«Desde el punto de vista de las víctimas»

 En «Gracias a Dios» se cuenta uno de los casos más relevantes de pederastia en la iglesia francesa, las acusaciones de más de setenta niños que denunciaron abusos en los años 80 y 90 del padre Bernard Preynat

Es la primera vez que Ozon («En la casa», «Frantz») se centra en una historia pegada no solo a la actualidad, sino totalmente basada en hechos reales

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El cineasta Francois Ozon ha querido hablar «desde el punto de vista de las víctimas» de la pederastia eclesiástica en «Gracias a Dios», un filme que provocó polémica desde su primera proyección en la Berlinale y que llega a España la próxima semana.

Una película que debería haber sido un documental pero que, al final, tuvo caras de ficción para contar mejor una realidad aún no resuelta: el caso real de abusos a menores por parte de un cura católico de Lyon (Francia).

El realizador lo tuvo «muy claro» desde el principio

«Quería hablar desde el punto de vista de las víctimas; con la Iglesia me limito a mostrar unos hechos que, por otro lado, fueron muy conocidos en Francia, el ‘gracias a Dios’ que dijo (el cardenal Philippe) Barbarin en la rueda de prensa en la que se exculpaba de los crímenes porque habían prescrito ocupó muchos titulares».

Pero las víctimas «no estaban» en el corazón de Francia, ha indicado el realizador en una charla con Efe en Madrid, a donde ha viajado junto a uno de los protagonistas de la cinta, Denis Ménochet, conocido en España por su interpretación en la brutal «Custodia compartida».

En «Gracias a Dios» se cuenta uno de los casos más relevantes de pederastia en la iglesia francesa, las acusaciones de más de setenta niños que denunciaron abusos en los años 80 y 90 cuando eran boy scouts a cargo del padre Bernard Preynat, que reconoció los abusos, pero que aún no tiene fecha para declarar ante el juez.

Sí lo hizo el mes pasado, entre otra decena de personas encausadas, Barbarin, cardenal arzobispo de Lyon, que fue condenado a seis meses que no le llevarán a la cárcel pero sí lograron su dimisión, que, «por cierto -detalla Ozon- el Papa ha rechazado».

«No establezco jerarquía en el sufrimiento, pero opino que estos hombres abusados en su infancia son una bomba de relojería, porque cuando sufren el problema no lo entienden, no pueden verbalizar lo que les pasa, ni siquiera sus padres se dan cuenta de lo que les pasa».

Y «ese sufrimiento se queda en su subconsciente, en tercer o cuarto plano, y a medida que crecen vuelve a la superficie, sobre todo cuando tienen hijos de la misma edad que tenían ellos cuando fueron abusados y entonces explotan«.

Es la primera vez que Ozon («En la casa», «Frantz») se centra en una historia pegada no solo a la actualidad, sino totalmente basada en hechos reales, y también es la primera en la que opta por contener su estilo irónico y socarrón para mostrar asépticamente los hechos deplorables que denuncia y que, sin embargo, nunca muestra.

Explica que esto ha sido así porque conocer a los protagonistas reales hizo que se contuviera: «Hay con ellos mucha menos distancia que con los personajes de mis otras películas».

La película está estructurada como una carrera de relevos que comienza con un corredor de fondo, Alexandre (Melvil Poupaud), un católico practicante padre de cinco hijos que un día, cuando él ya tiene cuarenta, ve al cura que abusó de él en su infancia en una imagen en internet que le muestra rodeado de niños.

Su lucha, su denuncia -primero, ante la propia iglesia- y su decisión provocan una bola de nieve que recoge un policía; éste localiza a Francois (Denis Ménochet), un ateo que pone en marcha una asociación, «La palabra liberada», donde recoge testimonios de otros como ellos. Así conocen a Emmanuel (Swann Arlaud), un joven enfermo e inadaptado.

Menochet ha comentado con Efe que, a pesar de su aspecto rudo y su cara de ‘pocos amigos’ -acepta entre risas-, la fragilidad también está en él, «todos los seres humanos la llevamos, pero este tema casi lo exigía», aunque apunta que fue «la mirada de Francois lo que me dirigió hacia esa fragilidad».

El actor considera que «cuando se habla de pederastia, no se empatiza con las víctimas» y confía en que esta película ayude a ello. «Me parece magnífica como película y necesaria para la sociedad por la puerta que ha abierto incluso dentro de la iglesia».

Fuente Agencias/Religión Digital

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Del blog de Peio Sánchez Cine espiritual para todos:

La película, interpretada por Nicole Kidman y Rusell Crowe, se estrenó el viernes en España

 El filme cuestiona una comprensión del cristianismo donde la orientación homosexual es presentada como un alejamiento de Dios y donde el juicio divino parece no tener nada que ver con el amor al ser humano

El mito de las llamadas terapias de conversión homosexual es puesto en tela de juicio por esta película desde la perspectiva preferente del papel de las familias. También cuestiona una comprensión del cristianismo donde la orientación homosexual es presentada como un alejamiento de Dios y donde el juicio divino parece no tener nada que ver con el amor al ser humano en anchura, profundidad y extensión.

Lo más valioso del film es su valor testimonial, a lo que se añade la presencia de un trío de actores magníficos -Kidman, Hedges y Crowe, que por este orden transmiten verdad- y una sólida finalidad educativa. Aunque esta pretensión didáctica tiende a quitar dramatismo a una historia que se hace demasiado previsible, aunque para nada simplificadora.

Jared Eamons (Lucas Hedges), que tiene 18 años,  y sus  padres viven en Arkansas donde participan de una comunidad bautista en la que el padre (Russell Crowe) tiene una fuerte implicación mientras que la madre (Nicole Kidman) le secunda. Después de que su hijo marcha a la universidad reciben la llamada de Henry (Joe Alwyn), un compañero perverso, que anuncia a Nancy que su hijo es homosexual. La noticia trastoca a la pequeña familia. El padre, aconsejado por algunos miembros de la congregación, decide dar un ultimátum a Jared: O ingresa en un programa de deshomosexualización o es repudiado por su familia y amigos.

El joven acaba en “El refugio”. Allí Victor Sykes (Joel Edgerton), responsable del centro, se propone devolverlo a Dios a base de que renuncie a su inclinación sexual. La terapia es tan resolutiva – Biblia incluida- como mortal. Antes del hundimiento el amor incondicional viene al rescate, aunque quizás llega demasiado tarde.

El actor y director australiano Joel Edgerton hace suyo el reciente libro de memorias de Garrard Conley. Así escribe el guion, interpreta a un personaje clave, dirige y, por si fuera poco, co-produce. El éxito de público ha sido muy notable en EEUU, lanzado sin duda por la potencia de los actores protagonistas. Su estreno fue un acontecimiento mediático que ha puesto los focos en estas pseudoterapias, por las que -según reflejan los títulos de créditos finales- ha pasado la increíble cifra de 700.000 personas.

El reduccionismo antropológico del fundamentalismo religioso está presente en el posicionamiento religioso del padre y de la institución supuestamente educativa. En la medida en que se simplifica la naturaleza humana de sus componentes bio-corporales, sociales, psico-afectivos y espirituales se dibuja una grotesca y peligrosa caricatura. La consecuencia teológica de este planteamiento es devastadora para la comprensión del Dios cristiano, que se encarna más en una armadura moral que en el amor desmedido por todo lo humano. No se trata de una gran película, pero es imprescindible como aviso convincente para navegantes.

NB. Un derecho religioso: Todo ser humano puede rezar a Dios

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Cada vez hay más marcas que apuestan por la diversidad en sus comunicaciones, un paso, que para muchas empresas clásicas, es difícil de dar. En esta ocasión es la marca de ropa Ralph Lauren la que por primera vez incluye a una pareja homosexual en su publicidad.

En este caso se trata de un anuncio que celebra la diversidad de las familias y en el que podemos ver parejas afroamericanas, asiáticas, de diferentes edades, monoparentales y una pareja de lesbianas en un intento de la marca de seguir los pasos de otras campañas en las que la diversidad es el tema. Hoy en día, como consumidores, ya no nos sirven los anuncios dirigidos al “cabeza de familia”, queremos que nos hablen a nosotros desde nuestra diversidad, por esta razón cada vez son más las empresas que apuestan por este tipo de publicidad.

Según la responsable de marketing de Ralph Lauren, esta es la primera vez que la empresa utiliza una pareja homosexual en su publicidad y las razones para hacerlo han sido:

Vivimos en un mundo en el que el significado de familia es más amplio, más grande y más personal de lo que ha sido nunca. Creemos que la familia es una de las fuerzas más positivas y unificadoras que existen en el mundo actual. La campaña es una expresión fresca de esta idea.

https://www.youtube.com/watch?v=eAjq_y-U7jY

Fuente AmbienteG

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El universo de los superhéroes se está volviendo cada vez más incluyente. DC Universe acaba de anunciar que el activista y actor trans Chella Man, que también es sordo, se unirá a la segunda temporada de los Titans como Joseph Wilson (nombre en clave Jericó), el hijo metahumano de Deathstroke que tiene la capacidad de poseer a cualquiera con quien haga contacto visual.

Debido a que Jericho fue silenciado cortándole las cuerdas vocales, normalmente se comunica a través de Lengua de signos o utilizando las voces de aquellos a quienes ha tomado, y será interesante ver cómo los Titanes lo adaptan de una manera que resalte el resto de los talentos del personaje.

Chella Man tiene 20 años y vive como hombre trans desde los 17 y para él, como persona trans y persona con discapacidad, interpretar a Jericho es un reto no solo profesional sino personal.

Dio la noticia mediante su cuenta de Instagram, donde publicó un collage de él y el personaje de Jericho así como un mensaje sobre lo que interpretar a este héroe representa.

«¡El secreto salió a la luz! Es irreal poder anunciar que interpretaré a Jericho en la temporada 2 de Titans con el Universo DC.”

“En los comics, el personaje siempre usa Lengua de signos, ya que un villano cortó sus cuerdas vocales. Sus poderes se activan con la mirada. Si mira a alguien a los ojos puede controlar su cuerpo”.

“Como una persona trans y sorda, siempre he reconocido el poder en mis diferencias. MUCHAS gracias a todos los que me han apoyado en este proceso. No puedo esperar a que la vean!».

Fuente Oveja Rosa

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Hace treinta y cinco años, llegaba a los cines de España Vestida de azul (1983), el primer documental patrio protagonizado por seis mujeres trans que se estrenaba en salas comerciales. Y, para sorpresa de sus responsables, se convirtió en un éxito de taquilla que amortizó muy bien los cuatro duros que había costado ponerlo en marcha. Esa cinta, pionera y de gran interés informativo, es el punto de partida del ensayo Vestidas de azul. Análisis social y cinematográfico de la mujer transexual en los años de la Transición española (Dos Bigotes), donde la periodista Valeria Vegas analiza cómo los medios y el cine abordaban la transexualidad en una época hostil para un colectivo demasiado expuesto. 

La escena inicial de esa atípica película ilustra muy bien la esencia de la trama: la reasignación de la marginalidad. En esa secuencia, un grupo de mujeres —entre las que se encuentran varias de las protagonistas— ejerce la prostitución en una calle de Madrid cuando un coche policial se presenta en el lugar para llevar a cabo una redada contra trabajadoras sexuales. La escena podía ser ficcionada, pero recreaba una situación nada extraña para las allí presentes, puesto que cualquier agente podía detenerlas en esa época amparándose en la entonces aún vigente ley sobre «peligrosidad social».

«Eran años donde el término travesti ni siquiera se veía confuso (salvo cuando el entrevistado era un médico), y se asumía erróneamente que englobase por igual al artista transformista que a las mujeres trans», explica a Dosmanzanas la autora. «Porque ‘travesti’ no se empleaba para los hombres trans. Ellos, afortunadamente, resultaban invisibles ante ese error descriptivo. Las protagonistas empleaban el término de la misma manera coloquial que lo hacía el resto de la sociedad».

A fin de cuentas, la información sobre el tema brillaba entonces por su ausencia en una España que jugaba, como podía o sabía, a ser moderna. Algo de lo que daban buena cuenta las protagonistas del bizarro documental, que en las conversaciones que mantienen entre ellas esbozan sus alegrías e ilusiones, pero también sus miserias y los motivos por los que, tan a menudo, se sentían despojos humanos. «El mundo, la sociedad y su entorno no cesaban en decirles que eran lo peor. Y ellas se lo acababan creyendo. Digamos que en aquella España aún no había calado el ‘I will survive’ de Gloria Gaynor. No había autoestima ni desde la cultura de masas», apunta Vegas.

La perra vida a la que estaban abocadas las minorías sexuales en esa época se cebó fuera de los focos con las seis protagonistas de la película. De hecho, cuatro de ellas (Eva, Loren, Tamara y Renée) fallecieron víctimas del sida, la drogodependencia o la exclusión social. Hoy día, solo sobreviven Nacha y Josette —a quien muchos daban por muerta hasta hace poco, y que en la película protagoniza un curioso reencuentro con quien entonces era su exmujer en la vida real— . «Josette vive en Madrid, nunca se sintió identificada como mujer trans y en los años noventa regresó a su identidad masculina. Nacha lleva una vida tranquila en Vigo», apunta Vegas.

La intención inicial de su director, Antonio Giménez-Rico, era la de hacer una película de ficción, pero el burgalés cambió de idea a medida que, en el proceso de documentación, se acercaba a la triste realidad de las mujeres trans de la época. Eso sí, tuvo claro desde el primer momento que no quería caer en el sensacionalismo ni los prejuicios. Y que tampoco pretendía juzgar ni moralizar a la sociedad.

El cineasta cuenta en el ensayo que, al principio, trató de buscar perfiles distintos, pero vio que aquello sería una misión casi imposible, dado que la inmensa mayoría de esas mujeres se veían obligadas entonces a dedicarse al mundo de la prostitución y el cabaré. Lo triste es que los empresarios de esas salas de fiesta con espectáculos de transformismo solían contratar a mujeres trans y travestis con el único fin de exhibirlas como fenómenos de feria.  «Y ellas, por muy buena intención que tuviesen, sabían que esos matrimonios y público variado que acudían a verlas lo hacían desde el morbo”, explica la periodista. «No se les daba la oportunidad de progresar como vedettes, y otras muchas estaban en el espectáculo sin tan siquiera valer para ello. Era el camino paralelo a la prostitución. Otra vía de explotación al fin y al cabo. Cuando a finales de los ochenta acabó la moda de los cabarets, tuvieron que buscarse la vida».

Vestida de azul se llegó a presentar en el (aún entonces no competitivo) Festival de San Sebastián, pero se perdió en el tiempo. «Hoy en día es una película maldita que estuvo años sin distribución, y parece ser que hasta la copia de la Filmoteca está algo estropeada. ¡Siempre quedará el legado de ripear el VHS!», apostilla Vegas sobre una película que hoy día forma parte de la historia LGTB española.

Pero, además de celebrar la existencia de este documento audiovisual, la periodista explica en su libro las desalentadoras claves del tratamiento sensacionalista y transfóbico que se daba en los años de la Transición a las noticias protagonizadas por mujeres transexuales: «El tratamiento transfóbico en artículos y en el cine se veía de manera natural. Era un linchamiento asumido tanto a nivel público como individual, incluso en los años noventa. La conclusión a la que llegué es que los beneficios de la democracia sólo eran disfrutables para la sociedad imperante, dentro de esa mayoría hetero-cis. Las minorías asumían los aires de libertad con la resignación de no tener ciertos derechos».

«Ha mejorado, pero ha sido una evolución lenta y torpe», responde la valenciana cuando se le pregunta si cree que el tratamiento informativo de la realidad trans ha evolucionado como debería. «Casi podríamos decir que esa ética deontológica para el colectivo de personas trans no empieza a aplicarse hasta hace un lustro. Lo importante es saber de dónde venimos, por eso quise escribir este libro. El mañana ya depende de nosotros».

Fuente Dosmanzanas

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(Nota de prensa)

La cuarta edición del Festival de Cine LGBTIQ se desarrollará entre el 6 y el 13 de abril en Centro Niemeyer y otras localidades asturianas con la finalidad de visibilizar y dignificar aquellos colectivos en los que se agrupa la ciudadanía en virtud de su orientación sexual e identidad de género, especialmente los minoritarios o considerados no normativos.

El acto de inauguración tendrá lugar en el Auditorio el sábado 6 a las 20:30 con la proyección de la película británica The Happy Prince y durante los ocho días de festival se podrán ver en Asturias un total de diez películas en 22 pases, dos exposiciones, dos mesas redondas, una sesión de cortos británicos y la proyección de una ópera grabada en el Teatro Real. El festival alcanza así diversas manifestaciones artísticas más allá del cine que complementan la oferta cultural centrada de esta edición.

Los largometrajes que forman parte de esta cuarta edición del Festival de Cine LGBITQ, todos ellos internacionales, son:

1.- The Happy Prince (Reino Unido, Alemania, Bélgica, Italia, 2018) Película de inauguración. Proyecciones: sábado 6 de abril a las 20:30 y jueves 11 a las 18:00.
2.- Let Me Fall (Islandia, Finlandia, Alemania, 2018) Proyecciones: lunes 8 de abril a las 20:30 y jueves 11 a las 20:30
3.- Tinta Bruta (Brasil, 2018) Proyecciones: domingo 7 de abril a las 12:00 y lunes 8 a las 18:00.
4.- As boas maneiras (Brasil, 2018) Proyecciones: domingo 7 de abril a las 20:30 y miércoles 10 a las 20:00 (en Castrillón).
5.- Las hijas del fuego (Argentina, 2018) Proyecciones: domingo 7 de abril a las 18:00 y miércoles 10 a las 20:30.
6.- The Miseducation of Cameron Post (Estados Unidos, 2018) Proyecciones: lunes 8 de abril a las 20:00 (en el Teatro Filarmónica de Oviedo) y viernes 12 a las 16:00.
7.- Até que o porno nos separe (Portugal, 2018) Proyecciones: sábado 6 de abril a las 16:00 y lunes 8 a las 16:00.
8.- Un coteau dans le coeur (Francia, 2018) Proyecciones: sábado 6 de abril a las 18:00 y martes 9 a las 20:30.
9.- El silencio es un cuerpo que cae (Argentina, 2017) Proyecciones: domingo 7 de abril a las 16:00 y jueves 11 de abril a las 16:00.
10.- Rafiki (Kenia, 2018) Película de clausura. Proyecciones: viernes 12 a las 20:30, sábado 13 a las 20:30 (en FICX Plus) y domingo 14 a las 20:30 (en SACO Oviedo).

Esta cuarta edición se complementa con un conjunto de seis actividades paralelas que abarcan las exposiciones, la proyección de una ópera del Teatro Real o el debate y la reflexión a través de mesas redondas. De esta forma, la vida del festival se extenderá más allá de los días de las proyecciones y de los espacios del Centro Niemeyer.

El ámbito expositivo concentra dos actividades que acercan a la ciudadanía distintas visiones de la identidad de género a través de la fotografía. La exposición Identidad e intimidad, de Germán Gómez, se podrá ver en el vestíbulo del Auditorio entre del 5 de abril al 23 de junio y en ella el fotógrafo madrileño habla de sí mismo contando su propia biografía pero también de todos nosotros y de la sociedad en la que vivimos. En las dos series fotográficas que componen la muestra habla de la identidad, de la suya, pero también de la identidad de todo un grupo social, de lo individual y de lo colectivo. En la serie Retratados emplea el dibujo, bien dentro de la propia fotografía o sobre ella, como continuación de una forma, de un gesto. Recorta y cose el papel fotográfico, evolucionando técnicamente y construyendo obras únicas, piezas irrepetibles que se encabalgan entre la pintura, el dibujo, la fotografía y se acerca a la escultura, por el volumen físico que logra. En la serie Tatuados emplea los cuerpos de amigos personales para dibujar sobre ellos momentos que reflejan la propia biografía del autor. Esta serie se completa con la información adicional que aporta la “ficha policial” que acompaña cada imagen y que funciona a modo de cartela de la cada obra.

Por otra parte, la Factoría Cultural de Avilés acogerá del 8 al 30 de abril la exposición titulada Por amor al arte, de Roberto Carrillo. En ella el autor refleja a través de la fotografía, también intervenida con pintura y otras técnicas, al igual que hace Germán Gómez, la profunda diversidad de nuestra sociedad.

El sábado 13 de abril la ópera más exitosa de Benjamin Britten, Billy Budd, llega al cine del Centro Niemeyer. Esta producción, grabada en 2017 en el Teatro Real, se basa en el relato “Billy Budd sailor”, de Hermann Melville, el autor de “Moby Dick”. En ella Britten encontró los temas que le fascinaban: el mar y el mundo de los marinos, los dilemas éticos y morales, el inefable poder de la belleza juvenil, la arrebatadora y reprimida atracción homosexual; y también las dicotomías recurrentes a lo largo de toda su obra: la confrontación entre el bien y el mal, la justicia y la ley, la transgresión y el orden, la culpa y la expiación.

El espacio para el debate y la reflexión llegará de la mano de dos mesas redondas tituladas “Identidades alternativas y memoria histórica” y “Mujeres LBTI: referencias históricas, lucha social, violencia, modelos de referencia y espacio futuro”. La primera de ellas se desarrollará el martes 9 de abril a las 18:00 y partirá de dos conmemoraciones que se celebran este año: el 50 aniversario de Stonewall y los 40 años de la despenalización de la homosexualidad en España. Tomando como punto de partida estas dos fechas los ponentes reflexionarán sobre lo que se conoce como “pluma” (lo camp), la multiplicidad de identidades del colectivo LGBTIQ y las luchas pendientes del mismo. Jordi García “Hidroboy” ejercerá de moderador de los siguientes ponentes: César Vallejo, Alberto Berzosa, Elisa Coll y Valeria Vargas. Leer más…

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Netflix cuenta en su catálogo con no pocas series, películas, documentales y docu-show de temática LGTBI. Y el 12 de abril sumará un nuevo e interesante título: “Special”.

“Special” está basada en el libro “Special: And Other Lies We Tell Ourselves”, una autobiografía que narra la vida de un jóven gay con parálisis cerebral, Ryan O`Connell. Ryan es el protagonista de la historia, se interpreta a sí mismo y es, además, el escritor del citado libre. Igualmente, es guionista y productor de la serie.

La serie, desde el prisma de ser una comedia, narrará el día a día de personas homosexuales y discapacitadas bajo un lema claro: “Por qué ser normal cuando puedes ser especial”.

En el tráiler ya se intuye que habrá una buena dosis de superación, ya que una de las frases que escuchamos es “Estuve en el armario por ser gay y estuve en el armario por ser discapacitado. Pero ya no más armarios”.

Fuente AmbienteG

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Calamity es un cortometraje presentado, entre otros certámenes, en el Festival de Cine de Málaga, en el que se trata de reflejar que, más allá de los estereotipos sobre el cambio de sexo, existe la diversidad y la normalidad.

France insiste en que su hijo Romain acuda por primera vez a una cena familiar con su novia Cléo. Es la primera vez que France va a conocerla y lo que parecía iba a ser una agradable cena cambia cuando France descubre que Cléo es una joven transexual. En esos momentos, emergen sus prejuicios y sus miedos… Y pierde el control…

Los realizadores belgas Séverine de Streyker y Maxime Feyers están consiguiendo con Calamity un gran éxito internacional. De hecho, ya han logrado la Biznaga de Plata al Mejor Trabajo de Ficción Muestra de Cine Mujeres en Escena 2018 y mejor ficción internacional en el Festival de Cine de Lanzarote.

Séverine de Streyker, montadora y realizadora, y Maxime Feyers, realizador, ponen sobre la mesa un tema candente. Y lo hacen mostrando todas las fases por las que pasa la transexualidad, ante los ojos de quien mira desde el prejuicio: el rechazo, la fascinación, la sexualización y la idealización, hasta llegar a la aceptación… o no.

A lo largo de los 22 minutos que dura el corto, logran mostrarnos con gran inteligencia que, más allá de los estereotipos, lo que hay es diversidad y normalidad, eso a lo que deberíamos de aspirar como integrantes de una sociedad libre.

Calamity es su segundo cortometraje. Ahora está trabajando en su próximo proyecto, un largometraje.

Maxime Feyers, realizador y Séverine de Streyker, montadora y realizadora del cortrometraje

Fuente Oveja Rosa

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La actriz Seyi Omooba ha sido excluida de una próxima gira del musical The Color Purple después de que se supiera que dijo que la homosexualidad «no está bien» en un post de Facebook de 2014.

El post de Facebook se volvió viral cuando la estrella de Hamilton, Aaron Lee, compartió una captura de pantalla en Twitter y dijo que debía una explicación a la comunidad LGBT+, ya que estaba dispuesta a interpretar a un personaje queer en The Color Purple.

Las compañías productoras del espectáculo, Leicester Curve y Birmingham Hippodrome, anunciaron esta noche que habían retirado a Omooba de la producción después de que el post resultara en preocupaciones «ampliamente expresadas» sobre su casting. «Tras una cuidadosa reflexión, se ha decidido que Seyi ya no estará involucrada en la producción», dice la declaración conjunta, «Esta decisión fue apoyada por los Autores y los propietarios de los Derechos Teatrales en todo el mundo. El proceso de audición, como siempre, se llevó a cabo de manera profesional y rigurosa, dirigido por un director de casting excepcional con actores que son evaluados en función de lo que presentan en la sala de audición. No operamos un proceso de selección de medios sociales en el casting de actores», concluyeron.

Omooba iba a interpretar el papel principal de Celie en la producción musical de The Color Purple, basada en la novela ganadora del premio Pulitzer de Alice Walker.

En The Color Purple, Celie es una superviviente de abuso que aprende a tener confianza e independencia después de conocer a Shug, una mujer con la que desarrolla una relación íntima y sexual.

El histórico post de Omooba en Facebook llamó mucho la atención cuando fue compartido en Twitter esta semana. En el post, Omooba dijo que no cree que la gente «pueda nacer gay». Ella continuó: «No creo que la homosexualidad sea lo correcto, aunque la ley de esta tierra lo haya legalizado no significa que sea lo correcto.»

Cuando la captura de pantalla de Lee fue compartida ampliamente, Curve Leicester y el Hipódromo de Birmingham respondieron y se distanciaron de las opiniones de Omooba. También dijeron que investigarían más a fondo la situación.

 Varios actores y aliados LGBT+ criticaron a Omooba por interpretar a un personaje LGBT+ mientras mantenían puntos de vista anti-gay.

La actriz de Holby City Amy Lennox escribió en un post: «Qué pena – Estaba emocionado de ver esto pero NO compraré un boleto si un BIGOT está jugando el papel…. increíble que alguien en nuestra industria (donde nuestra comunidad LGBTQ es una presencia fundamental/fuerza de vida en nuestro arte) pueda tener una visión tan insular sobre el AMOR».

La artista Charlotte E. Yorke escribió en un hilo de Twitter: «Sus opiniones anticuadas están equivocadas, no mi sexualidad. Ella no llega a»creer» en mí. No soy Santa Claus. Existo, soy gay, y me siento y tengo más razón que nunca.» Añadió: «Si sus puntos de vista han cambiado realmente, estamos aquí con los brazos abiertos y dispuestos a educarle sobre lo que significa ser humano y no vivir la vida a través de un libro. Pero tienes que reconocer que no eres la persona indicada para contar esta intrincada y complicada historia de amor y aceptación porque pertenece a alguien que puede inspirar a la comunidad que los rodea. No avergonzarlos«.

https://www.youtube.com/watch?v=ZfL7UzFta-g

El Color Púrpura se interpretará del 16 al 20 de julio.

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El Celuloide Oculto es un documental imprescindible, donde Susan Sarandon, Whoopi Golberg, Shirley Mclaine o Tom Hanks, entre muchos otros, nos descubren los laberintos de un viejo Hollywood que, cargado de subtexto, esquiva la censura heteronormativa y nos descubre la realidad LGTB de la sociedad a través de muchos de sus personajes.

El montaje de este documental es llanamente perfecto. Dirigido por Robert Hepstein y Jeffrey Friedman y narrado por la gran actriz, y lesbiana visible, Lily Tomlin, y estrenado en 1995, -pronto se cumplirán 25 años de su estreno- El Celuloide Oculto, un documental de 101 que mezcla el color y el blanco y negro, muestra imágenes de hasta 100 años atrás, 1895, donde don hombres bailan amorosamente agarrados en la película Edison Experimental Film o nos cuenta cómo en el cine mudo abundan las imágenes de homosexuales, tanto hombres como mujeres, aunque desde el contexto de la risa. De atrás hacia delante va revisando escenas y películas en las que nos sorprenderá ver a Audrey Hepburn viviendo un amor homosexual en La Calumnia, nos reiremos viendo como el director y el guionista se las apañaron para que Charlton Heston no se enterara del amor entre su protagonista en Ben Hur y Messala.

Un testimonio imborrable de cómo hemos aprendimos en una época a vivir en el subtexto, pero a no dejar de vivir. Lo mismo ha representado Hollywood. El realizador Jan Oxemberg explica que tanta invisibilidad y ocultismo nos ha llevado a la comunidad LGTB a una ansiedad muy entendible por tener representación en el cine que nos dura hasta hoy, muchas décadas después, momento en que empezamos a ver cumplirse nuestro sueño de ser, simplemente, uno más en el mundo del cine.

Hemos encontrado en Youtube la primera parte del documental en abierto. Y lo estamos buscando completo para poder ofrecértelo y guardarlo en nuestra biblioteca. Si sabes de algún enlace o archivo donde encontrarlo, háznoslo saber.

Fuente Oveja Rosa

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Hace unos años, en 2013, un vídeo se hizo viral, en parte era adorable y en parte gracioso. Era sobre varios niños reaccionando al amor homosexual:

En el vídeo, del famoso programa Kids React, se ve cómo muestran a los niños dos pedidas de mano muy románticas, la primera de una pareja gay y la segunda de una pareja de lesbianas.

En general los niños reaccionan muy bien, sobre todo los más mayores. Pero no Lucas Daniel Vázquez, un niño de cinco años que participaba, decía que ver las propuestas de matrimonio le ponían triste. “Ser gay es malo para ti”, explicaba. También decía que no sabía por qué pero ser gay le parecía muy mal y que si tuviera amigos así dejaría de ser amigo de ellos.

Sin duda era el más anti LGTB del grupo de niños. Pero el tiempo ha pasado, Lucas tiene ya once años y ha vuelto a participar en una iniciativa como esta.

En este nuevo experimento se enseñó a los niños un clip de la serie Andie Mack, de la que os hemos contado recientemente que es una de las series más vistas de Disney, y donde por primera vez un personaje, un chico adolescente, ha declarado: “soy gay”.

Esta vez Lucas se emocionó y los ojos se le llenaron de lágrimas. “Odio cuando la gente que es gay o lesbiana dice que es diferente, porque no lo son”, dijo.

Cuando le preguntaron por el vídeo que grabó hace varios años, Lucas declaró: “déjame aclararte algo, solo tenía 5 años y no sabía nada de la vida. Honestamente, en mi cabeza solo pensaba: `¿de qué diablos está hablando este tipo?’. Pero ahora lo entiendo porque mis padres me enseñaron. Me alegra que ellos me enseñaran que todos pueden vivir su vida”.

Al peque le pareció muy bien que Disney comenzara a agregar contenido LGTB en sus producciones. Dijo que esperaba que hubiera cada vez más historias, y que si eso no sucedía, el encabezaría la protesta para conseguirlo. ¡Qué mono!

El nuevo vídeo ya tiene más de un millón de reproducciones, y los fanáticos del programa Kids React, han celebrado al ver cómo ha crecido Lucas, tanto físicamente como en su visión de la vida.

Sin duda este experimento de Youtube nos reafirma algo que ya sabemos. Que la homofobia es solo ignorancia. Que la homosexualidad no tiene cura, pero la homofobia sí. Y se llama educación, educación en diversidad y en amor.

Aquí te dejamos el nuevo vídeo, que lo disfrutes:

Fuente Oveja Rosa

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‘Me llamo Violeta’ será una coproducción de Mediapro y Polar Star Films se estrenará en el prestigioso Festival de Cine de Málaga, que comienza mañana 15 de marzo y terminará el 24 del mismo. Pero, ¿de qué trata ‘Me llamo Violeta? Vamos a verlo.

“No es una película sobre un tema, es una película sobre personajes y sus historias que esperemos que tenga mucho recorrido en colegios, cines y asociaciones, y que estimule el debate y la reflexión”, declaraba Joan Úbeda, productor de Mediapro.

La idea es seguir las vidas de dos personas trans (menores). La de Alan, tristemente asesinado por una sociedad transfoba, y Violeta, hija de Nacho Vidal y Franceska Jaimes.

Los directores, David Fernández de Castro y Marc Parramon, han buscado historias de amor, historias limpias, por eso las personitas protagonistas son menores, para sacar la idea de transexualidad que tiene mucha gente sobre que únicamente están abocados a la prostitución.

Pero no solo Alan y Violeta están retratados en la cinta sino que también tenemos a Carla Antonelli, primera diputada trans de la Asamblea de Madrid, y Silvia Reyes, quien sufrió represiones durante el franquismo y la incompresión de la sociedad durante la transición.

“Queríamos alejarnos del morbo para contribuir a normalizar el fenómeno del transgénero infantil”

“No puede decir un señor que no conoce a mi hija, ni a mi familia, ni la situación, que no puedo llamar a mi hija Violeta”. Así escuchamos a Nacho Vidal que explica que lleva tres años intentando cambiar el nombre a su hija en el Registro Civil, pero desde la Fiscalía rechazan su petición.

Fernández de Castro y Parramon tuvieron que consultar a la Fiscalía, ya que junto con los padres son los encargados de velar por los intereses de los menores, y el órgano constitucional les recomendó no mostrar la cara de Violeta. De ahí la careta y la piscina (reto creativo). De cualquier forma, Nacho Vidal y su mujer han hecho público el caso de Violeta en programas de televisión y revistas y no es difícil encontrar fotos de Violeta junto a su familia, que la apoya contra viento y marea.

“Las leyes van por detrás de la sociedad, es lo que suele pasar, lo que esperamos es que el público entienda con nuestro documental que hablamos de personas y no de géneros. Forma parte de la sociedad y es por eso que lo hemos incluido en la película”.

Fuente Oveja Rosa

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La edición XVI de Zinegoak, el festival Internacional de Cine y Artes Escénicas Gaylesbitrans de Bilbao, que ha tenido lugar entre el 18 de febrero y el 3 de marzo, ha reivindicado ‘el poder de la pluma’. Este año, Zinegoak ha concedido su Premio Honorífico al cineasta y activista indio Sridhar Rangayan, mientras que el Premio Especial ha ido a parar a manos de la ONG Apoyo Positivo, que cumple un cuarto de siglo. «Estamos muy contentos de la acogida. Cada año es un pasito más para que Bilbao entienda la actividad como algo para toda la ciudad, y no solo para el colectivo», cuenta Pau Guillén, director del certamen, que habló con dosmanzanas para analizar las principales novedades de esta última edición.

El cineasta y activista indio Rangayan, que lleva más de dos años poniendo el foco en temáticas ligadas a los derechos humanos y la diversidad sexual, ha sido uno de los grandes protagonistas de la última edición del Zinegoak de Bilbao. El activista, que pasó unos días en la ciudad y aprovechó también para presentar su película Evening Shadows, es todo un valiente, teniendo en cuenta que hasta hace unos meses la homosexualidad estaba penada en su país.

«Rangayan decidió montar en 2001 una productora y, con ella, hacer un cine que no se podía hacer en India, o que tenía poquísimas referencias. Teniendo en cuenta que, al año, se producen 1200 pelis allí, no tiene ningún sentido que una realidad como la LGTB esté tan invisibilizada o minorizada», explica Guillén. Eso sí, Rangayan lo tuvo bastante difícil desde el principio y, de hecho, su primera película todavía no se puede ver en las salas de cine comerciales de su país.

El cineasta se las ha tenido que ver siempre con la censura de la India, que calificaba automáticamente de ‘cine para adultos’ cualquier película en la que apareciese un personaje homosexual o lésbico. Aun así, nunca dejó de luchar y sigue peleando por sacar adelante sus proyectos audiovisuales.

«En 2009, cuando un tribunal deroga la ley 377, se da una apertura en la India y él aprovecha ese espacio para montar Kashish, uno de los primeros festivales queer del país y un festival que en 2013 sufre un revés, al igual que toda la comunidad LGTB de la India», comenta Guillén, en referencia a la decisión de la Corte Suprema de la India de pronunciarse en contra de la despenalización de las relaciones homosexuales. En ese momento, el colectivo LGTB del país volvió a experimentar entonces una situación de vulnerabilidad absoluta.

Por otro lado, la organización del festival decidió otorgar un premio especial a la ONG Apoyo Positivo, por la labor que esta lleva a cabo desde hace veinticinco años. «En los últimos años están haciendo un trabajo fantástico en torno a la sensibilización sobre cuestiones de salud sexual en el colectivo de hombres que tienen sexo con otros hombres. Pero también acercándolo al colectivo de las mujeres, utilizando para ello un lenguaje que conecta muy bien con las nuevas generaciones. Han apostado por lo audiovisual y han construido una webserie, ‘Indetectables’, de la que ya se prepara la tercera temporada», expone Guillén.

El poder de la pluma

Zinegoak,  creado en 2004 y organizado por la asociación Hegoak, ha conseguido crecer en estos años hasta convertirse en un referente en Bilbao. «Intentamos utilizar una herramienta cultural, y el cine, como arma para hablar de diversidad sexual de una forma amplia, y para lanzar mensajes. Ir un poquito más allá de lo que ya va calando, de lo que tiene que ver con orientación del deseo o con identidad, y hablar de cuestiones como la expresión de género, o del género en sí mismo», señala Guillén.

El lema de esta última edición, que ha buscado incidir en la expresión de género y la plumofobia, ha sido ‘el poder de la pluma’. «Se trata de visibilizar todos aquellos aspectos que tengan que ver con la diversidad sexual. Y este de la expresión me parece básico. ¿Por qué tenemos que estar expresando nuestra identidad en función de los parámetros que nos exige la sociedad?», razona el director. «Lo poderoso, en realidad, es ser tú, seas como seas, te expreses como te expreses y estés donde estés».

Por esa razón, explica, eligieron la imagen de Cassandro el Exótico —triple campeón del mundo en su categoría— para ilustrar el magnífico cartel de este año: «Cassandro es un luchador mexicano que, en ese mundo tan masculinizado y machista, ha decidido mostrarse tal cual. Ese es su auténtico poder y su forma de presentarse a los demás. Ante eso, ha conseguido el respeto y ha logrado visibilizar cosas que estaban invisibilizadas».

El palmarés 2019

Por lo que se refiere al palmarés, la keniata Rafiki se ha coronado como gran triunfadora, logrando el premio a la Mejor Dirección para Wanuri Kahiu, además de los premios de Lesbianismo y Género y Diversidad y Derechos Humano. También ha sobresalido Ni d’Éve ni d’Adam. Une histoire intersexe, documental dirigido por la directora Floriane Devigne, que trata la invisivilidad de la intersexualidad, y que ha obtenido el premio de la sección DOK, así como la mención especial del Premio de Diversidad y Derechos Humanos.

El Premio al Mejor Largometraje de la sección FIK (a la mejor película de ficción) ha sido concedido ex-aequo para Retablo, de Álvaro Delgado-Aparicio, y The Man Who Surprised Everyone, de Natasha Merkulova y Aleksey Chupov. Tal y como ha destacado el jurado, «ambas comparten una puesta en escena delicada y certera que retrata mundos aparentemente apacibles pero que albergan una violencia asfixiante y brutal. Los protagonistas libran batallas universales que trascienden al colectivo LGBT y las fronteras de cualquier índole». El mejor guion de la sección FIK, por su parte, ha recaido en 1985, de Yen Tan, «por combinar tensión y emoción en su retrato del drama personal y familiar de un joven, en un momento histórico y trágico de la comunidad LGBT».

Respecto a la nueva sección KRAK, el premio a la Mejor Película lo han conseguido ex-aequo Les Garçons Sauvages de Bertrand Manrico, «por conseguir una atmósfera onírica y mágica, y plantear una puesta en escena al servicio de una idea política: la salvación del mundo a través de la feminización» y Obscuro Barroco de Evangelia Kranioti, «por su propuesta estética y la brillantez con la que consigue aunar dos iconos brasileños en una sola pieza: la literatura de Clarice Lispector y la figura de Luana Muniz». El Jurado de Euskal Aktoreen Batasuna, por su parte, ha otorgado el premio a la Mejor Interpretación Protagonista a Félix Maritaud por su papel en Sauvage, «por su capacidad de interpretar un personaje real, con su abanico de colores durante toda la cinta, trabajando a la perfección los diferentes estados de ánimo y las relaciones de ese personaje en situaciones muy extremas».

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El pasado 8 de febrero Netflix estrenó la tercera temporada de la comedia latina One day at a time.

Y no puedes dejar de verla, porque la renovación de la serie depende de las visualizaciones.

One Day at a time la serie

En las dos primeras temporadas One day at a time, nos presenta a una familia de procedencia Cubana que vive en EEUU. La familia está formada por Lydia, la abuela, emigrante cubana, y encarnada por la gran Rita Moreno de West Side Story. La madre Penelope, ya nacida en EEUU pero con fuertes influencias latinas, y sus dos hijos adolescentes Elena y Alex.

Además de las relaciones de la familia, a la par que Elena descubriremos su sexualidad. Cómo vive salir del armario como lesbiana en una familia Latina y el encuentro de su primer amor.

En esta tercera temporada, y sin querer hacer spoilers, podremos ver cómo Elena vive su relación frente a su familia. Cómo intenta encauzar que su padre la acepte. Además de su posición frente a temas de actualidad.

Todo ello, plagado de escenas cómicas en 13 cortísimos capítulos de 25 minutos y de cameos como el de Gloria Estefan. Esperemos que mucha gente la vea, y podamos disfrutar de una cuarta temporada. Eso sí, aunque no entiendas perfectamente el inglés, te recomiendo verla en VO con subtítulos, porque el uso del lenguaje es parte de la gracia de la serie.

Como dice Gloria Calderón, su productora ejecutiva, “a Netflix le gusta la serie, a la crítica le gusta la serie, ahora sólo queda que los espectadores la vean”.

NEWS: Met with @Netflix about @OneDayAtATime S4

They made clear that they love the show, love how it serves underrepresented audiences, love its heart & humor, but…we need more viewers. They’ll decide soon.

I wish I felt more confident

WHAT CAN YOU DO? Tell friends to watch! pic.twitter.com/bkbqxp0qDC

— Gloria Calderón Kellett (@everythingloria) 20 de febrero de 2019

Fuente AmbienteG

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El actor Hugh Jackman se ha referido a su estatus de icono gay. El miércoles 27 de febrero, Jackman visitó la Universidad Tecnológica de Auckland, en Nueva Zelanda, donde actuó con estudiantes del coro Oceania Voices, que el año pasado se convirtió en un viral con su interpretación de «This is Me» (Este soy yo) de su película musical The Greatest Showman.

Durante una conferencia de prensa, se le preguntó a Jackman qué más podía hacer para consolidar su estatus de icono gay. El intérprete se rió y luego, según Newshub, dijo: «No tengo ni idea… Me encanta contar historias. Fue un privilegio hacer de Peter Allen».

Jackman se refería a su actuación ganadora del premio Tony en 2003 como Peter Allen en The Boy from Oz, un musical sobre el músico que fue el primer marido de la cantante Liza Minelli antes de que se convirtiera en gay y finalmente muriera de cáncer relacionado con el VIH en 1992.

Jackman contó entonces una historia sobre su actuación, tan convincente que su esposa, Deborra-lee Furness, tuvo que dejar las cosas claras.

«Deb, mi esposa, vino a verla unas 40 veces. Le encantaba ese programa. Estaba en el baño en un momento dado [….] Deb está en el retrete, y podía oír a dos mujeres afuera diciendo «¿Es él o no?’. Ella sólo estuvo escuchando durante dos minutos, luego gritó:’¡No lo es!'», dijo Jackman.

El actor expresó entonces su apoyo a los avances en los derechos LGBT+, así como a las mujeres, las minorías y otros grupos marginados que habían sido ignorados o discriminados. «Estoy totalmente a favor en todos los aspectos y estoy orgulloso de ser parte de cualquier solución a la[discriminación] a través de la narración de historias», agregó.

Hugh Jackman ha estado enfrentando rumores sobre su sexualidad durante más de una década. Los rumores sobre la sexualidad de Jackman han seguido al actor durante mucho tiempo, para frustración de su esposa. ¿Es Hugh Jackman gay? Eso creen muchos. El ejecutivo de la CBS Vinny Favale, quien fue puesto en licencia en octubre por acusaciones de mala conducta en el lugar de trabajo, supuestamente llamó a Jackman «gay» y «en el armario«, así como describió el matrimonio de Jackson con Furness como «falso», mientras discutía la aparición del actor en The Late Show With Stephen Colbert en 2017.

Jackman ha dicho anteriormente que no es gay, pero especificó que «no hay nada vergonzoso» en ser gay en una entrevista de 2009.

Jackman dijo en la entrevista de 2018 que no está particularmente molesto por ello: «Algunos tipos se molestan, otros dicen:’No digan que soy gay’,[pero] soy bueno», dijo Jackman.

El actor ha sido durante mucho tiempo un partidario de la igualdad matrimonial en Australia y tanto él como su esposa votaron «sí» en el referéndum postal de 2017 sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo,

Fuente Cromosomax

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Según publican en The Observer, Guadagnino estaría en conversaciones con HBO para crear una nueva serie de ocho capítulos de una hora de duración, que se llamaría We Are Who We Are (Somos quienes somos) y de la que Guadagnino se encargaría de escribir el guión (junto a Paolo Giordano y Francesca Manieri) y dirigiría los primeros dos episodios y el final de temporada. Pero, lo importante, ¿de qué va We Are Who We Are? Pues la serie viene a ser la secuela espiritual de Call Me By Your Name…

El director de Call Me by Your Name, Luca Guadagnino, está trabajando en un nuevo programa de HBO sobre un adolescente gay que vive en una base militar italiana con su madre lesbiana y su esposa. Guadagnino está dirigiendo los dos primeros episodios del programa, así como el final de la primera temporada, informó el martes (26 de febrero) el sitio de noticias de EE.UU. Observer.

La serie es conocida por ahora como We Are Who We Are Who We Are y estará compuesta por ocho episodios, cada uno de una hora de duración, centrados en el protagonista estadounidense de 14 años, Fraser Wilson, y su amiga Caitlin Harper, que también tiene 14 años.

La historia se abrirá con la llegada de Wilson de la ciudad de Nueva York a la base militar con su madrastra y su madre, que acaba de ser nombrada coronel. Empezará a hacerse amigo de otros niños de la base, como Caitlin, y de algunos de los adolescentes italianos de la zona, al tiempo que acepta su identidad, sus sentimientos por su amigo íntimo Mark, que sigue en Nueva York, y su «inocente conexión romántica» -como lo describió el Observador- con un soldado mayor en la base llamado Jason.

El programa también promete abordar los estereotipos de género a través del personaje de Caitlin, que pasa el tiempo cazando con su padre, sabe cómo usar un rifle semiautomático y cómo boxear.

Parece ser que comenzará a rodarse a finales de mayo y se espera que termine en octubre.

Además del programa de HBO, Guadagnino también está desarrollando una secuela de Call Me by Your Name, nominada al Oscar, que protagonizaron Timothée Chalamet y Armie Hammer como amantes. El director reveló el año pasado que estaba trabajando con el escritor André Aciman en la esperada película.

Dijo: «Ya estoy concibiendo la historia con André Aciman, y va a suceder cinco o seis años después. Va a ser una nueva película, un tono diferente.» Guadagnino continuó diciendo que tendría que terminar el guión antes de que se supiera cuándo y dónde comenzaría el rodaje. También ha dicho que la secuela abordaría la crisis del SIDA, diciendo a The Hollywood Reporter que «iba a ser una parte muy relevante de la historia».

Por el momento desde HBO no han confirmado o negado que el proyecto sea real y que ésa sea la trama; pero los supuestos productores de la serie (Lorenzo Meili y Riccardo Neri) sí han dicho que el próximo proyecto de Guadagnino será una serie.

Fuente Cromosomax/HazteQueer

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La 91ª edición de los Premios Óscar ha presentado el palmarés más LGTB de la historia de la entidad, si bien la representación escogida no es necesariamente la mejor. Así, tanto la película receptora del máximo galardón (Green Book) como la que más laureles ha recibido (Bohemian Rhapsody) cuentan con protagonistas homosexuales, pero retratados desde una perspectiva reaccionaria. Aun así, hay motivos para festejar.

Como ya he comentado, la gran vencedora de los Premio Óscar ha sido Green Book, de Peter Farrelly, que, tal y como logró hace poco Argo (Ben Affleck, 2012), se ha hecho con el máximo entorchado pese a que su director no lograra siquiera ser nominado. A dicho laurel ha sumado el respectivo a mejor actor secundario para Mahershala Ali, quien ya recibió hace dos años el mismo entorchado por otra cinta de temática LGTB donde, sin embargo, encarnaba a un personaje heterosexual: Moonlight (Barry Jenkins, 2016). Se trata, por cierto, del segundo actor afroamericano que logra dos estatuillas (el primero fue Denzel Washington). Simpática pero facilona y paternalista desde el punto de vista social, la película se ha alzado con el reconocimiento a mejor guion original para Brian Hayes Currie, Peter Farrelly y Nick Vallelonga, perdiendo sólo los relativos a mejor montaje y mejor actor (Viggo Mortensen, precisamente lo mejor de la película).

Las dos derrotas de Green Book se deben a la otra cinta mencionada, Bohemian Rhapsody, de Bryan Singer (más o menos, pues fue despedido por mala conducta), que dio al intérprete de ascendencia egipcia Rami Malek el reconocimiento a mejor actor por su sorprendente pero superficial transformación en Freddie Mercury y recibió también tres entorchados que van a menudo de la mano: montaje (John Ottman, quizá compensado por hacer todo lo posible por salvar la obra tras una producción harto problemática), mezcla de sonido (Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali) y, robado a El primer hombre, de Damien Chazelle, montaje de sonido (John Warhurst y Nina Hartstone). Sólo perdió, por consiguiente, en la categoría correspondiente a mejor película, no pareciendo haberle afectado mucho la pésima fama de su realizador, envuelto en polémica por abusos sexuales. Por no hablar de los muchos tópicos donde cae la cinta al abordar la sexualidad del vocalista de Queen.

A La favorita, del siempre arriesgado realizador griego Yorgos Lanthimos, no le fue tan bien: partía de 10 nominaciones y al final sólo se hizo con la correspondiente a mejor actriz, recogida por una emocionada Olivia Colman que no esperaba en absoluto imponerse a Glenn Close (La buena esposa, de Björn Runge) pese a merecerlo por completo. Su discurso fue, de hecho, el más emotivo y auténtico de una noche por lo general prefabricado. Las nominaciones que no fructificaron fueron: película, director, guion original, actriz de reparto (Emma Stone y Rachel Weisz, ambas perfectas, pero ya premiadas en su día), fotografía, montaje, diseño de producción y vestuario, estos últimos recogidos a última hora por Black Panther, de Ryan Coogler, en lo que se antojan reñidas batallas. Quizá estemos ante una obra demasiado valiente para la Academia.

Peor suerte aún corrió ¿Podrás perdonarme algún día?, de Marielle Heller, nominada en los apartados de guion adaptado, actriz (Melissa McCarthy) y actor de reparto (Richard E. Grant) pero finalmente no premiada (en el caso de estos dos últimos, ambos geniales, frente a otras interpretaciones LGTB ya mentadas). Tampoco la sueca Border, de Ali Abbasi (que personalmente leo como un canto LGTB aunque no lo sea necesariamente), pudo imponerse en la sección del maquillaje, que dio el único premio a otra cinta que, sin ser LGTB, sí tiene un hueco para la crítica a la homofobia política: El vicio del poder, de Adam McKay. A su vez, Ha nacido una estrella, de Bradley Cooper, dio a Lady Gaga (cuyo personaje actúa en un club de Drag Queens) el esperado premio a mejor canción por “Shallow”, la cual ambos interpretaron en directo con suma entrega.

Estamos por tanto ante un triunfo agridulce porque las películas de temática LGTB menos premiadas son las mejores de la edición, así como las que ofrecen una visión más progresista de nuestra comunidad (que no necesariamente positiva: ¡vaya personajes más peliagudos!). De todos modos, lo que sí podemos festejar sin lugar a dudas es que tres de las cuatro categorías interpretaciones premiaran trabajos LGTB, siendo, eso sí, una pena que ninguno de los intérpretes lo sea realmente en la vida real. Y no por ellos, que evidentemente son lo que son, sino porque los actores y actrices que han ganado el Óscar estando fuera del armario se cuentan con los dedos de una mano. (Más información sobre todas estas películas en mi última columna.)

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La argentina Breve historia del planeta verde, dirigida por Santiago Loza, se ha alzado con el Teddy 2019, el galardón que la Berlinale concede a la mejor película de temática LGTB presentada en cualquiera de sus secciones. Recoge el cetro de la brasileña Tinta Bruta, que ganó en 2018, y de la chilena Una mujer fantástica, que lo hizo en 2017. Parece claro que el cine latinoamericano está en racha por lo que a representación de la realidad LGTB se refiere. 

Breve historia del planeta verde está protagonizada por Romina Escobar, Paula Grinszpan y Luis Soda, y parte de una premisa realmente curiosa: Tania (personaje interpretado por Escobar) es una chica trans que, tras la muerte de su abuela, descubre que esta ha pasado los últimos años de su vida en compañía de una criatura extraterrestre. Junto a sus amigos Daniela y Pedro se encargará de cumplir uno de los últimos deseos de la fallecida: devolver a la criatura a su lugar de origen, lo que les llevará a emprender juntos un viaje a través de la Argentina rural:

«El premio Teddy 2019 a la mejor película de ficción es para un cinta que desborda los límites del género cinematográfico. Centrada en la amistad, la lealtad y la aceptación, que tantos de nosotros encontramos en nuestras comunidades. Es un cuento encantador y refrescante sobre un grupo de outsiders, infundido de un corazón y de una calidez que permiten enfrentarse a tiempos de división interna y presión social, y que tanto necesitamos hoy», ha expresado el jurado como argumento del galardón.

Lemebel, mejor documental

Pero el palmarés de los Teddy incluye más obras. El premio al mejor documental ha sido para Lemebel, que retrata la figura del artista chileno Pedr Lemebel, fallecido en 2015. Lemebel, uno de los autores más radicalmente contestatarios de América Latina, supo utilizar su homosexualidad, por la que tantas burlas recibió, en arma provocadora y combativa contra los valores morales tradicionales y las concepciones de género tan arraigadas en la izquierda en la que militó -y de la que también tuvo que soportar desprecios- como en la derecha:

El Teddy al mejor cortometraje ha sido, por su parte, para Entropia, una cinta de animación húngara dirigida por Flóra Anna Buda. «Surrealista, hipnótica y fresca; un corto divertido que explora la sexualidad y las relaciones queer», en palabras del jurado, cuyo premio especial ha sido para la coproducción chino-española A Dog Barking at the Moon, dirigida por Xiang Zi, «una película en la cual forma y contenido trabajan en múltiples niveles para contar una historia familiar, compleja y contemporánea».

Finalmente, el Teddy especial de los lectores, patrocinado este año por la web queer.de, ha sido también para Breve historia del planeta verde, mientras que el director y autor teatral alemán Falk Richter fue homenajeado con un premio Teddy especial a toda su trayectoria.

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En épocas convulsas para el colectivo como estas, qué importante sigue siendo que la diversidad siga entrando en todos los hogares a través de un simple anuncio de TV. Esta vez ha sido Samsung, que recientemente acaba de presentar su nueva gama Galaxy S10, la que lo hace con un entrañable anuncio en el que veremos sus nuevos terminales y una pareja de lesbianas multirracial que esperan un bebé.

El anuncio, de un minuto de duración y titulado “Samsung Galaxy: El futuro” contiene varias escenas en las que iremos viendo los terminales de la firma coreana. En una de ellas aparecen dos mujeres haciendo la cucharita en la cama mientras una le enseña a la otra una eco en vivo a través de su smartphone. La pareja sonríe mientras mira a la pantalla, que muestra a un feto de 6,51 centímetros tras 16 semanas de embarazo.

Es una escena muy corta, pero las reacciones no se han hecho esperar tras su publicación. Como siempre, los hay de todo tipo: desde los que expresan su alegría por la pareja elegida por la compañía coreana y aquellos a los que les parece un esperpento.

En todo caso, corren buenos tiempos para la Samsung: tres nuevos teléfonos en el mercado, un sorprendente nuevo smartphone plegable y un anuncio original y diverso que muestra un tipo de familia que algunos se empeñan en ningunear. Esperemos que pronto llegue a nuestros televisores.

https://www.youtube.com/watch?v=ajD2WZioOOc

Fuente AmbienteG

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El 21 de febrero se estrenó en el Cine Gaumont “Reina de corazones”, un documental aborda la problemática trans en Argentina y retrata las vivencias de diez chicas trans pertenecientes a la Cooperativa Ar/Tv Trans.

El 21 de febrero se estrena Reina de corazones, segundo largometraje del actor y director Guillermo Bergandi, que aborda la problemática trans en Argentina. El documental tuvo un extenso recorrido en espacios alternativos, muestras y festivales y podrá verse en el Cine Gaumont de la Ciudad de Buenos Aires.

Reina de corazones también obtuvo varios reconocimientos entre los que se destacan el de Mejor Película Documental en la 16° Muestra Internacional de Cine Lgbt Cinhomo que se realizó en Valladolid, España; el Premio del público al Mejor documental en ANDELASGAI 2016, Festival Internacional de Cine Lgbtiq de, Sevilla, España; el Premio Mejor Película Argentina en el Festival IOFF International Open Film Festival realizado en Estados Unidos; Mejor película, Mención de honor como largometraje documental internacional en el 4° Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos realizado en Bogotá, Colombia (2017), y Mención Especial en el Festival de Cine Leonardo Favio realizado en Bolívar, Provincia de Buenos Aires, Argentina.

Reina de corazones cuenta la historia de diez chicas trans pertenecientes a la Cooperativa Ar/Tv Trans, una cooperativa de teatro que nació con el único objetivo de sacar a sus integrantes de la prostitución. Estudian teatro y producen sus espectáculos. Las protagonistas cuentan sus sueños, muestran su lucha, y comparten sus realidades para poder ser aceptadas e incluirse en la sociedad.

Acerca de la motivación para realizar Reina de corazones, su director Guillermo Bergandi recuerda cómo nació el proyecto.”En marzo de 2014 una amiga me propuso continuar con las clases de teatro de la Cooperativa Ar/Tv Trans. Acepté con entusiasmo la propuesta, y comencé a darles clases de teatro 4 horas semanales a un grupo de diez chicas trans. Por medio del teatro, comenzamos a conocernos desde un lugar muy personal, explorando sus mundos, sus historias y su lucha por pertenecer y ser aceptadas en la sociedad. Me di cuenta que injustamente viven en la marginalidad y sentí la necesidad imperiosa de mostrar, a través de las herramientas que conozco, sus vidas“.

“La gran mayoría de las chicas viven de la prostitución, porque no son incluidas, porque son rechazadas cuando entregan un CV, o cuando van a una entrevista de trabajo. La las forma no solo como actrices sino también como personas. Encuentran en el grupo un lugar de contención. Ellas dicen que en la cooperativa se sienten sin la máscara, sin el maquillaje. Y por mi lado deseo que la gente conozca esos perfiles”.

La película cuenta con el apoyo del INCAA y de la Universidad del Cine. También fue declarado proyecto de interés por el Ministerio de Desarrollo Social y por el Ministerio de Trabajo, Empleo y Seguridad Social.

Reina de corazones podrá verse en el Cine Gaumont a partir del jueves 21 de febrero en funciones diarias a las 20:45 hs. Para más información, ingresar a la página de Facebook de la película o a la de la Cooperativa Ar/Tv Trans.

Fuente: Prensa Reina de Corazones, vía SentidoG

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