 25 edición.

Completan el jurado los interpretes Itziar Castro (Pieles o Vis a Vis) y Zack Gómez (Por H o por B o Amar es para siempre) conforman el jurado de cortometrajes.

QueerCineLab

En colaboración con la Comunidad de Madrid, el festival vuelve a convocar el QueerCineLab que se realizará a través de ponentes de reconocido prestigio dentro de la creación audiovisual LGBTI y cuyo fin es promover la creación propia en la Comunidad de Madrid de personas dedicadas al mundo del guion y la dirección de largos y cortometrajes. Al finalizar los encuentros, las personas participantes realizarán un pitching ante el jurado, que decidirá un proyecto ganador.

Fuente LesGaiCineMad, Nota de prensa

 

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Proud Parent: El emocionante anuncio de Oreo de un padre y su hija lesbiana.

Miércoles, 21 de octubre de 2020

anuncio-oreo-padre-hija-lesbianaLa publicidad es increíblemente poderosa. Capacidad de convencernos para consumir un producto al margen, es capaz de entrar a muchísimas casas – a sitios imposibles de llegar de otro modo – y mostrar una realidad. Y este anuncio de Oreo es una buena prueba de ello. ¿Quién no ha estado nerviosa cuando llevaba a su pareja a la casa familiar? Si es un hecho emocionante per se, siendo homosexual se añade una capa de tensión… especialmente si tus padres no se han tomado demasiado bien la salida del armario. Si les cuesta.

Oreo es una marca que en más de una ocasión ha mostrado su posición a favor de los derechos LGTBIQ+ y qué mejor que hacerlo con un anuncio como este, de casi tres minutos de duración que se te pasarán volando.

En el spot vemos cuidadosamente contado ese momento que os anticipábamos en la intro: llevar a tu chica a casa de tus padres por primera vez. Nervios, dudas, miedo… ¿cómo la acogerán? ¿Será igual como el resto de tus herman@s y sus parejas hetero o habrá diferencias? Si a tus padres se les atragantó que fueras homosexual, aunque ahora lo lleven más o menos bien, sabrás de lo que hablo.

El anuncio se llama «Proud Parent» (padre orgulloso), pero a juzgar por los primeros fotogramas del comercial, no parece que sea así: caras serias, pocas palabras, gesto adusto… y es que a veces a los padres les cuesta y la verdad sea dicha, duele.

Afortunadamente, en este caso nada más lejos de la realidad: en el desenlace verás que simplemente, en ocasiones es complicado verbalizar lo que se siente, así que mejor demostrarlo con un bonito detalle… Aunque esperemos que acabe siendo capaz de hacerlo también con palabras.

Como curiosidad, la pareja que protagoniza el anuncio es pareja en la vida real. No sabemos si el anuncio llegará hasta nuestras fronteras, pero deseamos que llegue a cuantas más casas, mejor. El apoyo de la familia es muy importante para las personas LGTBIQ+.

Aquí os dejamos con el anuncio en cuestión:

«Proud Parent» (padre orgulloso),

❤️

Fuente  Ambiente G

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«Falling», primera película de Viggo Mortensen como director, Premio Sebastiane 2020 a la mejor cinta de temática LGTBI en el Festival de San Sebastián

Lunes, 28 de septiembre de 2020

vigo-pd_inFalling, primer largometraje de Viggo Mortensen como director, se ha alzado esta semana como ganadora del Premio Sebastiane, galardón que a iniciativa de Gehitu comenzó a concederse en el año 2000 a la mejor obra de temática LGTB de entre las que participan en cualquiera de las secciones del Festival de San Sebastián. La argentina Las mil y una, de Clarisa Navas, ha obtenido por su parte el Sebastiane Latino, un segundo galardón que se concede desde 2013.

«Por recordarnos que hay luchas que nunca terminan. La de un hijo homosexual y un padre que encarna las derechas tóxicas del mundo. Porque frente al enfrentamiento propone el debate y no ponernos a la altura del agresor. El eslabón más débil (el marica) rompe con la cadena de agresión familiar. En ella vencen el amor y el diálogo del cual se benefician las nuevas generaciones, que crecen en libertad». Así argumenta la página web del Premio Sebastiane la concesión del galardón a una película escrita, dirigida y protagonizada por Viggo Mortensen, actor estadounidense de fama mundial. Se da la circunstancia de que Mortensen era homenajeado este mismo año por el Festival de San Sebastián con la concesión del Premio Donostia a toda su carrera.

Falling, una coproducción británico-canadiense, narra la historia de John Peterson (interpretado por el propio Mortensen), un hombre gay que vive en California con su marido y su hija adoptiva y que se hace cargo de su padre, un anciano granjero huraño y homófobo, interpretado por Lance Henriksen, cuando este ya se muestra incapaz de vivir solo. La película se estrena en salas comerciales españolas el próximo 2 de octubre. A continuación insertamos el tráiler, con subtitulos en castellano:

El Premio Sebastiane Latino ha recaído, por su parte, en la coproduccion argentino-alemana Las mil y una, de la directora Clarisa Navas, una cinta que retrata la relación entre Iris y Renata, dos chicas de una barriada humilde interpretadas por Sofía Cabrera y Ana Carolina García. «Cuando Iris conoce a Renata, entre los monoblocks de Las Mil viviendas, siente una atracción inexplicable. La nueva presencia de Renata incomoda y los prejuicios se esparcen. Ante la hostilidad, ellas y su pequeño grupo de amigos serán la resistencia queer, haciendo que esas arquitecturas derruidas se vuelvan tan cómplices como riesgosas, y que sus encuentros sean luz en las noches del barrio», describe el argumento la web de los Sebastiane.

«El jurado ha decidido otorgar este premio a ‘Las mil y una’ por ser una película que narrativa y técnicamente refleja con gran naturalidad las vivencias disidentes de un grupo en un entorno marginalizado», apunta la web de los premios. «Muestra la vulnerabilidad y la fuerza que conviven en los diversos tipos de personas del acrónimo LGTBI», explica el jurado de GEHITU, para quien Clarisa Navas «demuestra que se puede hablar en una película de los afectos y sexualidad de los adolescentes con realismo y sin que la ‘magia’ de la historia de amor central se pierda».

Os dejamos con el tráiler:

Fuente GEHITU, vía Dosmanzanas

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El corto gay de Loles León, inspirado en una historia real.

Sábado, 19 de septiembre de 2020

Hace unas semanas atrás se viralizó en las redes sociales el fragmento de un corto maravilloso. La gran actriz Loles León interpreta a Chary Quintanilla, una madre soltera de Badajoz, feminista y luchadora, madre de Julián (el director del corto).

Aquí puedes ver el minuto y medio que se hizo tan famoso:

Ver a Loles León gritando a todo pulmón:  “Y una cosa más te voy a decir y que se entere el mundo entero. En esta puta vida y para dos días que vamos a vivir, que cada uno se coma lo que quiera mientras no moleste a nadie, ¿estamos?” es muy grande.

La escena forma parte del cortometraje «El mundo entero», un homenaje que Julián Quintanilla hace a su madre, que falleció de cáncer siendo muy joven.

Julián, que es gay, visita a su madre en el cementerio cada día para su cumpleaños. Así surge la idea de realizar este corto, con conversaciones imaginarias que tiene con ella. “Este corto es un homenaje a mi madre, y a todas esas madres solteras que sacaron a sus hijos adelante solas y que se enfrentaban a diario a los prejuicios de la gente. En su caso, se tenía que enfrentar también a las críticas e insultos por mi sexualidad”, comentó a El País.

Al mismo periódico Loles León asegura: “La Chary era una luchadora, una feminista de los años setenta y ochenta, de esas que no se callaban nada y que siempre andaban reivindicando derechos e igualdades; si estuviera viva hoy estaría dando muchísima caña”.

Aquí puedes disfrutar del corto completamente:

EL MUNDO ENTERO de Julián Quintanilla, gratis online… ¡La peliculita de La Chary! —English Français Deutsch Italiano Chinese— from EL HIJO LA CHARY PC on Vimeo.

Fuente Oveja Rosa

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La escalofriante historia de Dennis Nilsen, el bárbaro asesino en serie gay que horrorizó a una nación con sus horribles crímenes.

Sábado, 19 de septiembre de 2020

Dennis Andrew NilsenDennis Nilsen

La historia de Dennis Nilsen, uno de los asesinos en serie más prolíficos del Reino Unido, está siendo contada en el nuevo drama de ITV, Des.

Des, protagonizado por David Tennant como Nilsen, explora la vida del asesino en serie gay y necrófilo conocido por una generación como el Asesino de Muswell Hill, después del suburbio del norte de Londres donde cometió sus crímenes.

La serie de tres partes toma su nombre del apodo que Nilsen usaba para parecer más accesible a sus víctimas: jóvenes y niños, muchos de los cuales eran homosexuales y personas sin hogar.

Fue encarcelado de por vida después de que la policía encontró restos humanos obstruyendo los desagües fuera de su casa. Había estado hirviendo, quemando y a veces tirando por el inodoro los cuerpos desmembrados de sus víctimas, los últimos pasos de una escalofriante rutina que había desarrollado. Aunque Des sin duda hará que la visión sea inquietante, la verdadera historia detrás del drama es aún más horripilante.

Dennis ‘Des’ Nilsen nació en Escocia en 1945, y según el ya desaparecido sitio web Crime Library, era especialmente cercano a su abuelo que murió cuando tenía seis años. El asesino en serie quedó traumatizado al ver el cadáver de su abuelo en un ataúd abierto, una experiencia que más tarde sugeriría que le llevó a su fascinación por los cadáveres. Cuando era adolescente, se dio cuenta de que era gay, pero su orientación sexual lo dejó confundido y avergonzado, así que intentó suprimirlo. En 1961, poco después de terminar la escuela, Nilsen decidió unirse al ejército como chef, y gradualmente desarrolló habilidades de carnicería. Durante sus 11 años de carrera militar, Nilsen trató de distanciarse de sus colegas para anular su atracción por los hombres.

Pero, cuando por fin le dieron su propia habitación, dijo que se acostaría frente a un espejo para no ver su propia cabeza. Fingiendo que su propio cuerpo era un hombre inconsciente, se masturbaría frente a su propio reflejo. Finalmente dejó el ejército, y en 1972 se reentrenó como policía, aunque renunció después de unos meses.

En 1975 Nilsen conoció a un hombre llamado David Gallichan, y después de pasar una sola noche en la compañía del otro, decidieron mudarse juntos. Decoraron su nueva casa del norte de Londres y compraron un cachorro y un gato juntos, pero finalmente la relación comenzó a romperse. Se separaron, y Nilsen se volvió cada vez más solitario y solitario. Un año y medio después, asesinó a su primera víctima.

El asesino en serie asesinó al menos a 12 hombres y niños e intentó matar a otros siete. Dennis Nilsen fue encarcelado de por vida en 1983 después de una horrible juerga de seis años en la que mató al menos a 12 hombres y niños e intentó matar a otros siete, la mayoría de los cuales eran homosexuales o personas sin hogar.

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Algunas de las víctimas de Dennis Nilsen (Getty)

Su primera víctima, Stephen Holmes, tenía sólo 14 años. Según sus confesiones escritas, Nilsen y el chico pasaron la noche juntos después de reunirse en un pub, pero por la mañana Nilsen tenía “miedo” de despertar a Holmes “en caso de que me dejara”. Así que decidió que el chico se quedaría con él “durante el Año Nuevo, lo quisiera o no”. Estranguló y ahogó a Holmes antes de bañarlo y lavarle el pelo. Hizo actos necrófilos con el cuerpo de Holmes, luego lo mantuvo bajo las tablas del suelo durante ocho meses. Mientras vivía en dos casas separadas en el norte de Londres, Nilsen se aferró a un patrón, atrayendo a sus víctimas a su casa con ofertas de comida, alcohol y refugio, antes de estrangularlas y ahogarlas.

Luego completó rituales similares en los que bañaba sus cuerpos, los vestía, realizaba actos sexuales con ellos y vivía con ellos durante semanas o meses. Nilsen entonces los desmembraba y se deshacía de ellos quemando los cuerpos en una hoguera, hirviéndolos o tirando partes por el inodoro. Dennis Nilsen fue finalmente arrestado en su casa en 1983. La matanza de Nilsen entre 1978 y 1983 sólo terminó cuando la policía encontró huesos y tejido humano obstruyendo los desagües fuera de su casa.

Confesó inmediatamente, e inicialmente afirmó haber asesinado al menos a 15 personas, aunque no las identificó a todas. Fue condenado por los asesinatos de seis hombres y niños: Kenneth James Ockenden, Martyn Brandon Duffey, William David Sutherland, Malcolm Barlow, John Peter Howlett y Stephen Neil Sinclair. Hubo otros que sobrevivieron, y Nilsen también fue condenado por dos cargos de intento de asesinato.

Fue condenado a cadena perpetua en noviembre de 1983. Nilsen proporcionó algunos de los primeros cuadernos al biógrafo Brian Masters, quien los usó para su libro Killing for Company de 1985: La historia de un hombre adicto al asesinato. Aunque Nilsen nunca reveló el motivo de los asesinatos, el título del libro hace referencia a la teoría común de que mató y guardó los cuerpos de hombres y niños para tener compañía masculina.

El asesino en serie murió en prisión en 2018, a la edad de 72 años, de cáncer. Des comienza en la ITV el lunes (14 de septiembre) a las 9pm, y continúa el martes y miércoles.

Fuente Pink News

 

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